Musicando & Cia.

El Secreto del Éxito

2011-10-04T14:08:00.011+02:00

A veces tengo la misma sensación cuando me planto delante de ciertos grupos y discos. Las comparaciones sin excepciones son impertinentes. Entre otras cosas porque nada es como fue ni volverá a serlo como es hoy. Pero la nostalgia puede causarte malas pasadas.

Por eso es que no sé aún, estoy en esa lucha interior, si el nuevo álbum de los madrileños Secretos es bueno, regular o un recuerdo vago de lo que fueron hasta que el trágicamente malogrado Enrique Urquijo dejó de existir.

Carlos Narea, el productor, se ha encargado de conservar el carisma creador de la banda más longeva, casi en solitario, de lo que fue la movida madrileña. Es limpio, con medios tiempos excelentes y sobre todo suena todo el grupo muy compacto, consiguiendo la elegancia que les acostumbra.

Su habitual registro entre el pop, el country y también el southerm rock yanqui no decepciona en absoluto y es lo que se espera de ellos. No hay mucho más que añadir, salvo que se echa en falta la interpretación entrañable de Enrique. Su hermano Álvaro hace las veces pero de nuevo las comparaciones están fuera de lugar.

En fin, que no está mal, que siguen en activo y mucho, rodando por medio mundo con su espectáculo acústico. Enhorabuena después de tanto años y por que la fórmula siga viva.

Verano a Ritmo Carioca

2011-06-23T15:52:00.008+02:00

Desde que decidió cortarse la melena el productor, compositor y cantante de Connecticut Michael Bolton no ha dejado de suavizar su música hasta límites insospechados. Su pasado melenudo de guitarreos potentes quedó atrás.

La verdad es que algunos seguidores quedaron confundidos por las cunetas del camino que proponía el marido, novio o amigo perfecto que las mamás quisieran para sus hijas, aunque éstas renegaran de tan febril deseo paterno.

Imagen limpia, impoluta, exquisita producción y no menos decoro en la elección del material propio o versionado a ritmo de Soul, R&B, que una voz de color como la suya realiza sin reparos y con acierto.

Verás, es que acaba de publicar un disco de duetos -Gems The Duets Collection (2011)- y por aquello de las casualidades quedó conectado en mi reproductor de cd la opción aleatoria de reproducción. Y ahí que apareció para mi sorpresa una exuberante versión de Somewhere Over the Rainbow.

Judie Garland seguro que observará orgullosa lo que Bolton ha hecho con su clásico; fue la primera que lo cantó para la película El Mago de Oz. Nada que ver con el original, como gustan las recreaciones. La del guapete va a ritmo carioca y se ha traído a Paula Fernandes, de 27 espléndidos años, para redondear la jugada.

La chica que aunque brasileña de voz sobria y estable consigue emocionar junto a su partener profesional se dedica al country en su labor en solitario, pero aprovechando que el Pisuerga pasa por donde no debe... En fin, que no he ido más allá en el disco hasta que no consiga desengancharme de esta bella pieza tratada con maestría y sutil elegancia. Ahí te la dejo.

Amy Winehouse, Bochorno En Escena

2011-06-21T16:29:00.009+02:00

Actuaciones de dudosa honorabilidad las hubo, las hay y las habrá por muy largo que el mundo sea en su recorrido en torno al sol. Pero algunas claman al cielo.

Me vienen de pronto a la memoria las controvertidas actuaciones de Iggy Pop, apodado la iguana, que a pecho descubierto literalmente destrozaba en ocasiones conciertos que auguraban buenas nuevas. También los sureños Dr. Hook que incluso subían a escena bebidos. Janis Joplin y Jimmy Hendrix merecerían capítulo aparte.

La era del Punk y post Punk también dio lo suyo. Ahí estaban The Jam y Sex Pistols que hacían las delicias de los morbosos en busca de carnaza con que saciar sus insidias festivaleras. No olvidemos a los Kiss.

Tampoco echemos a olvido a los destrozadores de guitarras. Por ejemplo Pete Townshend de The Who que accidentalmente rompió una y a partir de ahí en represalia consigo mismo no dejaba de dar su dosis de roturas en escena cada vez que le venía en gana. Keith Moon, el batería, se conoce que se contagió y hacía lo propio con su batería.

El ya mencionado Hendrix terminaba con semejante espectáculo destrozón sus actuaciones. Después de vagar por mundos oníricos inducidos artificialmente volvía en sí, o en no, rompiendo en escena la guitarra. También Ritchie Blackmoore de Deep Purple; Kurt Cobain de Nirvana más recientemente emprendiéndola además con el resto de equipos.

Como se observa la lista es larga. ¡Ah!, un detalle. Se dice que quien partió el melón por primera vez -¡vaya, mala comparación!- fue Jerry Lee Lewis, pero este acróbata tomaba como rehén a su piano al que después prendía fuego. El rock siempre fue revulsivo, tachado de satánico en sus inicios, alteraba los ánimos más de lo debido en ocasiones.

Viene a colación esta relación de despropósitos porque he tenido la experiencia más debastadora de casi toda mi vida. Sentí pena, y es lo último que se puede desear, al ver a mi ídolo del soul actual de ribetes clásicos, de voz recia pero embriagadora, intérprete de alta talla acabando con toda su magnificencia por los suelos de la moral. Amy Winehouse la ha vuelto a dar y de la peor forma hace un par de días en Belgrado.

Degradada, reducida a la mínima expresión la Winehouse ni siquiera septeó en escena, no. Ni fue capaz de comenzar mientras una ebria y desvaída figura tanto como ajada y ridícula semblanza de lo que alguna vez debió ser dejaba patente su defectuosa humanidad.

Allí apareció -nunca mejor dicho, parecía un espectro- completamente borracha en escena a la que aún así decidió subir sin rubor alguno que debió quedar sumergido en alcohol o quién sabe qué...

Mi generosa ingenuidad lucha por establecerse en dueña y señora de mis deseos y no pierde tiempo ni dignidad en desearle lo mejor, en la confianza que lo alcanzará, a esta víctima más que juguete roto de una mente tan genial como absurda.

Ha Muerto Clarence Clemons

2011-06-19T15:18:00.008+02:00

Sí, como un jarro de agua fría ha caído la noticia, que a pesar de las ya altas temperaturas que sufrimos su tacto nos ha resultado ciertamente gélido. El saxofonista de la legendaria banda de acompañamiento E Street Band de Bruce Springsteen ha fallecido.

Ha sido el sábado 18 de junio en Florida. Murió a consecuencia de un paro cardíaco, a su vez irremediable tras varias intervenciones en el cerebro que le habían sido practicadas en las últimas semanas para paliar los daños de un derrame cerebral y de las que permanecía en estado crítico desde el pasado 13 de este mes.

El propio Springsteen ya se había pronunciado al respecto sobre el estado de salud irreversible de su amigo y compañero Clarence Clemons, desplazándose junto al resto de la banda al lado de éste, donde han permanecido hasta el fatal desenlace.

El imponente músico había sido reclutado por el Boss en 1973 para la grabación de sus tres primeros discos, entre ellos la obra maestra Born To Run que según la crítica especializada cambió prácticamente el devenir posterior del rock and roll.

Clarence Clemons aportó un elemento básico al sonido característico de la E Street Band, la consistencia y vigorosidad de un saxo imbuido plenamente de los sonidos soul que gustaba a su ejecutor aportando frescura y clasicismo a un tiempo al rock descarado de Springsteen.

El saxofonista recaló en los primeros setenta en New Jersey para buscar acomodo en diferentes equipos universitarios de fútbol americano, su gran pasión, pero truncada por un accidente de tráfico del que resultaron maltrechas sus rodillas y de las que jamás se recuperó para la práctica del rudo deporte.

Su corpulencia dejó de brillar en los campos de competición de césped para pasar a hacerlo sobre los escenarios de madera y metal de medio mundo que recorrió junto a su banda y su amigo Bruce. Su padre, un estricto predicador, le había regalado un saxo cuando tenía 16 años que aprendió a tocar como terapia frente a la depresión que le provocó el revés futbolístico volcándose plenamente en su aprendizaje.

Clarence Clemons también desarrolló su carrera en solitario paralelamente grabando buenos discos de soul con colaboraciones insignes como las de Jackson Browne (You’re a friend of mine) o la misma Aretha Franklin; también Ringo Starr.

Clarence Clemons nació el 11 de enero de 1942, en Norfolk, Virgina y se encontró con la muerte 69 años después en Florida. Un músico que brilló con luz propia convirtiéndose en parte esencial del sonido de Bruce Springsteen y también sustento de su imagen más llamativa. Descanse en Paz "The Big Man".

Julie Dexter, Alma de Soul

2011-06-12T12:04:00.005+02:00

Unos días de asueto y por fin encontramos de nuevo el camino a casa, el disfrute de sonidos de todos los tiempos. Para comenzar lo hacemos con una mujer de color de privilegiada textura vocal que ha curtido su estilo en solitario desde el año 2000.

Y todo eso después de haber estado a las órdenes de uno de los grandes del jazz, Courtney Pine OBE, quien le invitó como vocalista de su grupo en una de sus giras en los noventa, segunda mitad de aquella década del siglo pasado. Después como embajadora del jazz a nivel internacional en el grupo J-Life en un proyecto de la British Council consiguiendo varios premios.

En el 2000 inicia carrera en solitario creando su propio sello discográfico, Ketch A Vibe Records en el que produce y compone su catálogo desarrollando influencias del reggae de Bob Marley y del jazz y soul contemporáneo en general.

Su voz es dinámica al igual que su sonido, adaptado a los tiempos modernos pero con un ambiente clásico tan particular como difícilmente transferible. Ha creado su propio estilo y se vislumbra como una compositora de alto nivel.

Desde su periplo autodidacta esta británica de Birminghan reside en Georgia, EE.UU. Poco conocida en nuestro país Julie Dexter acaba de publicar su quinto disco New Again (2011). No hay pereza alguna en corroborar tras la primera audición que efectivamente su talento sutil y delicado acaricia el alma.

Paul Simon Entrañable

2011-05-09T20:24:00.009+02:00

Es el neoyorquino partener de Art Garfunkel en los sonidos del silencio, que cruzando juntos puentes de aguas turbulentas y en un pasado aún más remoto compartiendo las delicias de los más pequeños adoptaron el nombre de Tom & Jerry en un dúo que más tarde dio la vuelta al mundo con melodías entrañables y a bordo del majestuoso Cóndor que pasó volando como símbolo de una civilización completa que les adoró.

Todo acabó en un memorable concierto en el bucólico y postdiluviano Central Park de New York. Un álbum en vivo que acabó con una década e iluminó las carreras en solitario de los cincuenta por ciento del dúo. Cierto es que ya habían comenzado con anterioridad y ahora dieron el salto definitivo.

La meliflua voz y talentosa compostura artística de Garfunkel dio de sí, lo que dio; el genio creativo y la voz plana de Simon llegó hasta nuestro días con un bagaje espléndido. Hace sólo unas semanas que se puso a la venta su nuevo disco, So Beautiful or So What (single The Afterlife). Y con él entró en la década septuagenaria de su vida.

De nuevo tacto creativo y sentido de la estética en una mano que firme en la guitarra no le tiembla en absoluto. Ponerse a prueba en semejantes cumbres de la vida personal y artística sigue siendo sin duda el motor de los buenos compositores y Paul Simon no es una excepción.

Pero no sería justo obviar, como es costumbre por los jóvenes consumidores de música, la trayectoria de este genial autor, siquiera sea rescatando alguno de esos momentos inolvidables de su cuajado currículum de éxitos. Ahí los dejo para cuando gustes. Trátate bien y procúrate un pequeño placer justo en este momento. Paul Simon bien merece una escucha.

Adele, Manjar de Dioses

2011-04-30T23:34:00.007+02:00

Cuando alguien te dice que toma como referente en su carrera musical a una de las voces más personales del jazz femenino como es Ella Fitzgerald todas las alarmas se encienden. No se pueden pronunciar nombres así en vano, el riesgo es altísimo. Requiere arrojo.

Y eso hay que demostrarlo no sólo con un disco grabado en estudio, sino, sobre un escenario que es donde brillan las estrellas y se demuestra la valía real de una voz, un estilo, la personalidad en definitiva del actuante.

De la jovencísima y británica Adele, por ahora no podemos decir que haya errado en ninguno de los dos ámbitos, el estudio y el directo. Sus dos discos hasta el momento, 19 (2008) y 21 (2011), contienen buen soul, jazz, incluso folk con una portentosa voz. Pero es que en vivo la chica da la talla y con sobresaliente.

Vocaliza, improvisa, arrecia cuando es preciso y coloca cada nota en su sitio por muy alta que se precise según el calor del tema en cuestión o el capricho interpretativo que se le antoje a cada instante. Y créeme que todo esto no es fácil de encontrar, no, no lo es. Algunos Brit Awards y Grammys avalan esa disposición en escena.

Por eso te voy a dejar a continuación la magistral puesta de largo y, más difícil todavía, en un programa de la televisión británica, del fabuloso Set Fire To The Rain de su segundo álbum 21. Potente.

La Dama del Soul Sureño

2011-04-01T12:21:00.005+02:00

Es bueno a veces rescatar del olvido a pioneras de la música soul moderna. Candi Staton es un ejemplo de buen soul sureño con una voz indiscutiblemente personal. Los grandes melómanos la distinguen con facilidad y los nuevos amantes de la música la incorporan a su repertorio nada más escucharla.

El pasado de Candi es breve sin demasiadas aristas ni vertientes posteriores. Tan sencillo como militar desde temprana edad en los circuitos de música cristiana íntimamente relacionada con el gospel, glorioso canto de alabanza.

Esto ocurrió en la década de los cincuenta cuando en especial ebullición brillaba la portentosa voz y personalidad de una de las más grandes intérpretes gospel que ha dado Estados Unidos, Mahalia Jackson, a quien Staton acompañó en su coro en esos años.

En 1968 inicia carrera en solitario ahora en torno al soul. Consiguiendo éxitos de la categoría que demuestra la peculiar versión de In The Ghetto en 1972 que poco tiempo antes había grabado Elvis Presley. Después se integra en el Disco y en 1976 graba su mayor éxito, Young Hearts Run Free. En 1982 vuelve a triunfar con boato incluido con otra versión de un tema que cantó Presley, Suspicious Minds.

A partir de este periplo extenso y exitoso por el disco la cantante de Alabama (1940) vuelve al Gospel. Desposada con el batería de Ashford & Simpson inició la grabación de discos de corte y temática cristiana hasta la actualidad, rescatando de vez en cuando algunos de sus éxitos en listas para ocasiones puntuales y facturando algún éxito como You Got The Love en 1991.

Te dejo una muestra de su música a lo largo de las décadas de actividad de Candi Staton.

Cuando el Soul Evoluciona

2011-03-29T19:38:00.006+02:00

A veces uno tiene la sensación de haberlo escuchado todo. Culpa sin duda de las producciones en serie que nos adornan con tanta maquinita infame que genera fríamente un arpegio y a correr en derredor se ha dicho.

Pero a veces de entre esa masa informe surge la chispa y de pronto la luz ilumina la escena. Traigo a una chica de Carolina del Sur para demostrar que la música evoluciona, incluso desde estilos sumamente arraigados y aparentemente invariables. Angie Stone lo consiguió.

Formó junto con Blondie en los primeros ochentas un grupeto de chicas aficionadas al funky con tendencia ya por entonces al hip-hop consiguiendo ser pioneras en éxitos femeninos en esa textura sonora. También consiguió poner voces en algunas grabaciones de Lenny Kravitz.

En 1999 inicia carrera en solitario perfilando unos formas soul muy atractivas a las que fue incorporando el modo de baile de la época. Los entendidos en el etiquetaje dicen que su música hay que situarla en el Urban, es decir, un Neo Soul resultado de la adaptación a la corriente de baile imperante. En fin, que nuestro amado soul sirve igual para un roto que un descosido.

Angie Stone tiene una voz sugerente como pocas, ¡ah! y empezó cantando en el coro gospel de su iglesia, y en la medida que es una prolífica compositora, teclista y productora musical ha creado discos a cada cual más exultante. Te dejo una muestra irresistible de su primer disco largo en 2001 Mahogany Soul.

La New Age de Bernardo Rubaja

2011-03-06T20:39:00.008+01:00

Hoy quiero proponerte un autor encuadrado en el etéreo concepto New Age. La verdad éste es un término tan sumamente impersonal que cada vez que ha existido algún giro alternativo a la música del momento, sobre todo en los últimos 25 años, se le ha acuñado sin complejo alguno.

Su nombre es Bernardo Rubaja. Nació el 22 de diciembre de 1949 en La Plata, provincia de Buenos Aires en Argentina. Músico con una formación académica importante. Comenzó con el piano a la edad de 7 años y en su adolescencia también se aficiona al bajo eléctrico formando un grupo beat que con el tiempo se convirtió en Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota donde participó en las primeras etapas de la banda.

Paralelamente estudia música clásica con Enrique Gerardi e ingresa en la escuela de Bellas Artes de La Plata en el curso de composición y dirección orquestal. Experimenta a su vez en el campo de la música electroacústica con el maestro Jorge Rapp. Viaja a París y estudia en el IRCAM (Instituto de Investigación Musical) con Guy Rebel donde desarrollan nuevas texturas sonoras de vanguardia.

Viaja a Estados Unidos y allí estudia piano y composición en el Deep Grove School of Music de Hollywood donde se graduó. A continuación estudia en la Universidad de Los Angeles Film Scoring relacionándose con el conocido compositor Mark Isham produciéndole su primer álbum para Windham Hill Records.

En la actualidad continúa su carrera discográfica para Narada Records, compañía especializada en este sonido alternativo que sigue contándolo entre sus artistas desde hace años.

La dilatada formación académica de Bernardo Rubaja avala un buen número de discos de auténtico culto. Desde que Narada se pusiera manos a la obra en la difusión de esta textura musical ha producido a autores que han conseguido elevarla más allá del conjunto de músicas de sobremesa agradables al oído. Chris Spheeris, Andreas Wollenweider, David Lanz e incluso Hans Zimmer. Bernardo Rubaja está en este elegante elenco.

El disco que te propongo es una delicia que se deja escuchar desde el minuto uno. Capta a la perfección los ambientes de seda y subrealistas en los que se inspiran músicos tan especiales como Rubaja. New Land fue publicado por Narada Records en 1990 y contó con la participación de Eduardo Márquez que militó en la banda del brasileño Milton Nascimento.

Por cierto, toda la discografía de Rubaja en perfecto formato Compact Disc.

Dr. Hook, Los Más Locos

2011-02-16T19:33:00.001+01:00

Qué se puede decir si no de quienes subían al escenario sin complejos, esto es, sin reparar en alguna que otra copa de más. Divertidos, irreverentes, practicaron un rock de tintes sureños que curiosamente al cabo de los años giró hacia un estilo bastante más dulzón pero con el que encandilaron al mundo.

Ellos no hicieron ascos a la moda imperante. Que hacía falta alguna que otra sustancia reprochable que consumir para viajar por otros mundos... ¡tonto el último!. No te digo más que su nombre en parte obedece a este apego lisérgico, Dr. Hook & The Medicine Show.

Cuando subían a escena se presentaban a sí mismos como los monstruos expulsados de los estados del sur. Como músicos este septeto se reunió por primera vez a mediados de los sesenta en un club nocturno de New Jersey desde donde se ganaron la fama de revoltosos a pulso.

Provocadores natos llegaron a realizar una campaña en favor de su inclusión en la codiciada portada de la prestigiosa revista Rolling Stone, desde siempre reservada a otro tipo de estrellas musicales más convencionales. Crearon para ello la canción Cover On The Rolling Stone en la que les conminaba a tal fin. Fue tan popular que no dejaba de sonar en todas las estaciones de radio. Finalmente el magazine musical cedió ante el hartazgo que supuso tan peculiar petición.

Al fin y al cabo se trataba de un grupo que en un solo año llegaron a dar nada menos que 270 conciertos y que terminarían sus días con 35 discos de oro y platino. Buena parte de ellos en la segunda mitad de los setenta y albores de los ochenta en que cambiaron su estilo hacia una estética más dulzona y comedida con un marcado acento country en ocasiones pero al fin y al cabo más inofensivos. Y después nada más se supo.

De esa época te dejo varios temas que dieron la vuelta al mundo presentando a los redimidos Dr. Hook como un grupo superventas de pasado menos internacional pero igualmente glorioso.

Gary Moore Ha Muerto

2011-02-14T16:53:00.006+01:00

Hace sólo unos días se encontró en un hotel de Estepona en Málaga el cuerpo ya sin vida de uno de los guitarristas de rock más reconocidos en los últimos tiempos. Fue el pasado domingo 6 de febrero y aún se desconocen las causas de la muerte, aunque todo apunta a que fue por causas naturales mientras dormía.

El irlandés Gary Moore tenía 58 años y tras de sí una larga carrera como músico de estudio e integrante de la banda de hard rock Thin Lizzy. Se empapó con total virtuosidad del blues que le llegaba desde el otro lado del Atlántico, pero no sería hasta 1990 cuando Moore encontró en ese sonido el motivo fundamental de sus composiciones hasta el día de su muerte.

Gary tuvo un momento irrepetible cuando su disco Still Got The Blues (For You) (1990) conquistó sin reparos las listas de éxitos de medio mundo. Este guitarrista tenía la fuerza y energía del mejor rock que practicó durante años y la sensibilidad sobradamente necesaria para practicar riff de guitarra ciertamente emocionantes.

Así giró por medio mundo con su reencontrado estilo que practicó desde siempre pero jamás exteriorizó. Cuenta la leyenda que en los ensayos previos de un concierto y ya en el camerino Moore calentaba dedos y de forma inopinada éstos terminaron rezumando el mejor blues clásico del que siempre estuvo enamorado y por circunstancias nunca grabó.

Todo su blues con aroma rock ahora quedó aparcado de los escenarios para siempre. Sin Gary Moore en ellos se echará en falta un poco más el sabor del blues, cada vez más escaso en pleno siglo XXI. Aún así nos quedará el recuerdo y sus muchas grabaciones decididamente ya inolvidables. Hasta siempre Gary.

Aṣa, Sonido Racial

2011-02-11T15:33:00.006+01:00

Con solo teclear un poco en los buscadores habituales podemos ubicar con toda sencillez el lugar que Nigeria ocupa en los mapas geográficos o políticos. Y si ya quieres curiosear un poco más advertirás como el crisol de etnias se conjuga con una tensa relación no resuelta entre las dos religiones dominantes, el islamismo y el cristianismo.

En este ambiente bajo el intenso calor africano se desarrolló la juventud de Aṣa, que nacida en París pasó toda su juventud en el sur de Nigeria, la patria de sus padres, empapándose de los sonidos autóctonos del lugar. La música de Erykah Badu, D'Angelo y sin hacer ascos a los discos que su padre llevaba a casa de Marvin Gaye, Aretha Franklin, Lauryn Hill o Bob Marley.

Al cabo de 20 años vuelve de nuevo a su país de nacimiento, Francia, para empezar a dar forma a toda esa amalgama de vibraciones musicales que finalmente la han conducido a realizar un soul moderno de toques sesenteros sin despreciar el jazz y toda la magia étnica que lleva impresa en su alma libre, es decir, Aṣa (pronunciado Asha) en el dialecto Yoruba.

Tras una etapa como corista en varios proyectos y después como solista dándose a conocer a base de patear la carretera de actuación en actuación, nace su primer disco en 2007, Asa; dos años después un directo grabado en París, Live In Paris; y el tercero publicado hace un par de meses.

Beautiful Imperfection (2010) tiene soul y arreglos de cuerda que le dan empaque y sobre todo la tonalidad vocal inconfundible de esta cantautora que la hace original. Aprovechando el empuje de Amy Whinehouse o Duffy, Bukola Elemide (1982) que es el nombre real de Aṣa, ofrece algo más. Prontitud y emoción.

Te la recomiendo. Estaremos pendientes de ella en adelante.

Cazando Fantasmas. Ray Parker, Jr.

2011-02-10T16:00:00.005+01:00

Siempre he considerado injusto reducir la carrera profesional de solistas o grupos a un solo éxito. Probablemente brillaron como nunca antes ni después en listas de ventas con la canción de turno que tocaba según la moda del momento. Pero me niego a eso. Lo más conocido no es necesariamente lo mejor.

Y todo ello sin perjuicio de que existan canciones que marcaran una época garantizando tanto su supervivencia como la del autor y/o intérprete al crear estilo y entrando a formar parte de la historia de la música con letras doradas.

En los primeros años ochenta el director y actor Dan Aykroyd, que tiempo atrás había creado la banda de blues The Blues Brothers a raíz del programa de tv yanqui Saturday Night Live, formó pareja en la gran pantalla con Bill Murray para el cine comercial con Ghostbusters (1983).

La canción estrella de la película estuvo 2 semanas como nº1 en listas de R&B y otras tres más en las de estilo pop un año después. Ghostbusters es una canción resultona, comercial, que elevó a los altares de la púrpura a su autor Ray Parker, Jr.

Pero Ray no era un recién llegado. Tenía en ese momento una dilatada carrera como guitarrista, compositor y productor desde Detroit. Fue músico de estudio para los archiconocidos Holland-Dozier-Holland que tanto color dieron a los éxitos de Motown con su peculiar soul en grupos como The Supremes de Diana Ross.

Pero es que se codeó con los mejores. Por ejemplo The Temptations, Gladys Kinght & The Pips y el mismo Stevie Wonder que por aquellos años ya era muy influyente. Le invitó incluso a una gira suya en la que cantó el famoso Superstition. Eso fue en 1972 en un tour que Wonder realizaba junto a los Rolling Stones.

Ha compuesto para Chaka Khan, Barry White, Cheryl Lynn, Deniece Williams y Diana Ross. Y a finales de los 70, sobre 1978, grabó su propio disco desarrollando un bonito R&B de toques funky con un grupo de acompañamiento llamado Raydio que adquirió identidad propia, tal es así que sus discos se rubricaron con el nombre de esa banda.

El último se publicó en 1981 y se llamó A Woman Needs Love figurando ya Ray Parker, Jr. como estrella única y pasando a segundo plano la banda. En él se incluye un atractivo medio-tiempo que fue nº1 en listas R&B en ese mismo año, concretamente la canción central del álbum, A Woman Needs Love (Just Like You Do), entre un total de 8 baladas funk. Disfrútala, te va a gustar.

Biceps "Muñeco de Ficción"

2011-02-07T17:35:00.005+01:00

Yace casi como en el sueño de los justos este vinilo en formato single en mi discoteca, arrumbado como si ya el tiempo se hubiera olvidado de otros años en que giró victorioso e incansablemente en el plato giradiscos.

El dúo Biceps tuvo una historia muy breve. Su música estaba directamente basada en la explosión techno que a mediados de los ochenta se desarrollaba, en plena movida madrileña sin embargo.

No había un sólo instrumento. Sólo el frío teclado pero cálido al tacto que generaba en ocasiones sonidos ampulosos pero bien construidos. Platino, Azul y Negro fueron algunos de los grupos que lo desarrollaron como eje de sus composiciones.

Formado por Antonio García Cortés y José Luis Ortega que además se encargaban de la composición, estaban producidos por Miguel Ángel Arenas que años después haría la misma labor con Alejandro Sanz.

Su techno-pop fue flor de un día. Llegaron en 1985 y unos meses después del rutilante éxito de su principal canción Muñeco de Ficción que llenó las efe emes de todo el país, pistas de baile y programas de televisión, desaparecieron para siempre.

Sólo nos queda un EP y un único álbum llamado Vampiresa, ambos encabezados por su único éxito, el citado Muñeco de Ficción. Siquiera hay detalles, accesibles al menos, que nos aclaren sus orígenes, si continuaron trabajando en el medio como compositores o abandonaron la música.

Jamás sabremos qué hubiera ocurrido con le evolución de su sonido, si habrían sido capaces de sobrevivir al colapso del sintetizador.

El Ritmo de la Calle

2011-02-04T20:04:00.006+01:00

Érase una vez un grupo de cuatro músicos británicos que se apresuraron a dar forma a un concepto musical novedoso. Notas simples, divertidas, con poco más que la base pop que ellos mismos impulsaron a uno y otro confín con un poco de descaro, juventud y ganas de divertirse.

Dicho así pareciera que hablamos de los afortunadamente inevitables The Beatles. Pero no, mire usted. La descripción puede encajar perfectamente con otros cuatro músicos, de simple instrumentación, aunque éstos completamente desenchufados, y con las mismas ganas de divertirse haciendo música sin complejos, sencilla pero muy efectiva.

Se llamaban Street Boys. Solían hacer pasacalles por la ciudad de París, arremolinando en torno suyo a cientos de curiosos sorprendidos por la facilidad pop al combinar el contrabajo, clarinete, acordeón y guitarra. Canciones frescas que contagiaron Europa en el verano de 1981.

Alguien les propuso grabar y así nació en aquel año el álbum Street Boys con toda la magia de la sencillez y espontaneidad. Imagínate esos instrumentos en directo contagiando la alegría a un público entregado sin esperar ningún virtuosismo, porque ciertamente no lo había, sólo el firme propósito de pasarlo bien, sin más.

No creas pero a veces el exceso de watios y parafernalia termina creando un monstruo de barro que expele ruido más que otro acorde medianamente legible, un muro sónico difícilmente digerible.

Curiosamente tuvieron una acogida excepcional en España. Aquí se les seguía con verdadero interés. Lástima que su vida fuera tan efímera como intensos los dos años en que enamoraban por su naturalidad. Grabaron sólo dos discos. El primero es el que funcionó. El segundo, Street Boys II, ya no fue igual. De repente un día amaneció y ya no estaban.

Ambos discos son incunables, no hay manera de encontrarlos y ni siquiera sé si llegaron a editarse en formato cd. Por fortuna sí que guardo la edición en vinilo, pero... ¡sorpresa!... en Youtube he podido localizar uno de sus cortes abanderados, Some Folks del primer álbum.

¿Neil Diamond En España?

2011-02-04T16:15:00.006+01:00

Incombustible la estrella americana Neil Diamond nos está sorprendiendo en los últimos tiempos. Su reactivación a base de naturalidad e inmediatez sonora de la mano del productor Rick Rubin le ha devuelto a sus mejores años de éxito internacional en lugares puntuales a los que prometió ir en gira de conciertos y jamás lo hizo. España es uno de esos sitios.

Hace unas semanas se rumoreó que el programa de la Cuatro que dirige y presenta Pablo Motos, El Hormiguero, había barajado la posibilidad de invitarle. Los telediarios de cadenas como Antena 3 han emitido promociones de su último disco Dreams. Las estaciones de radio se prodigan en realizar especiales en torno a su figura como cantante y compositor en los últimos cuarenta años, en ocasiones menciones que siquiera hasta hace sólo unos pocos años eran impensables.

Lo curioso es que Neil Diamond nunca ha gozado de muy buena prensa en nuestro país en el que arrasó en listas de éxitos con canciones como Song Sung Blue o America. Sin embargo ahora está presente en prensa, radio y televisión con elogios varios y todos en dirección a su buen momento actual.

Para asombro de sus seguidores que conocen al detalle sus años de trabajo incansable no se hace mención en que aunque efectivamente su producción discográfica descendió en los últimos años y las ventas de sus álbumes, aún registrando discos de oro, no llegaban a la importancia de sus años mejores, Neil Diamond no dejó de girar en concierto no sólo en EE.UU. donde agota la venta de entradas, sino también en Europa y Australia.

Aunque detractores no le siguen faltando. José Ramón Pardo, José María Íñigo o Julián Ruiz que no han dudado en calificarlo en términos poco acogedores sin duda heredados de un pasado en que la estrella escurrió sus invitaciones a programas líderes por entonces en la parrilla de tve, caso de Íñigo, o también de José Ramón Pardo que piensa perdió su carisma cuando dejó de fabricar canciones sencillas de éxito inmediato.

Afortunadamente Diamond es mucho más que todo eso. Al margen del carácter recio y algo extravagante que este autor exhibió otrora, existe un compositor de talla, de voz elegante y gran atractivo mediático, que eso es importante hoy día, y sobre todo una extrema sensibilidad en la interpretación. En su último disco prescinde de parafernalias y a sus setenta años luce una voz tratada sabiamente por el tiempo en matices nuevos que descubren una y otra vez la calidad del autodidacta de Brooklyn.

A continuación os dejo uno de esos especiales a los que hacía mención. El programa "La Madeja" de rtve realizó un especial sobre Diamond el pasado diciembre de 2010:

La Madeja - rtve 2010,

Hoy vamos a enredar en nuestra madeja a un hombre totalmente excesivo, un tipo que desafía todos los números en cuestión de cifras de ventas, canciones compuestas, versiones acreditadas por otros artistas, premios conseguidos o aforo de sus conciertos. Un tipo al que en su país natal, Estados Unidos, se le ama o se le odia, siempre en grado superlativo y sin medias tintas: Mr. Neil Diamond.

Suavemente Me Mata

2011-01-30T12:39:00.009+01:00

No hagas caso cuando oigas que las efe emes musicales de hoy se repiten mucho. No es verdad. Las de hoy y las de hace cuarenta años. Y de eso ha quedado constancia a lo largo de la historia. Ocurre que en la actualidad se han triplicado y la consecuencia es la profusión musical. Te voy a contar el caso más significativo de todos.

Corría el año de Nuestro Señor 1970 cuando el folkie y compositor neoyorquino Don Mclean debuta después de su acreditado estatus como compositor. El primer disco fue un fracaso. Pero no se puede decir lo mismo del segundo, American Pie (1972). El título del disco en cuestión llegó a publicarse en single y aquí es donde se forjó su bendita perdición. Una oda de ocho minutazos. Desde el folk la cancioncita narra una historia simbólica del Rock'n'Roll.

Puntualizando te diré que gira en torno a un acontecimiento musical bautizado según el propio Mclean como "El día que murió la música", es decir, el 3 de febrero de 1959. En esa aciaga fecha un fatídico accidente aéreo se llevó por delante a Buddy Holly, Ritchie Valens y Big Booper. Viajaban en la misma avioneta camino de una actuación.

El caso es que la canción gustó y mucho. Y las efe emes americanas no paraban de radiarla. Hasta la saciedad. Una y otra vez. Es entonces cuando la ironía entra en juego. De pronto una cantante de soul natural de Nanshville empieza a dejarse oír con un tema llamado Killing Me Softly With His Song (Suavemente me mata con su canción). Era 1973. Cinco semanas número uno y el mayor éxito de su carrera. Curiosamente se extiende la leyenda de que el temita pendenciero era una alusión a lo pesado de Mclean con su American Pie que estaba hasta en la sopa.

Pero seamos honrados y contemos la historia desde el principio. Para ello hemos de trasladarnos a California. Allí encontramos a una cantante de Folk de nombre Lori Lieberman y aficionada a la escritura de poemas. Ésta, inspirada de nuevo por El Pastel Americano, escribió Killing Me Softly With His Blues. A su vez los compositores Charles Fox y Norman Gimbal, que verás en los créditos de la canción, pusieron la música al poema de Lori y ella misma se encargó de grabarlo bajo el título Killing Me Softly. Y así nació la primera versión, la original para entendernos.

Y las cosas que tiene la vida que la grabación de Lieberman hoy sigue eclipsada por la enorme repercusión de la versión de Roberta Flack; luego en 1988 con Al B. Sure y en 1996 con The Fugees, entre otras de menos calado. Presentemos pues nuestros respetos a su autora y suavemente... la recordamos a continuación.

Michelle, Mi Bella

2011-01-29T14:11:00.008+01:00

Bonito nombre, ¿no?. Pero claro si en un blog en el que la música tiene una participación tan especial aparece de pronto "Michelle", estaría claro que nos referimos a una de las canciones más populares del grupo británico The Beatles, por ejemplo. Y estáis en lo cierto si así lo pensáis.

Siempre que traigo algo tan clásico y relacionado directamente con bandas de música o músicos tan insertos en la cultura general y una significación más allá del hecho puramente musical suelo ser prudente por pura tendencia natural. A veces deshacer el mito granjea no pocas suspicacias.

Esta canción, si no de las mejores al menos de las más populosas de la banda de Liverpool, fue compuesta por McCartney azuzado por Lennon. Me explico.

En una fiesta de estudiantes de arte en la que estaba presente Paul, como en innumerables otras, un estudiante ataviado con una barba de chivo y una camiseta a rayas cantaba, o lo intentaba, en francés. Nuestro beatles de pronto balbuceó unas palabras inteligibles intentando hacer una grotesca imitación para entretener a los presentes en plena fiesta.

Pasados los días Lennon le incitó a que añadiera una letra real a la melodía que esbozó en aquella pose festiva. Dicho y hecho. Y tal cual la canción la conocemos hoy quedó para la posteridad en el álbum Rubbel Soul del mítico cuarteto publicado en 1965.

Éstos sin embargo parece que no prestaron la necesaria atención a Michelle habida cuenta que la rechazaron como single en el Reino Unido y EE.UU. Aunque sí llegaron a hacerlo en algún país europeo. Fueron no obstante los Overlanders, una banda de folk que refundó su música al pop con la llegada de la era Beatles, los que la encumbraron al nº1 por primera vez en una espléndida versión en 1966, su único éxito además.

Sorprendente trastienda. A continuación te dejo la versión original y la realizada por los Overlanders.

Escurridizo Éxito

2011-01-23T19:33:00.007+01:00

Hay artistas que por sí solos apenas consiguieron que sus carreras llegaran a destacar salvo en puntuales ocasiones y siempre estuvieron vinculados a sus trabajos compartidos. A veces como músicos de sesión en otras como coristas de solistas o grupos afamados.

Jennifer Warnes es poseedora de una de las mejores voces del panorama pop y country. Quizá sólo comparable a la de Emmylou Harris. Esta cantante, compositora y actriz de Seattle (1947) debutó en el elenco oficial de la obra Hair en su primera representación que fue en Los Angeles allá por 1968.

Llegó a grabar dos discos que apenas si significaron nada. Así que decidió sumarse a los coros del poeta y sin embargo cantante canadiense Leonard Cohen. Llegó a brillar llenando de color las a menudo trágicas y oscuras melodías del atribulado cantante.

Debido a este acicate reinició su carrera en solitario con la Warner Bros. por si esta vez había un mejor destino. Y lo hubo con el éxito Right Time In The Night del álbum Jennifer Warnes en 1977. Se clasificó en listas pop y country.

Pero de nuevo su tendencia volvió a ser contumaz. Sólo dos dúos posteriores consiguieron nuevamente sacar adelante su carrera al margen de su labor coral. Uno con Joe Cocker con el tema central de la película Oficial y Caballero en 1982. El otro cinco años después junto a Bill Medley, miembro de Rightheous Brothers, para la película Dirty Dancing.

Otro tanto ocurrió con Glen Campbell. El guitarrista de Arkansas (1936) se codeó con los mejores como músico de sesión. Elvis Presley, Frank Sinatra, The Moonkeys, Mamas And The Papas o Dean Martin. En 1967 obtuvo un éxito en solitario con el tema By The Time I Get To Phoenix con el que llegó a conseguir un premio Grammy en 1968.

Debido a las buenas amistades que hizo durante esa etapa como músico de estudio su programa televisivo de los años setenta le configuró como una estrella multimedia de la época gracias a los invitados que conseguía reunir en cada emisión.

Campbell ha seguido grabando pero con poca repercusión internacional. Es una de esas leyendas que aún guardan parte del brillo que antaño les adornó.

Los Criticantes De Cine

2011-01-07T15:06:00.012+01:00

Que nadie está en posesión de la verdad, que la objetividad es una virtud y que el respeto al de enfrente no sólo es un síntoma de buen civismo, sino, también de tolerancia...

Creo que hasta ahí estamos de acuerdo y en líneas generales se cumplen esas premisas. Ahora bien, y partiendo siempre desde ese concepto, hay un no sé qué, qué sé yo con los críticos de cine -por ahora me referiré a ellos solamente- que si el mundillo del Séptimo Arte dependiera, y ya dudo que no sea así, de las valoraciones de éstos, mal negocio tenemos.

Si no fuera porque uno calza ya alguna experiencia en la vida estaría por pensar que voy contracorriente siquiera ya por cualquier cinta se incluya en el género que se incluya, sino, en los propios géneros también. ¡Es que a mí me gustan justo las pelis que los críticos ponen a caer de un burro!.

Hace unos días pregunté a amigos y conocidos en torno a esta cuestión. Es posible que me estuviera volviendo loco y yo sin enterarme, así que mejor contrastar pareceres. Pues bien, jamás se lo habían planteado. Pero ahora que les sugería la reflexión llegaron a la misma conclusión que yo. Respiré aliviado.

Entiendo que la técnica se ha apoderado de un arte que por sí ya es espectacular sin necesidad de demasiados maquinarios digitales, tres dimensiones y virguerías varias de la modernidad. Que aquellas viejas películas guardan el encanto del equilibrio, obligado por esas mismas razones técnicas, entre guión, filmación e interpretación. Pero de ahí a salvar, y con muchas salvedades, a una de cada cien pelis que se producen en la actualidad me parece un pírrico e insultante porcentaje.

Decididamente debe haber un término medio entre Séptimo Arte, críticos y público. No creo yo que la gente acuda a una sala de cine a sufrir. Los críticos parece ser que sí. Si los que pagamos una entrada consideramos un determinado largometraje espléndido y ese mismo título en consecuencia alcanza su mejor éxito de audiencia y satisfacción... algo bueno tendrá.

Pero que nadie se confunda, que no digo yo que estemos sólo nosotros en posesión de la verdad. No. Digo que la "opinión autorizada" no suele tener en cuenta el gusto general del gran público que con su asistencia ensalza o no una película. Se cierra en torno a unos cánones a veces trasnochados y ataviados de una autoridad crítica tan tecnicista y académica que asusta.

Sinceramente, ¿no has tenido nunca la impresión que la crítica va por un lado y el expectante espectador por otro?. Bueno, ya sé que esto no es nuevo... pero ahora hablamos de crítica y cine. Vuelve en ti.

Falta de imaginación, cine descaradamente comercial, buena técnica disponible pero escasa habilidad al desarrollarla, bodrio, cinta infame, apta sólo para espectadores poco exigentes... Son algunos de los calificativos. Una férrea disección en definitiva y cuando deciden profundizar ya es el 'no va más', que uno, pobre mortal, se siente intimidado: "¿habré visto yo la misma peli que éste o he perdido el juicio?".

Entiendo que es su trabajo pero a veces nos quitan las ganas de ver más cine con tanta crítica destructiva. Sí, justo al revés. Yo os recomiendo que hagáis caso omiso y vayáis sin prejuicios a divertiros porque nada es perfecto. Id a ver una peli, pasar un buen rato con el género cinematográfico que os guste y si sois aventureros descubrid algún otro. Las disecciones para la mesa correspondiente.

Una Historia De Joy Division

2011-01-06T19:20:00.005+01:00

Especialmente trágica la historia de esta banda británica de Manchester surgida del punk, o al menos con parte de la fuerza e intensidad desbocada de ese brío musical que consiguió convertirse en tendencia en la segunda mitad de los setenta dominada por la Disco.

Como todas las bandas de aquel entonces aprovecharon fácilmente la posterior incursión en los modos de producción del sintetizador. Ya lo vimos con los australianos The Church. La particularidad del cuarteto Joy Division es que éste describía ambientes agobiantes, pesados y cargantes sin llegar al sonido pseudoindustrial de China Crisis o Talk Talk.

Su vocalista tuvo mucho que ver. Ian Curtis padecía una enfermedad tan imprevisible como destructora, epilepsia. En ocasiones en plena actuación sufrió ataques que terminaban por frustrar y minar la atormentada personalidad de Curtis que vio con el tiempo cómo su vida sentimental caía en picado costándole la ruptura de su matrimonio.

Solamente llegaron a grabar dos discos. Justo los que dio de sí la existencia terrenal de Ian Curtis. Incluso el segundo fue pospuesto varios meses, hasta julio de 1980, a consecuencia del suicidio del atribulado cantante. Closer (1980) estaba repleto de sombríos pasajes en torno a la muerte, temática recurrente, bien auspiciado por siniestros arreglos de teclado y efectos de estudio, aún más que su predecesor Unknown Pleasures (1979).

Como oscuro presagio ya desde sus inicios vía maquetas, conciertos en locales pequeños e intervenciones en emisoras de radio hasta la grabación de su primer álbum el cuarteto había asumido tácitamente que si algún miembro del mismo alguna vez faltaba jamás continuarían con el proyecto. No esperaban seguramente que iba ser tan pronto y tan trágicamente.

El trío restante jamás consiguió zafarse de la densa sombra de Joy Division, incluidas reediciones, recopilatas que llenaron durante décadas el vacío. Pero llegaron a conformar un nuevo y duradero proyecto exitoso basado directamente en la música electrónica aún con ese aire raro y de misterio, New Order.

Cualquiera de los dos discos citados merecen atención pista a pista, pero especialmente destaca el inconmensurable Love Will Tear Us Apart, un single compuesto por Ian Curtis que se publicó un mes antes de su muerte y que consiguió años después ser todo un clásico del post punk.

The Church, El Culto de la Música

2011-01-03T20:49:00.006+01:00

En plena fiebre de los ochenta, esa década tan denostada por unos y con la misma fuerza adorada por otros, surgió un cuarteto en Australia que vino a demostrar, como otros, que no todo era sintetizadores y programaciones secuenciadas, y si lo eran existían formas de combinarlos magistralmente y obtener el mismo o más éxito.

Y a veces las palabras sobran si no fuera porque es preciso conformar un contexto para hacerse eso que hemos dado en llamar conocimiento de causa.

Tres chavales en 1980 en su Sydney natal decidieron poner un poco de elegancia guitarrera a la fría fórmula en serie que empezaba a adueñarse del panorama musical mundial. Emergieron con todo el sabor de post-punk de la segunda mitad de los gloriosos setenta.

En aquel tiempo el inicial terceto, posterior cuarteto, hizo suya la idea Beatles de combinar la sugerente simplicidad de la guitarra, el bajo y la batería con hermosas armonías que en el caso de The Church se definió como neopsicodelia, es sólo un nombre como tal limitado.

De pronto la fórmula empezó a funcionar como un movimiento minimalista que fue cogiendo brío en toda Australia. Los ecos llegaron a EE.UU. y allí la todo poderosa Warner Bros. de entonces les quiso producir su álbum mejor en 1986, Starfish.

Una obra maestra que jamás llegaron a superar después. En ella lo dicho, atmósferas elegantes, guitarras precisas y muy timbradas y un halo mistérico que adornó un sonido impecable, agradable y muy seductor. De entre los temas del disco destacó el mágico Under The Milky Way. Si lo escuchas no te desharás de él jamás.

De lo Malo lo Mejor

2010-12-26T17:58:00.005+01:00

Siempre ocurre. No hay quien no tenga una historia a sus espaldas que en ocasiones haya lastrado más de lo deseable el camino hacia adelante. Sí, el amor. Bendito pero cruel en ocasiones. No tanto por sí mismo, sino, por el infortunado al que decide visitar.

Te toma, te eleva, te deja caer... sin red. Como diría el poeta, quien lo ha vivido lo sabe. En la adversidad es cuando se da la talla. Cuando más profundo es el desaliento, más valor tiene el resurgimiento. Y éste viene a veces de la forma más inesperada.

De una derrota, obtener una victoria; de lo malo, lo mejor. A finales de los años cincuenta en EE.UU. un atribulado compositor recibió la visita de Jimmy Beaumont, líder de una banda de música al estilo Doo Wop. Necesitaba un éxito, una canción que impactara para así despegar hacia el estrellato con su grupo.

No parecía tarea fácil toda vez que un éxito por encargo es como pedir peras al olmo. Las canciones se componen y quedan expuestas a las inclemencias caprichosas del gran público que por otro lado está en su derecho de aupar o no una composición. El azar tiene mucho que decir.

Aún así Joe Rock se puso manos a la obra. Los días pasaban y no conseguía nada. Pero el sabor agridulce de la fortuna traía un pequeño presente envuelto en un ácido más que corrosivo que le traía el alma patas arriba. Su novia le había dejado.

El drama personal hundió a Rock en la más desesperante rabia, pena y soledad. Y de aquella situación límite como por arte de magia fueron surgiendo la melodía y letra adecuadas que dieron con el éxito tan anhelado de los míticos hoy día The Skyliners, nombre de la banda de Beaumont.

El tema en cuestión es una joya standar que logró llevar al éxito al quinteto y a su compositor que vieron cómo Since I Don't Have You (Desde Que No Te Tengo) se convirtió en la balada más escuchada de la era pre-beatles.

La producción a base de instrumentos de cuerda y las perfectas armonías vocales junto al falsete de Jimmy Beaumont que daba un ambiente melancólico definitivo al tema, configuró un conjunto de alta calidad en un medio tiempo inolvidable que desde 1958 ha sido versionado por artistas de la talla de Barbra Streisand e incluso Guns N' Roses entre otros.

Un Diamante es Para Siempre

2010-12-25T21:41:00.006+01:00

Lo sé, el preciado mineral tiene un valor exquisito y no tanto por su escasez y difícil extracción en las entrañas de la tierra, sino, por su extraña belleza. Un tesoro preciado incluso en el último confín del mundo civilizado.

Y que suerte que a los que nos da por un autor en particular tengamos la dicha de poder decir que cada composición e interpretación se nos antoja un auténtico y refulgente diamante, y permita así mismo hacer el juego de palabras y significados porque impreso en su nombre ya se ve a lo lejos el brillo del que viene acompañado.

Exacto, Neil Diamond. La verdad es que no termino de entender de dónde éste veterano mortal consigue tan espléndidas interpretaciones cuando ya casi debería haberse retirado. Pero escuchándole uno entiende el por qué de su insistencia.

El septuagenario de Nueva York que acaba de ser seleccionado junto a Alice Cooper para formar parte del Salón de la Fama del Rock, un selecto club que acoge a grandes de todos los tiempos como Elvis Presley, ha dado nuevamente una muestra de buen hacer hace apenas una semana en la cadena de televisión americana NBC.

En su último disco, Dreams, y como ya he comentado en este blog, realiza un repaso a clásicos del Pop y el soul. Pues bien, Ain't No Sunshine de Bill Withers ha vuelto a cobrar una nueva dimensión en sus manos. A cappella y junto a Committed y Street Corner Symphony Neil Diamond ha puesto en valor por enésima vez su apellido.

No digo más. Ahí os dejo el vídeo del momento de la actuación en la televisión yanqui.

¡Es Navidad!

2010-12-18T17:04:00.016+01:00

¡Cómo, que ya es Navidad!, si la última vez fue hace... Sí, es verdad, en qué estaría yo pensando, hace justo un año que hablábamos de ella. Pero claro, como todo ahora se hace por real decreto uno no sabe a ciencia cierta cuándo han dado el pistoletazo de salida para el derroche de besos, abrazos y demás arrumacos que uno se pregunta por qué el resto del tiempo no se dan...

Y es que claro, como la huelga de controladores varios este año bendito de Nuestro Señor Jesucristo se ha adelantado en el calendario parecía que ya habíamos dejado atrás las opíparas comidas, cenas, en el mejor de los casos desayunos -no entremos aquí que es Navidad- y la Guardia Civil ya había instaurado semanas antes el toque de queda en las rotondas...

Por cierto que tengo yo algunas sugerencias al respecto para el próximo año. La primera es que por favor la benemérita modernice la indumentaria. Un toque de color si ya no puede ser de locura -la de bolis caídos estuvo muy bien- porque el verde uniformado cada vez se ve más gris.

Que los paneles informativos en las autovías cumplan su función haciendo honor a su nombre. No es una noticia que llueva, ¡si la vemos!, tampoco que nieve, que lo vemos también -de qué íbamos a tener permiso de conducir si no-. Cómo cambiaría todo si de pronto un domingo por la tarde ahí arriba tan hermoso, en colores y letras grandes de pronto se pudieran leer los resultados de los partidos de la jornada... ¡No hay color!.

Y que los radares por fin encuentren su sitio en ellas y no anden perdidos fotografiando a diestro y siniestro en aquellos lugares de peligro políticamente correcto. ¡Cuánta inventiva derrochada en camuflajes varios!.

Fijaros si no en la Real Academia de la Lengua que ahora tiene nuevo mandamás y que ha entrado pisando fuerte. Ahora ya no existe la 'ch' (che), no, es la 'c' 'h' tal cual y por separado; la 'll' (elle) ahora es la 'l' (ele) individualmente; tampoco el acento ortográfico se utilizará depende de para qué palabras..., etc. Cuando veas las barbas de tu vecino cortar, pon las tuyas a remojar, se debe estar diciendo nuestra querida y entrañable ñ de toda la vida.

En fin, que parece que eso del término medio es una cosa que ha dejado de moderar las tendencias. O Juan o Juanillo. Que se lo digan a Camilo Sesto, o lo hace bien o no hay por dónde cogerlo en Todo de Mí (2010).

Pero la sugerencia mayor y que más me satisface decir es que intentes vivir una muy feliz Navidad, aunque aún no te hayan pasado el informe en la oficina comunicándotelo, ni repararas en el guiño del decimito de agosto. O desde el Inem, si es tu caso, no sólo no se hayan acordado de ti, sino que, decidan olvidarte para siempre a partir del próximo febrero.

¡Ah!, y que la chica de Freixenet se pase al Cava y a la Mahou y que al calvo de la Lotería Nacional no se la dejen ver, mucho menos beber por desertor.

Feliz Navidad a tod@s.

Suavemente Bread

2010-12-08T19:14:00.011+01:00

Perdidos en el anonimato que procuran los años de inactividad la banda de Oklahoma Bread dejó pocos discos pero con un sentido acústico y buen gusto difícilmente olvidables.

El cuarteto llegó a conseguir un éxito abrumador en unos años en los que reinaban a sus anchas grupos de la talla de Buffalo Springfield, Byrds o Crosby, Still, Nash & Young. El típico rock sureño que reivindicaba los orígenes rurales del rock en los que jugaba un papel importante el country, folk o blues con bandas así mismo como Creedence Clearwater Revival o The Band.

Su música recorría con facilidad las formas más sedosas del soft rock con un toque romántico que aupó algunos de sus temas al nº1 del billboard. Tanto relajaron su sonido que incluso acuñaron una nueva forma de interpretarlo inaugurando otra variante llamada soft pop.

Entre el año 1968, momento de su fundación, hasta 1972, momento de su disolución, grabaron cinco discos. El más importante Baby I'm-A Want You (1972). La lucha de egos nuevamente volvió a extinguir un buen proyecto musical. Más tarde hubo una reunificación con disco incluido en 1977 pero ya sin la repercusión de antaño.

Música con pasado, con un presente espléndido y un futuro que está en marcha y aún gusta de estos sonidos francamente embriagadores.

Historia Inconclusa del Hotel California

2010-11-21T14:02:00.014+01:00

A veces las canciones por sí mismas pueden atesorar más historia que el álbum que las contiene. El currículum que acumulan las elevan al nivel de mito por encima incluso de sus propios creadores. Toman entidad propia y trascienden a su época convirtiéndose en clásicos incontestables.

También es verdad que si son capaces de resistir los embates de su origen bastardo quedan definitivamente instaladas en la historia de la música con letras doradas.

Es lo que ocurrió con este bello tema de la banda californiana Eagles. Ellos comenzaron sus días como teloneros nada menos que de Jethro Tull, la banda progresiva de los últimos sesenta. Más tarde debido a su pasado en torno al bluegrass, una variante del country, llegaron a ser grupo de acompañamiento de Linda Rodstand.

El caso que cuando iniciaron carrera como grupo con entidad propia en los primeros setenta orientaron su sonido más hacia el rock con marcado carácter sureño que imprimía a su música cierto carisma al estilo del mejor cantautor pero instalado en el seno de un grupo con músicos de alta calidad creativa.

En esa disposición se encontraban cuando grabaron Hotel California (Álbum) en 1976. Las listas de éxitos les acogieron con calidez y su estatus de súpergrupo estrella hizo el resto. Pero sin escapar a las conjeturas y observaciones varias propias de quienes están en primera línea de fuego.

Es así que Ian Anderson, líder de los Jethro Tull (curioso personaje), en más de una ocasión sugirió que la banda de California había utilizado la base de We Used To know del álbum Stand Up de 1969 que los JT ya hacían en directo en 1970 cuando aún los futuros Eagles les teloneaban.

Sea o no cierto el caso es que jamás Anderson elevó el supuesto plagio a instancias judiciales, pero en honor a la verdad he de decir que si repasamos ambos temas y establecemos la comparación existe un alto porcentaje de similitudes entre ambas composiciones respectivamente.

Este es sólo uno de los frentes abiertos en torno al merecidamente afamado Hotel California. Otro es el que se refiere a su origen satánico que la banda siempre negó. Pero me ocuparé en otro momento de ese particular. Ahora ejercitemos nuestro sentido crítico y escuchemos ambas canciones. Tú decides.

Una Canción Con Más Que Historia

2010-11-20T12:43:00.009+01:00

El juego, la diversión, desde tiempo inmemorial han sido el motor que ha hecho posible la evolución a nivel general habida cuenta del factor de sed de conocimiento que incorpora. Los grandes hallazgos habidos en la historia de la humanidad han partido siempre de la necesidad de hacer estable, cuanto menos confortable nuestro devenir vital.

La pólvora es un claro ejemplo, aunque más tarde la inherente habilidad humana para pervertirse diera al cabo con el refulgente descubrimiento para fines bastante reprochables. Hacia atrás en el tiempo el mismo fuego es otro ejemplo. Y la lista sería prolija.

Centrémonos en la música. Lo que hoy tenemos es resultado de miles de años de evolución. Avance en el conocimiento que no viene si no a perfeccionar un antiguo anhelo de la humanidad. Hoy sabemos que en las cavernas los primeros moradores humanos ya producían con primitivas flautas sonidos agradables, que nunca mejor dicho amansaban a las mismas fieras.

Del mismo modo un sonido acompasado, básicamente percusivo puede enaltecer el ímpetu anímico y provocar un estado alterado de conciencia capaz de despertar el instinto atávico que yace en lo más profundo del subconsciente.

Trasladado a lo más inmediato que nos ocupa en este blog, es sabido que un simple título, no digamos ya el desarrollo en el pentagrama del mismo, despierta sentimientos encontrados dependiendo de quién sea el receptor. Mantengo al margen la intencionalidad del autor.

Voy a pronunciar Helter Skelter. Algunas alarmas ya habrán saltado nada más leer ese título. The Beatles dejaron un hueco en su Álbum Blanco de 1968 al sonido poderoso, germen del heavy metal que en la actualidad conocemos. No escatimaron en esfuerzos y decididamente este tema rebosa heavy como pocas veces.

Los de Liverpool siempre tan revulsivos. La canción fue compuesta por Paul McCartney. Éste se inspiró en una atracción de feria muy común en el Reino Unido consistente en un tobogán en forma de espiral. Paul dijo que quiso utilizar esa imagen como símbolo de la caída y decadencia.

Y de nuevo aquí el Yin Yan de la música. Más exactamente las dobles interpretaciones. Decir Charles Manson es sinónimo de ignominia, decadencia, depravación y sobre todo paranoia homicida por ser suave en la descripción de este músico mediocre y mesiánico.

Manson interpretó que este tema de The Beatles simbolizaba a la perfección sus delirantes vaticinios de un nuevo mundo que surgiría a su vez de una nueva casta de prohombres al frente de los cuales estaría él mismo y que para ello antes había que destruir el actual orden mundial. Y de la peor forma. Pretendía el aniquilamiento literal de la sociedad actual con todas sus unidades individuales.

Como mínimo delirante. En concreto parece que este siniestro mesías vio en Helter Skelter una de las catástrofes que acabarían con este mundo, es decir, el enfrentamiento entre la raza blanca y la raza negra y que en su desorden mental estaba dispuesto a auspiciar.

En esta particular y terrorífica cruzada perpetró en 1969 uno de los asesinatos más salvajes que se recuerdan en la historia reciente. La justicia sentenció que él no había sido el autor material de los hechos pero sí el inductor necesario y que estuvo presente en el lugar del crimen, por lo tanto se le condenó a muerte, pena que fue conmutada por cadena perpetua que en la actualidad cumple.

La escena del crimen era la casa del director de cine Roman Polanski, y la infortunada víctima su mujer, la actriz mito erótico de los sesenta Sharon Tate que en avanzado estado de gestación fue eviscerada. Algún invitado que pasaba la noche allí no corrió mejor suerte. En las paredes de la casa escenario del horrible crimen aparecían escritas con sangre las palabras Helter Skelter.

Inopinadamente una canción que quedó estigmatizada para siempre. Nada es mejor ni peor, todo depende del uso que se le de y sobre todo de las manos en las que tenga la suerte o infortunio de caer. De ti depende que quieras escucharla a continuación.

Ambrosia, Degustando Música

2010-11-15T18:53:00.004+01:00

Al sur de California, en un lugar llamado The South Bay, vino al mundo de la música esta formación seducida por los sonidos novedosos y un tanto experimentales de los Beatles. Además de su confesa y profunda admiración por Crosby, Still, Nash & Young.

Sin embargo los derroteros artísticos de este cuarteto no discurrieron por donde cabría esperar. Ya en un inicio se difundió la leyenda que el mismo Herb Alpert había interrumpido una audición con ellos porque se presentaron absolutamente bebidos. Quedó como leyenda y se desmintió el hecho con el afamado productor.

El caso es que recién iniciada la década de los setenta la banda consiguió abrirse camino en un escenario marcado por el rock sinfónico aunque con un gusto pop producido con habilidad. Los King Crimson fueron su especial fuente de inspiración en esta etapa. Y aquí es cuando aparece Zubin Mehta que por entonces dirigía la Filarmónica de Los Angeles.

Mehta preparaba en ese momento el espectáculo All American Dream Concert con un método de sonido pionero en su tiempo y un amigo les invitó a probarlo. El director quedó encantado con ellos y les incluyó en el espectáculo como artistas invitados. La repercusión fue importante.

Aún así hasta 1975 no consiguieron su primer contrato de grabación. Y el sonido de Ambrosia se dejó influenciar por el pop e incluso detalles de jazz sin olvidar la admiración por las armonías vocales que en sus inicios, mientras sólo eran un grupo de amigos profesaban a Crosby y compañía.

Llegaron los éxitos con covers incluso de los Beatles, caso de Magical Mystery Tour en 1977; un año después How Much I Feel y sobre todo en 1980 con Biggest Part of Me, su mejor éxito en el que se nota el cuidado y exquisito trato en las texturas musicales, una evolución lógica pero acertada, una auténtica Ambrosia que degustar.

La banda jamás superó estos años de éxito merecido y se disolvieron con intentos posteriores y poco fructuosos de reunión. En la actualidad siguen su rumbo pero en solitario como músicos de sesión y vocalistas.

El Poder de la Balada

2010-11-02T17:14:00.006+01:00

Andaba yo un poco despistado hoy cuando recibo alerta en la pantalla de mi portátil de la entrada de un nuevo mail a mi bandeja. En ese instante me encontraba por otros menesteres... nada extraños, simplemente actualizaba mi portal sobre Neil Diamond que me está dando un trabajo enorme debido a la frenética actividad que despliega a sus casi setenta años.

El caso es que mi buen amigo López me avisaba que estaba canino de contenido para la sección Clásicos de la Música del jueves. Y es cierto, tal como lo cuento, que entre tanto redactar, conciliar fuentes informativas y permisos varios para reproducir audio de determinado disco, el mensaje abrió la espita camino a la realidad y de pronto me vino a la mente este clásico del grupo de rock inglés.

Los Whitesnake encierran en sí mismos la esencia básica del rock clásico. Su vocalista y líder, por cierto el único que siempre permaneció refundación tras refundación, abandonó los Deep Purple para iniciarse él solito y le fue mal. Hasta que como a mi hoy me ha ocurrido tuvo una inspiración, yo la de él y David Coverdale la de crear la banda que nos ocupa.

Fue a finales de los setenta y con un estilo más bien rock pero de raíces soul y blues. No gustó mucho, quizá por la invasión de grupos del tipo Kiss, Metallica, etc, que coexistían e hicieron que Whitesnake pasaran desapercibidos. Coverdale decidió parar. Eran los ochenta y había que aplicar algo que girara más hacia el éxito rotundo. Fácil, rock contundente más claro y al uso por esos años con baladas así mismo incontestables.

Se sacó de la manga un discazo que colocó en todas las listas de éxitos. El álbum Whitesnake (1987) condensaba la esencia que inició como terapia reparadora camino al estrellato definitivo con el disco anterior Slide it In (1984). Y en él la balada que de pronto iluminó la mañana de este día mío de noviembre, Is This Love.

Cuenta la leyenda que en principio David Coverdale la había escrito para entregarla a Tina Turner que por entonces había resucitado al éxito de la mano de Mark Knopfler, guitarrista de Dire Straits. Debió pensarlo y rectificó a tiempo. Hoy la puedes encontrar situada entre los mejores estándares del género y en cualquier lista que se precie sobre mejores baladas de todos los tiempos.

Por cierto, que si buscas el álbum podrás encontrarlo bajo dos títulos diferentes, ambos válidos, Whitesnake, como se llamó en EE.UU. o 1987 tal cual se conoció en Europa.

Billy Joel, "She's Always A Woman"

2010-10-30T14:19:00.010+02:00

Entre bambalinas se van cociendo a fuego lento las mil y una historias de aquellas canciones que sin saber muy bien por qué se van cotizando al alza conforme pasan los años. Qué duda cabe que Billy Joel tiene algo que decir al respecto con una de sus más entrañables composiciones.

Corría el año 1977 cuando se publica el álbum The Stranger. Después de varios éxitos del disco, como la espléndida Just The Way You Are que Barry White versionó después, aparece esta pequeña balada que conquistó el corazón de medio mundo.

Joel acababa de romper relación profesional con su anterior mánager que no traducía su carrera de compositor, pianista y cantante en dividendos sabrosos. Billy comenzó en New York en clubs nocturnos al ritmo de melodías que ambientan a la perfección una noche de copas. Desde Piano Man en 1973 consiguió hacerse un hueco más que importante en el mundo de la música.

Decidió entonces Joel que su esposa Elizabeth se hiciera cargo de la gestión de su carrera. Según se cuenta esta mujer ejercía con mano firme su labor entre los empresarios que querían contratar a su marido, una negociadora exigente y experta que podía herir con sus ojos, robar como un ladrón pero nunca ceder, llegaron a comentar.

Esta fama merecida de negociadora férrea e inflexible le hizo ganarse el apelativo entre los empresarios del negocio de la música de mujer 'poco femenina'. Estaba claro que para su marido Elizabeth era sin embargo toda una dama. Y para hacerlo saber compuso She's Always A Woman.

Desde luego una belleza de canción que no ha parado de sonar desde entonces por todo el mundo. Recientemente en un spot de televisión y es curioso que en el fatídico 11 de septiembre de 2001 este tema sonaba en la megafonía del piso bajo de las terriblemente célebres torres gemelas de New York, el World Trade Center, hasta justo el momento del colapso. Paradojas de la vida.

La Ciudad Viva, Hermoso Ruido

2010-10-16T21:21:00.010+02:00

A veces uno no tiene nada mejor que hacer que darse una vueltecita por la ciudad por el simple placer de disfrutar de sus calles, sus gentes, la temperatura que al menos en este día de otoño acompaña mientras vas descubriendo como la morfología de la misma va cambiando y uno sin darse cuenta.

Aparqué el coche. Misión imposible cuando pretendía hacerlo en cualquier calle como antaño se podía hacer, ¡inocente de mi!. Ya había olvidado que la ciudad es el coto privado de la grúa que amenaza agazapada tras cualquier esquina esperando exactamente a que tú llegues para ponerte a cavilar.

Y la verdad, todo repleto de todo. De coches, de niños, de papás que corren exhaustos tras ellos mientras la mamá de al lado hace malabares imposibles para que el niño tome la merienda, la pareja de más allá que de la mano se dedican todo tipo de recatados gestos de amor y sus antagonistas también enamorados pero que atornillan sus labios sin pudor alguno.

La ciudad bulle. Los comercios rebosan, al menos aún no ha desparecido el ritual de pasar a preguntar precios y de paso probarse el vestidito, traje o chupa que de seguro sabemos que no podremos comprar, pero que al menos uno puede decir que vistió un traje de tal o cual diseñador de moda, por carísimo, al menos unos minutos, que al vendedor se les antojan un mundo mientras tú haces pasarela en un metro cuadrado frente al espejo.

Pero lo importante es que la crisis en ese ensimismado observar del ir y venir y al que uno se integra sin dificultad alguna pareciera no existir al menos en esas pocas horas del día. Vivir hay que vivir y eso se nota cuando empiezas el periplo cultural gastronómico del tipo tasca. Si no hay para dos, pues ya con una te vas bien servido y con la charleta también mientras disfrutas del momento.

Por unas horas has tenido la sensación que John Lennon debió de sentir igual cuando escribió Imagine. Y que al llegar a casa pensó que escenas así jamás deberían hurtarse por intereses espurios; y que Louis Armstrong también debió imaginar ese mundo maravilloso cuando cantó con tanta dulzura aquel What a Wonderfull World .

Porque la vida es sueño y lo sueños, sueños son, al menos que nadie nos impida siquiera el poder de la imaginación... A fuerza de practicarlo igual los sueños dejan de serlo para convertirse en realidad. Que nos quede al menos París.

Neil Diamond Soñador

2010-10-13T15:16:00.005+02:00

Quién le iba a decir al autodidacta de Brooklyn que los últimos años de su carrera serían tan ajetreados. Desde que aceptó la petición del barbudo productor Rick Rubin hace cinco años (Red Hot Chili Peppers, Shakira, Metallica, Johnny Cash, etc, etc.) con dos espléndidos discos, Neil Diamond está viviendo una segunda juventud.

La veteranía del personaje bien merece unas líneas de cara a su calidad compositiva y la megaestrella que nunca dejó de ser gracias a sus multitudinarios conciertos por medio mundo, registro en el que especialmente brilla el baladista afincado en Los Angeles si bien sus discos habían dejado de interesar como antaño.

En el verano de 2008 Neil volvió al Madison Square Garden de New York para emular el éxito que logró 38 años antes, aquella vez en el Greek Theater de Los Angeles, con sendas actuaciones en vivo añadiendo el por entonces novedoso sonido cuadrafónico en concierto del que surgió el afamado doble en vivo Hot August Night, uno de los discos más vendidos en la historia de la música. Esta vez los conciertos del Madison se volvieron a reunir en un doble álbum llamado Hot August Night/NY.

La fuerza que Diamond presentaba en ese doble directo presagiaba que no tenía la más mínima intención de abandonar la música. A pesar de sus ya 69 años sigue conservando la energía de antaño y una privilegiada voz cada vez más timbrada.

Y en esas está que a la espera de composiciones inéditas seguramente con el toque mágico de Rubin que tan buen resultado le ha dado en el mundo de las listas de éxitos conquistando incluso el nº1 de la prestigiosa Billboard, Neil Diamond tiene previsto un álbum de covers. Uno no sabe cuánto tiempo le queda y muchas de estas canciones han estado 40 años esperando a que las grabara, ha dicho recientemente sobre el nuevo proyecto llamado Dreams.

El disco que contiene clásicos de Gladys Night & The Pips, The Beatles, Gilbert O`Sullivan o Bill Whiters entre otros, se publicará el 2 de noviembre próximo y ha sido producido por él mismo. De nuevo sensibilidad, interpretaciones al mejor estilo Diamond y en definitiva la labor de quien ha sabido mantenerse durante casi cinco décadas en escena por encima de modos y modas.

Atrás quedaron los años más rocker de este autor con canciones como I'm a Believer que convirtieron en nº1 The Monkees en el boom de su lanzamiento y más recientemente Smash Mouth para la película Shrek; o Red, Red Wine que versionaron con enorme éxito los UB40; o la banda Urge Overkill que hizo lo propio con otro tema de Neil, Girl, You'll Be A Woman Soon, para la película Pull Fiction de Tarantino.

Ahora es él quien versiona y el resultado completo lo escucharemos en breve. De momento aquí te dejo la versión del Midnight Train To Georgia de Gladys Night & The Pips según Neil Diamond.

Bruce Springsteen en el Túnel

2010-10-12T20:54:00.011+02:00

Todos en alguna ocasión nos hemos sentido de la misma manera que El Jefe sintió en este controvertido álbum El Túnel del Amor. La diferencia es que no tenemos una guitarra eléctrica y su fuerza para grabar un disco y expulsar fantasmas.

Corría el año 1987 y Springsteen venía poco menos de convertirse en la más rutilante estrella del rock con su álbum Born In The USA que a pesar de lo que pudiera parecer por el título era una auténtica arenga a la sociedad yanqui del momento. Una crítica abierta y feroz.

Tunnel Of Love es un disco atípico hasta ese momento en su discografía. Bruce había decidido concentrar en un solo vinilo el porcentaje más alto de medios tiempos que se le había escuchado. Algo pasaba. La crítica hacía incapié en este particular y el disco se resistía a acoplarse entre los preferidos de sus seguidores más incondicionales.

Al final el alma humana es débil y claudica con más facilidad de la que desearíamos. El Boss había decidido grabarlo sólo en casi su integridad tomando muy de vez en cuando la aportación de la Street Band. Él se encargó incluso de los sintetizadores y la sección percusiva. Aunque en la gira del disco estuvo con ellos no volvió a coincidir con la banda durante años.

Por si fuera poco accedió por primera vez a publicar temas inéditos, descartes de estudio en las caras b de los cinco singles que se publicaron del álbum.

Era el trabajo más introspectivo que Bruce había trabajado en muchos años. Muy reflexivo y siempre en torno al amor. Y todo por una cuestión puramente emocional. Se había separado de su mujer, la actriz Julianne Phillips y expió todas sus interioridades afectivas en perfectas canciones como las que vamos a escuchar.

The Boss dijo que necesitaba evitar el arquetipo aguerrido y atrevido que su disco anterior le había propiciado, una imagen que no se correspondía con la realidad total y que pretendía modificar con este puñado de buenas canciones.

Pasado el tiempo volvió a enamorarse, esta vez de la vocalista del grupo Patti Scialfa y curiosamente desterró desde ese momento cualquier alusión en sus trepidantes conciertos a cualquiera de las canciones de Tunnel Of Love durante años.

La vida misma sobre el escenario. He de decir que a mi me parece de los mejores discos que haya escuchado jamás al dueño de las tres horas más electrizantes sobre un escenario.

Infinito Catálogo, Nick Drake

2010-10-03T14:16:00.006+02:00

Van Morrison no tenía mucho que envidiar al británico Nick Drake, en las comparaciones nadie resultaba vencedor quizá porque Drake terminó demasiado pronto su periplo profesional en este atribulado mundo allá por 1974 cuando le sorprendió la muerte.

Siempre fue más afín al estilo dulzón de Donovan. Pero en cualquier caso fue un seguro y merecido protagonista de la corriente musical de su tiempo. Unos años entre 1968 y 1974 en que el duende-poeta introspectivo cobró fuerza en grupos como The Doors y en solistas como los citados y también Carole King o Cat Stevens.

Nick en realidad era oscuro, depresivo en sus conceptos musicales y no digamos ya en sus letras inquietantes en torno a su romanticismo melancólico. Todo ello lo adornaba con una voz susurrante y esquiva que en la escena folk rock de su tiempo amenudo acompañaba de fríos arreglos orquestales y acústicos que conseguían un conjunto singular por extraño.

Pasó desapercibido en su momento quizá en buena medida porque nunca quiso promocionarse en directo. Nick Drake apenas si pisó un escenario que no fuera el del estudio de grabación. Aunque al cabo de los años su música breve en cantidad pero larga en intensidad ha cobrado nuevo brío para renacer de sus cenizas.

Su carácter depresivo terminó con sus huesos en un internado psiquiátrico y enganchado al 'maná' de aquellos años presente siempre en todas sus creaciones. Con apenas 26 años moría sumido en el más profundo desequilibrio existencial. Su música es un reflejo de todo ello pero con un misterioso sabor agridulce que te atrapa; difícil salir indemne de la experiencia.

Dos Mejor que Uno

2010-10-02T13:56:00.009+02:00

En estos días hemos recuperado para regocijo de fans y seguidores varios la calidez interpretativa de dos colosos de la música moderna. Desde Londres el batería Phil Collins y no mucho más lejos, en Ripley, el guitarrista Eric Clapton. Phil produjo algún álbum de Eric y además es su guitarrista preferido.

La ausencia del primero se ha prolongado por un total de ocho años. Phil Collins desapareció tanto del estudio de grabación como de los escenarios para fomentar su vida familiar. Desde que dejó a Genesis, banda a la que rápidamente contagió su estilo menos ecléctico para el desasosiego de los seguidores de Peter Gabriel, no hizo otra cosa que ir colocando nada menos que 150 millones de sus discos en solitario en los hogares de medio mundo.

En su álbum de retorno Going Back hace lo propio, música atractiva, de consumo ligero y, no nos engañemos, lo que siempre ha hecho y más le ha gustado, el soul y el r&b de los sesenta. Recordemos viejos éxitos como I Cannot Believe It's True o la versión de las Supremes de Diana Ross You Can't Hurry Love. Phil no se ha esforzado en exceso pero logra convencer con 25 clásicos del soul de los sesenta, todo versiones.

Eric Clapton en su línea y similar a Collins salvando las distancias oportunas. Clapton siempre ha hecho blues, siempre. Con un poquito de pop, rock o soul cuando convenía. Desde su famoso encuentro a finales de los sesenta con John Mayall o los Yardbirds y posteriormente con los Cream añadiendo la psicodelia a su catálogo. Y supo versionar magistralmente el Cocaine de J.J. Cale, un éxito indudable en su carrera como solista y el reggae I Shot The Sheriff de Bob Marley.

Este disco bautizado Eric Clapton tal cual su primer álbum en solitario allá por el recóndito 1970 y tras cinco años sin pisar el estudio contiene al 'manolenta' de toda la vida. Con mucho más blues y sin seguir enamorado de su voz. Pero su guitarra ajada sigue escupiendo buenos punteos al estilo de la casa y melodías encantadoras. Muy recomendable.

BBC Electric Proms 2010

2010-09-18T10:38:00.010+02:00

Ya se ha conocido la programación del festival cultural-musical Electric Proms de Londres, en el Reino Unido, que se viene celebrando anualmente desde el año 2006 y que en el transcurso de tres días pone en marcha actividades culturales en distintos escenarios principalmente que no sólo en la ciudad del Támesis.

Entre esas actividades las más destacadas son sin duda las actuaciones musicales de artistas de relumbrón. Los días previstos son el 28, 29 y 30 de octubre y se llevarán a cabo en el emblemático auditorio londinense The Roundhouse.

El final de fiesta lo protagonizará el neoyorquino afincado en Los Angeles Neil Diamond el día 30, que para entonces estará a sólo tres días de la publicación de su nuevo álbum "Dreams", una recopilación de covers de Leonard Cohen, Bill Withers o Gilbert O`Sullivan. Los días restantes serán protagonizados respectivamente por el británico Elton John y el que fuera vocalista de Led Zeppelin Robert Plant, también oriundo de las islas.

La peculiaridad de estos conciertos es que amenudo los artistas invitados deben hacer arreglos especiales en su repertorio de canciones, ya que la organización gusta de que éstos colaboren en directo con la BBC Concert Orchestra. Esto añade al evento un atractivo especial.

Además la BBC 2, sección radio, tiene previsto emitir los conciertos en riguroso directo en streaming a través de su sitio en el web por lo que será posible asistir de forma virtual al festival desde las 20h, horario británico. Aún así también está previsto se graben las actuaciones para ser emitidas posteriormente por la BBC two de televisión el 13 de noviembre.

Internet, Pago por Peaje

2010-08-11T15:11:00.009+02:00

La internet tal y como la conocemos tiene los días contados. Vaticinan los expertos en la materia que en no mucho más de tres años tendremos que pagar al circular por ella dependiendo de los servicios por los que transitemos y de quienes los gestionen. El uso libre de la misma empezará a ser una quimera.

Así de crudo se presume el futuro de la red. Hasta ahora contratábamos a la operadora de turno nuestro acceso. Ésta por una 'módica' cantidad mensual nos ponía a pie de pista y a partir de ahí ancha es Castilla.

En el espacio cibernético son mayoría los servicios a los que se puede tener acceso sin necesidad de abonar una cantidad extra. Nuestra visita a esos sitios de la internet garantiza el mantenimiento de los mismos ya que en muchos casos, cada vez más, no saldrás de él sin haber hecho alguna compra, gestión, etc, lo que redunda en la popularidad y prestigio del servicio visitado. A más visitas más rentabilidad en varios sentidos.

¿Pero qué ocurriría si ahora las operadoras telefónicas viendo el volumen de negocio que se gestiona no se contentan sólo con facilitar el acceso sino que se apresuran a reclamar parte de ese suculento pastel?. Pues que depende por qué sitio transitemos de la internet así nos pedirán o no un peaje. Me explico.

Una de las empresas más fuertes que existe en la actualidad en la red es Google, el buscador de contenidos más potente y eficaz hoy por hoy. Tras él hay todo un entramado empresarial que lo gestiona con toda su plantilla de trabajadores. Los beneficios anuales que genera son ingentes. Y sin embargo a cada cibernauta como tú y como yo no nos cuesta un euro entrar y percibir sus servicios. Eso es la red libre tal y como se concibió desde el principio.

Y aquí viene el pelotazo, las telefónicas que hasta ahora sólo se limitaban a poner la autopista quieren cobrar un canon a esas empresas digitales, cuando no directamente una participación en ellas por permitirles apostarse a un lado y otro de su 'espléndida' vía, más la cuota al usuario que dicho sea de paso en España es la más cara de Europa.

Si lo consiguen -y me temo que lo harán- por ejemplo Google tendrá que hacer frente a ese gasto extra. Y por tanto la fórmula más socorrida es cobrar el acceso a su portal y servicios de búsqueda al sufrido usuario que además del desembolso por el acceso tendrá que sumar el de cada paso que de en la red.

Esto tendría que ser legislado pertinentemente pero sea cual sea la fórmula siempre pierde el mismo: el concepto básico de internet en función de su gratuidad de navegación y el usuario que al fin y a la postre es el generador de tanta riqueza. ¿Matarán entre unos y otros a la gallina de los huevos de oro?.

De lo Sublime y la Degradación

2010-08-04T20:01:00.010+02:00

La cámara va cerrando plano entretanto una silueta va tomando forma. Conforme la distancia entre cámara y figura disminuye se define el rostro de nuestro protagonista. Podemos adivinar por encima de cualquier otro rasgo una amigable sonrisa que invita al acercamiento. A continuación un grito inunda la escena. La cámara que se mimetiza directamente con el observador va cayendo dejando ver una cuerda tensa entre ambas manos y ya no sonríe.

Decididamente no podría ganarme la vida como guionista. Torpemente acabo de describir una escena que cualquier amateur del género bordaría sin lugar a dudas. Pero probablemente sí he conseguido trasladar el mensaje.

¿Qué produce más miedo, un plató bañado de sangre y casquería producto de algún despropósito sádico o la visión desconcertante de un bebé que al sonreír muestra una dentadura completa y bien formada?. ¿Una mano amenazante que cae veloz atravesando el plano, desapareciendo en escorzo y ya fundida la pantalla en negro se oye un lamento de dolor o la visión directa del golpe que se adivina con el destrozo consiguiente?.

Hemos caído tanto en el detalle que los árboles no nos dejan ver el bosque. Lo secundario cobra el papel protagonista. No hay lugar a la imaginación. La Ventana Indiscreta de Hitchcock es una obra cumbre del cine de intriga. El maestro se manejó como ninguno en el arte de contar sin mostrar más de lo necesario dejando trabajar al espectador que irremediablemente se integra como parte activa de la acción.

Sólo tienes que echar un vistazo a la cartelera de cine. Da igual, la de esta semana, la de hace dos... la que quieras. Abundan guiones insulsos, repetitivos y con una importante falta de imaginación. Hasta para repetir o hacer cover de una cinta es necesaria la inventiva y la genialidad.

Habrás deducido y estás en lo cierto que estos días he estado repasando algunos clásicos de Alfred Hitchcock. Cómo el rey del suspense lo dice todo sin decir nada al tiempo. Cómo deja el plano abierto para que navegues por un mar de dudas. Cómo te prepara para un final que ingenuos de nosotros creímos pillarle a las primeras de cambio. Qué arte el del Séptimo Arte de este hombre.

El erotismo es sublime; la pornografía degradación. Y hemos traspasado esa peligrosa línea. En todo los ámbitos de la vida ajetreada de esta apenas recién inaugurada centuria. La televisión también es una muestra de ello. Abundan las amorfas formas morales de juguetes rotos que han caído y seguirán cayendo en el abismo de la mal entendida naturalidad.

Ahora se sabe todo lo que hay detrás de una cámara en el plató de televisión donde se emite el programa estrella de tal o cual cadena. Verduras y verduleras, princesadas y princesas de reinos en decadencia moral en una televisión que es la imagen viva de la sociedad que la consume. Poco hay que salvar en ella. ¡Qué buena oportunidad estamos empezando a perder con la tv digital de la que tanto se esperaba!.

Menos mal que siempre nos quedará la radio, un buen libro, una tertulia entre amigos, una mochila que echarse al hombro y descubrir nuevos paraísos o volver a visitar los descubiertos, una mirada cómplice que no necesite más detalles para adivinarle intenciones... Quizá tras ello y sólo así también tengamos nuestro propio París.

Prohibiendo Prohibiciones

2010-07-30T12:22:00.011+02:00

Hace muchos años en un lugar de Memphis y proveniente de Tupelo a orillas del Mississippi un joven de familia humilde se buscaba la vida como camionero. Hasta aquí todo muy normal en el país democrático de Lincoln o en el país democrático y taurino de Zapatero.

Este chico hizo un día un privilegiado alto en el camino para poner en práctica su afición por la guitarra que aprendió a tocar de pequeño entre ritmos de blues, gospel... para así en un pequeño sello discográfico grabar una canción como regalo de cumpleaños a su madre. En USA era muy habitual este tipo de servicios entre las pequeñas discográficas.

Dicho y hecho. El sello se llamaba Sun Records. Fuel el principio de una leyenda marcada por el éxito incontrolado, la polémica, excesos y prohibiciones.

Como quiera que Elvis Presley -sí, es de él de quien hablo- consiguió unir lo más bello de la música de color como el R&B con lo más tradicional del sonido blanco como el country surgió un sonido típicamente matizado llamado Rock & Roll.

Pese a lo idílico de la mezcolanza pronto surgieron detractores. Sobre el escenario un sonido infernal que rompía cánones y que por sí solo invitaba al propio diablo a participar, y un joven Elvis que lo adornó con una sugerente interpretación no exenta, y aquí está 'el problema', de atrevidos contoneos y movimientos 'lascivos' de cadera que podían resultar perniciosos para la juventud americana.

Nunca se había visto nada igual sobre un escenario y menos aún en un cantante blanco. Pese a las trabas la historia demostró que aquellos pacatos ultrapuritanos que veían con malos ojos el advenimiento de una nueva forma de espectáculo musical y visual se equivocaban de todas todas. Es irrefrenable la atracción por una música-espectáculo que tiene mucho que ver, si no todo, con la idiosincrasia de un país y está íntimamente ligada a su credo atávico.

Rápidamente se separó el ruido de las nueces y sólo hubo que dejar fluir con todo su encanto, misterio y admiración un sentimiento que está más allá de cualquier burla, acoso, prohibición... Sin quererlo todos aquellos anti-Presley del momento prepararon el camino hacia el éxito total y definitivo de una expresión artística que aún hoy genera admiración.

Otro día os hablaré de Marvin Gaye y su revolución musical en el mundo de color. De momento que vayan tomando nota los malavaristas de la política que se sirven sin escrúpulos de cualquier cosa por tal de aplicar su antojo nacionalista utilizando la más espuria demagogia.

Desde Rusia con Música

2010-07-28T12:39:00.005+02:00

Érase que se era una vieja historia de la no menos vetusta Europa que tiene que ver con la leyenda Rusa de principios del convulso siglo XX. Aunque más tarde el 'personal' se enojó y no permitió el espectáculo completo, el acontecimiento tuvo su aquel.

A mediados de los setenta la música disco empezaba a perfilarse dando muestras ya de la eclosión que protagonizó sólo un par de años después. Fiebres varias. En Alemania un productor de nombre Frank Farian tuvo la ocurrente idea de aprovechar tamaño fenómeno musical. Grupos y solistas surgían por doquier al calor del nuevo ritmo y nuestro intrépido productor se sacó de la manga a los Boney M.

Eran estos en realidad figurantes de estudio provenientes de Jamaica y también Alemania. Conformaron un cuarteto -tres chicas y un chico- tomando la buena técnica de la que siempre hacen gala los músicos e intérpretes que sólo aparecen en créditos de los discos de las estrellonas rubricados en letra pequeña.

Farian creó en el laboratorio la banda perfecta, con el sonido perfecto y la producción perfecta para un final de década perfecto. El casi perfecto sonido disco del álbum, tercero de la banda, Nightflight To Venus (1978) supuso un shock del que aún se sigue hablando.

El álbun además de éxitos indiscutibles tuvo su leyenda correspondiente. Se decía que todo era mentira y el playback funcionaba a placer. Que los miembros eran actores que daban en portada la imagen requerida para el proyecto milimétricamente orquestado por Frank Farian. Se demostró más tarde que no era así del todo. Eran músicos y cantantes profesionales reclutados a tal fin.

Pero hubo otra leyenda. La del mismo protagonista del tema que sigue al espectacular y soberbio inicio del disco. Me refiero a Rasputin, el consejero del Zar de Rusia Nicolás II que ostentó incluso más relevancia política que el propio Zar debido a sus cuitas políticas y sociales que terminaron costándole la vida. Se le llegó a atribuir ciertos amoríos con la mujer de Nicolás II. Murió asesinado.

La canción de los Boney M narraba el devenir de Grigori Rasputin hasta el momento de su trágica muerte. Tema y grupo se hicieron muy populares en Rusia. Se convirtieron en la primera banda del oeste en conseguir el permiso directo nada menos que de Leonid Breschnew, Secretario General de la Unión Soviética Comunista, para actuar en Moscú diez noches en diciembre del 78. Pero se les prohibió incluir en su espectáculo el mencionado tema dedicado al excéntrico Rasputin.

No todo termina siendo absolutamente perfecto. Disfruta del vídeo, merece la pena recordar a los más genuinos Boney M en acción.

Típicos Tópicos

2010-07-22T11:18:00.003+02:00

Hoy y sin saber por qué he empezado el día canturreando una de esas canciones que en su momento llenaron de magia nuestra a veces vana existencia. Años hacía que perdí la pista a tan suculento manjar musical y no menos apetecible personaje de la Andalucía más típica.

Porque es evidente, en este lado del sur de la península tenemos nuestras peculiaridades además del duende típico que llega a ser tópico y en ocasiones sin saber muy bien por qué. Desde los que creen que aquí en Andalucía todos somos toreros, a los que no dejan de visitarnos por ese 'aje' que les alegra la vida, unos y otros han contribuido a esa sesgada imagen arquetípica.

Por un motivo o por otro cuando eso lo trasladamos a la música surgen personajes que levantan su panoplia en pos de una reivindicación. Por eso Paco Herrera, ilustre creador, músico y productor de Sevilla en un día como éste mío de hoy pensó que había que romper una lanza en favor del lustre costumbrista que viaja inequivocamente y con decisión hacia la transgresión de algunos prejuicios.

Tomó de las riendas al Rap a principios de los ochenta y se marcó una pequeña revolución tal y como los Triana de Jesús de la Rosa dejaron evidente sólo una década antes con su rock andaluz. El primer rapero andaluz. La copla Típicos Tópicos que no tiene desperdicio es una muestra. Más abajo te dejo la letra para que no pierdas detalle. Paco Herrera, un clásico. No dejes de visitar su web www.pacoherrera.com

TÍPICOS TÓPICOS
(Puñetita verídica) F. Herrera Míjez

Estando al Norte del Sur
pasando Despeñaperros
al decir: soy andaluz,
ya lo tienes sonriendo.

Por toda contestación
dicen, en plan jaranero:
Ele "er" salero "shiquiyo",
de Andalucía "ná" menos.

Vuelta al tópico, maldito,
¡ vaya por Dios con el menda !,
¡ qué irresponsable es el tío,
que también "tié" un sambenito
colgadito en "to" la chepa,
y ahí lo tienes... pobrecito,
que se cree que yo soy de Las Vegas!

Típicos tópicos...,
Típicos tópicos...,
Típicos tópicos...,
Típicos tópicos...,

En esta típica España
no sólo hay panderetas,
que también los hay tacaños,
cabezones o veletas.

España, hay que humanizar
los tópicos de tus tierras,
humanizar a los hombres,
humanizar las banderas...
Que los tópicos no mueren,
pero si se les encierra
dentro de los corazones
de los que tengan vergüenza.

Que no sólo Andalucía
es la típica ramera,
que es toa España,
España toa...
Allende nuestras fronteras.

Típicos tópicos...,
Típicos tópicos...,
Típicos tópicos...,
Típicos tópicos...,

La tópica vieja Europa,
y hasta creo que el mundo entero,
se cree que aquí en esta España
tos los tíos somos toreros.
Que todo son pasodobles
y naranjos y sombreros,
y que nuestra historia fue escrita
por los Álvarez Quintero.

Y el telón impenetrable
del Oriente y Occidente
es un tópico de acero.
Cuando no nos llaman credos
nos llaman los decadentes.

Y el tópico americano,
también existe, está ahí:
inundado de hamburguesas
y palomitas de maíz.

Típicos tópicos...,
Típicos tópicos...,
Típicos tópicos...,
Típicos tópicos...,

Y hasta to el planeta tierra
su tópico también tiene,
pues somos el cachondeo
de tos los extraterrestres.

Nos miran desde sus naves.
y se dicen: Ahí los tienes…
contaminado las aguas…
armándose con cohetes…
se espían unos a otros…
se pelean los presidentes
y hasta envenenan el aire:
¡ Que locos están los terrestres !
¡ Que locos están los terrestres !
¡ Que locos están los terrestres !
¡ Hombreeee !

Típicos tópicos...,
Típicos tópicos...,
Típicos tópicos...,
Típicos tópicos...,

Qué lastima de aquel hombre
que pretende ser
bueno a los ojos de todos
pero a costa de
poner por malo al hermano
siendo el malo él.
Suelta la viga del ojo
y enróllate bien……

QVO VADIS…

Kenny G y El Encanto de los Dioses

2010-07-17T11:09:00.012+02:00

Decir Kenny G es lo mismo que tocar el cielo un poquito cada vez. Este hombre natural de Seattle, estado de Washington en USA, se ha entretenido en sus años de carrera, que comenzaron a mediados de los setenta acompañando a Barry White, en vender más de 80 millones de copias de sus discos basados exclusivamente en el saxo. Siquiera otros reputados intérpretes del seductor instrumento como David Sanborn lo han logrado.

Como siempre te digo para más información ahí está la web oficial del músico. Pero para otros detalles ya te los avanzo yo. Si uno no tiene la capacidad de reinventarse, poco consigue. Y Kenny tiene ese toque especial y la virtud de acompañar el sonido de su saxo de adornados arreglos que hacen un soporte más que atractivo para su apoyo y en un instrumento que por sí mismo durante todo un larga duración pudiera resultar monótono.

Es así que a lo largo de todos estos años ha logrado triunfar tanto es listas Pop, como Fusion, New Age e incluso del Jazz más amable y seductor llamado Smooth Jazz. Introduciendo líneas melódicas para 'corregir' la aparente anarquía del jazz más clásico y rodeándose de buenos músicos y colaboraciones vocales para desarrollar una técnica incomparable e intransferible.

Su saxo soprano tiene un sonido distinguible, acariciador, muy peculiar y es capaz de mantener una nota suspendida más allá de la capacidad pulmonar al uso mediante una técnica fácil de explicar pero complicada de desarrollar, es decir, consigue respirar entretanto mantiene la nota.

Kenny G ('G' por su apellido Gorelick) se convirtió en una rutilante y singular estrella internacional y a pesar de un descanso de diez años durante la primera década del siglo XXI no ha perdido su encanto regalándonos en los últimos dos varias joyas inigualables otra vez. Rhythm & Romance (2008), basado en canciones de amor latinas y el publicado hace un par de semanas Heart & Soul, un disco impecable de eco romántico para una velada, o mediodía, o amanecer de verano, invierno... De nuevo una delicia para soñar despierto.

Platino Por Un Día

2010-07-08T19:32:00.004+02:00

Buscando y buscando, que esto es un no parar, tarde o temprano se desliza la sorpresa del día entre tanto desorden en aquella perdida estantería de discos ya olvidados en el tiempo.

Pero nada más ponerlos en el no menos vetusto giradiscos descubres por qué en su día fueron auténticos líderes y después ya nunca se supo de ellos.

Hablo de un trío valenciano que en los primeros ochenta deslumbraron fugazmente con una suerte de funky-pop elegantoso perfecto para las pistas de baile muy en la línea de los ecos británicos en tal menester estilístico. De la misma manera aparecían ataviados atildados de una seriedad francamente convincente.

Se llamaban Platino y fue uno de los miembros del dúo de música electrónica Azul y Negro, Carlos García Vasco, quien les produjo el disco que me ocupa ahora. Sólo ese porque no hubo más. Ocurrió en 1984. Es una delicia que merece la pena repasar.

Radio Futura Acalorada

2010-07-04T15:19:00.015+02:00

Veranos inolvidables cuando en el pequeño tocata sonaba la música de los Radio Futura. No sé por qué pero sea cual fuere el momento en que les escucharas siempre tenías la sensación de transportarte al tórrido estío de otrora años mejores.

La Escuela de Calor de los Radio Futura es un icono de la música veraniega de la España más orientada hacia un nuevo mundo musical en el que el revulsivo era la diversión por la diversión sin nada más que hacer que ir despertando hacia una realidad a bordo de un incipiente futuro que alguna vez sentimos perdido y al que la música volvía a auparnos.

Ese verano de 1984 mientras algunos se movían al ritmo ingenuo de los pajaritos de Mª Jesús y su Acordeón otros preferíamos la descarnada pegada de la calle ardiendo al sol de poniente con tribus salvajes cerca del río.

Sin duda la canción más cercana del long play La Ley del Desierto, La Ley del Mar junto a Semilla Negra, otro icono de los de Madrid con el que se perfiló una banda llamada a marcar estilo en el rock hecho en castellano. El primero del entonces cuarteto después del experimento que supuso Música Moderna cuatro años antes.

El disco se confeccionó a base de material que en vivo ya había rodado Radio Futura en sus muchas actuaciones. Cuando se publicó con esos mismos temas pero grabados en estudio por vez primera ya eran sobradamente conocidos. Fue importante también la labor que en ese período sin soporte físico realizaron las emisoras de radio de todo el país radiando maquetas, etc., con lo cual se convirtió en un rotundo éxito.

Pedacitos de un verano que gusta recordar en cualquier terraza mientras una cervecita (o lo que se tercie) amortigua el peso y paso de los años.

Bob Marley No Copy

2010-07-03T10:43:00.009+02:00

Que la arrolladora personalidad de Bob Marley caló profundamente en sus seguidores es un hecho contrastado. Que su música sirvió como elemento de expresión y denuncia con soflamas espirituales auspiciadas por la religión rastafarí también es verdad. Pero que eso nos de pie a recrear sin límite un legado musical que me parece tal como quedó inamovible se me antoja un despropósito.

El punteo y ritmo característico del reggae da pie a mil y una combinaciones. Y Marley fue un adelantado de su tiempo en tal menester. Se adivinaba en su música un espíritu elevado y un conocimiento del tempo exquisito. Hoy día escuchar por ejemplo Is This Love no supone retrotraerse en un complicado ejercicio de memoria. Salvando las ventajas técnicas actuales suena tan fresco como si fuera hoy mismo.

El jamaicano concibió su música tal y como en sus discos está plasmada. Y créeme que hay ocasiones en que mitos de tamaña envergadura deben ser tratados a la altura de su excelencia personal y musical. Me parece un sacrilegio retocar su legado inigualable a no ser para limpiar la pista original del paso de los años, hoy llamado remasterización.

Hace unos días pude tener noticia de una reedición que a priori me parecía oportuna por el período estival pero que al escucharla me sorprendió. Varios años después de su fallecimiento se editó una muy completa y destacable recopilación en el ya legendario Legend. La de ahora se llama Legend Rarities Edition. Chin chin pum para pistas de baile.

Mi decepción ha sido profunda. Tanto como la osadía de quienes se han permitido profanar la memoria del genio Bob Marley. Y menos mal que en un arrebato de lucidez han obviado en tamaña disección apócrifa el sacrosanto Is This Love. Menos mal.

Te recomiendo por supuesto la edición originalísima, única y verdadera de Legend. Abajo te dejo alguna que otra joya.

Lissie, Nueva Diva del Indi

2010-06-24T21:12:00.006+02:00

Nada más empezar y las comparaciones hacen acto de presencia. Ya se ha dicho de ella que es la sucesora de Stevie Nicks. Y mire usted... pues no. Va a ser que esa frontera no la pienso cruzar. Por motivos puramente de higiene. Sí, porque igual se dijo de otros tantos y nada pasó después. Nicks en su lugar, que está muy bien, y Lissie por el suyo que tampoco desmerece.

Casi recién llegada esta bonita joven de Rock Island -Illinois- nos ofrece una suerte de folk mezclado con pop, algo de rock, paseando de cuando en vez por el country, en fin esa tendencia ecléctica que se ha dado en llamar indie y que tiene referencias en Jewel y sin ir más lejos con Russian Red en España.

Su infancia y adolescencia no exenta de las tribulaciones propias de la edad que por un cúmulo de cosas negativas -según sus propias palabras- desembocaron en su expulsión de la escuela secundaria le llevaron a refugiarse en la música. No acabó sus estudios en la Universidad Estatal de Colorado pero a cambio vivió el ambiente musical de la zona llegando a colaborar con DJ Harry en la composición de algún tema para la televisión, etc.

Inició su carrera y se anunció en MySpace. Una vez más las redes sociales captando nuevos músicos. Y es así que por el correveydile propio del web Lenny Kravitz la conoció y la invitó como telonera en su gira de 2008. Para noviembre de 2009 publica el EP Why You Runnin y en junio de 2010 su álbum de debut Catching A Tiger. Así de breve. Pero es que estamos asistiendo al nacimiento de una nueva estrella.

El álbum es atractivo y muy sugerente. No inventa nada nuevo pero lo hace con soltura y credibilidad. Y es el que precisamente te dejo de muestra para que tú también y si te gusta corras la voz. Con todos vosotros Lissie. Merece la pena.

Queen Superventas

2010-06-19T20:44:00.009+02:00

Qué enorme responsabilidad. Sí porque hablar cualquier detalle sobre esta histórica banda de rock se me antoja arriesgado. Mil biografías, mil disecciones de cada uno de sus discos, mil detalles técnicos que argumentan en definitiva el nacimiento, desarrollo y posterior ocaso de estos cuatro músicos que en Londres hace ahora 40 años pusieron en marcha el proyecto más ambicioso de sus vidas... impone.

Por eso te remito a todo ese ingente caudal de datos para complementar tus conocimientos sobre la banda británica. Aún así me atrevo a decir que si Freddie Mercury no hubiera estado en ella jamás habrían resultado igual de divertidos sus discos, sus giras, su quehacer frente a los medios de comunicación con un largo número de vídeos igual de entretenidos.

Pero detrás de todo ese espectáculo multimedia, incrustante sobre todo durante los ochenta -¿qué no lo fue en esa década?- hay cuatro músicos que en conjunto trabajaron un legado musical altamente recomendable. El guitarrista Brian May, el bajista John Deacon, el batería Roger Taylor y el vocalista Freddie Mercury construyeron un mito que todavía perdura en el consciente colectivo.

No lo suficientemente rudos como para dejarles abiertamente en la tendencia hard rock de sus comienzos que algunos dicen inspiraron, y tampoco lo necesariamente planos como para situarlos fuera; precisamente su música eclosionó en realidad a raíz del archifamosísimo -contagiado del progresismo musical pertinente- A Night At The Opera de 1975. Un álbum que ya mostraba los excesos y gustos recargados de un Mercury que fue prácticamente su inspirador y mano ejecutura.

De ahí al estrellato definitivo y posterior reproche obvio a toda mastodóntica banda que arrastra multitudes con un espectáculo lleno de color, fantasía y un Freddie desatado en cada interpretación. Es decir, el abandono de sus raíces hacia lo fácil y cómodo para las listas de éxitos en la arrolladora maquinaria del márketing. A veces se alargan los proyectos más de lo debido por mor de mantener el negocio.

Por eso es necesario destacar que la Banda Británica de Rock Queen jamás utilizó sintetizadores en sus discos. Es más, si te fijas detenidamente en ellos puede leerse en las carátulas lo siguiente: Ningún sintetizador fue utilizado en este álbum. Lo tenían muy a gala. Sólo hasta 1980. La moda, el mercado mandan.

El álbum The Game de 1980 fue el primero del grupo en incluir el elemento básico de una década que al fin y a la postre los elevó a lo más de su reconocimiento mundial. El sintetizador hizo acto de presencia en los discos de los veteranos del rock británico. Algunos seguidores se quedaron por el camino pero otros muchos empezaron a amarles.

Las ventas fueron ingentes. Hasta el momento de escribir estas notas el disco supera con creces los 4 millones de copias vendidas. Y algunos de sus temas igualmente han llegado a estar en formato single en más de 7 millones de hogares por todo el mundo. Me refiero a Another One Bites The Dust. Su primer nº1 en EE.UU.

O por poner otro ejemplo el rockabilly Crazy Little Thing Called Love que junto a la anterior fueron los dos únicos nº1 de Queen en el país de la libertad. Y que según cuenta la leyenda el propio Mercury compuso en diez minutos en un baño de espuma en un hotel de Munich en las sesiones de grabación y tardó sólo media hora en grabarse...

En fin, a partir de aquí muchas cosas quedaron atrás de los genuinos Queen de sus comienzos. A continuación tienes la impagable puesta en escena de ambos temas y en español. Disfrútalos.

Cuento Contigo

2010-06-16T20:51:00.008+02:00

Si alguna vez te has parado en medio de la vorágine del día a día que nos hemos impuesto habrás advertido lo ridículo que parece todo a tu alrededor. Todos corren, algunos hacia ningún sitio, sólo lo hacen por empatía y porque no vaya a resultar que visiten el pavimento a la altura de sus narices tras el empujón de quien viene más rápido aún y que quizá tampoco va a ninguna parte.

Pantallas de neón que te prometen el paraíso mismo con una gama de colores que hasta ese momento siquiera sabías que existían... Mientras miras a tu alrededor y piensas, no sin motivos, si realmente existe ese lugar. Si de verdad tu amada/o tendrá el mismo aspecto que presenta la escultural figura de la marquesina, que miras de reojo por si acaso cambia de imagen y te da la hora no sea que otra vez llegues tarde... Es mejor correr para evitarlo. Otra vez aliviando el paso y de paso el ritmo de tu corazón.

Pero no hagas caso, más adelante de nuevo otra detallada descripción esta vez de cómo utilizar el aparatito desfibrilador que a modo de dispensario por turnos se sitúa estratégicamente en algunas grandes ciudades atribuladas por la fiebre del estrés.

Alivias el paso y resulta que mientras sorteas a la chica de patines que corre y corre y cabilas sin llegar a adivinar cómo es capaz de guardar el equilibrio al tiempo que atropellada te asalta la idea de dónde quedará el circo del que se ha escapado, el claxon del coche te pone en órbita de nuevo. Has vuelto a la realidad de la mano de algún improperio del conductor. Mientras le dedicas tu mejor selección de vocablos ofensivos de repente te das de bruces con la cafetería a la que intentas acceder por la cristalera del ventanal mientras al mejor estilo mimo buscas el inexistente pomo de la puerta que por una combinación de premura y tontuna pensaste que estaba por allí...

¡Todo rápido, muy ligero, a la voz de 'ya' !. "Si puede ser hoy mejor que mañana", "No dejes para mañana lo que puedas hacer hoy", "En casa a las diez estés si puede ser mejor antes que después"... ¡Basta!. ¿Te has planteado alguna vez vivir despacio?. No importa el resto, ya sabes, sin prisas y con todas las pausas a tu alcance. En no tomar el atajo de regreso a casa y disfrutar del paisaje. Caminar bajo la lluvia mientras sonríes. Sonríes.

Esa es la palabra, sonreír. ¿Sabes que el gesto de reír es del que participan más músculos del cuerpo simultáneamente. Y que éstos a su vez provocan una liberación de endorfinas suficientes para aliviar cualquier síntoma de cansancio, tristeza, estrés... Y que es una terapia al alcance de todos, económica, porque sonreír no cuesta nada y es contagiosa, felizmente contagiosa?.

¿Y sabes que con una sonrisa puedes conseguir todo lo que te propongas?. Con una sonrisa la chica de la ventanilla te atenderá mejor y más diligentemente. ¿Pues a qué esperas?. Prepara tu estrategia mientras escuchas mi propuesta musical de hoy.

J.M. Serrat A Orillas del Mar

2010-06-15T15:20:00.019+02:00

De la misma manera que un autor se identifica con su obra el destinatario se integra en el paisaje descrito que propone éste. Se hace cómplice de la vivencia o imagen allí plasmada y así la eternidad de la obra está asegurada. Es tan fácil decirlo como difícil conseguirlo.

Juan Manuel Serrat es uno de esos raros intérpretes con la facultad de la cercanía, del tú a tú, del diálogo espontáneo, de la extraña comunión entre una canción y la vida misma palabra a palabra, renglón a renglón, nota a nota.

La inmediatez de sus textos -propios o prestados-, la sencillez de sus músicas y la vibrante conjunción del fraseo le dispone a uno en medio de una escena cotidiana, cercana, vívida, extrañamente personal e intransferible. No es necesario haber estado en ninguno de esos escenarios para sentirlos propios.

Y es así y de ninguna otra forma como soy capaz de acceder a tamaña figura de la música popular española. Desde la vivencia heredada antes de que por su propio pie ésta llegue a mí. Como un faro que ilumina el camino o sencillamente deslumbra. Porque de todo hay en la viña noble y rica de un narrador incansable del alma en toda su complejidad pero sencilla emoción.

De esta forma lo sentí la primera vez que tuve entre mis manos la Obra Maestra de este catalán convencido de su raíces que le costaron años de persecución y censura en su propia patria y el desdén de los pro-patriotas de bolsillo y plástico. Me refiero a Mediterráneo (1971).

No trato de hacer un panegírico técnico ni siquiera una sesuda teoría formulada en torno a la ubicación social del disco en cuestión. No. Sólo una exposición de las historias costumbristas en forma de canción que han perdurado en el tiempo, con las que hemos crecido nuestra generación y que aún sentimos tan cercanas por inolvidables, para bien o para mal. Allá cada cual.

Un disco que se deja escuchar fácil, con la necesaria orquestación de Juan Carlos Calderón omnipresente en aquella época y con la ya por entonces evocadora forma de cantar y contar de un Serrat repleto de motivos e historias para hacerlo.

Historias que son las que son en el momento en que son. Y no es un juego de palabras. Pero que al margen de ello siguen arañando el alma, predisponiendo el ánimo o acariciando el rostro como la fina lluvia de una mañana de primavera...

Desde la declaración de identidad y principios de la laureada copla que abre y da título al disco hasta el rumbo incierto de Barquito de Papel; desde el alma errante de Vagabundear al destino anhelado a bordo de los primeros brazos que comparten corazón y vida de La Mujer Que Yo Quiero; desde el retrato bohemio del Tío Alberto -personaje que existió en la vida real- a la evocadora y quizá más personal letra de Aquellas Pequeñas Cosas; o la cruda realidad costumbrista del decadente Pueblo Blanco...

Es una auténtica joya del cancionero a manos del gran Joan Manuel Serrat. Él compuso toda la música y las letras a excepción de un invitado de lujo como no podía ser de otra manera, nada menos que el poeta León Felipe con el poema Vencidos que cierra un disco enorme escrito a orillas del mar entre Girona, Gipúzcoa y Mallorca que ahora arribo a tu playa.

El Placer de Cantar

2010-05-18T20:34:00.005+02:00

Dice un proverbio oriental que si lloras porque no puedes ver el sol, las lágrimas no te dejarán ver las estrellas. Y no le falta su cuota de verdad al dicho, que para esto de la filosofía aplicada al alma humana estos chicos que crecen como la espuma allá por el Oriente saben un poco.

Esto aplicado a la música tiene su aquel. Sí, porque la técnica que hoy en día se utiliza en el estudio de grabación o mismamente en una sala de conciertos con unidades móviles que más que itinerantes son mastodónticas infraestructuras sónicas ancladas al lugar en cuestión... como que no terminan de dar el 'do' de pecho.

Me refiero a que todo se esconde tras magníficas, impolutas e impecables grabaciones digitales con una excelencia cuántica binaria que el tipo del chelo cuando hace su solo pareciera que te respirara cerca del oído. Bien, muy bonito todo... pero demasiado limpio, sin emoción. No digo yo que se graben las cosas a la antigua usanza bajo bóveda y una sola toma, no. Pero sí un poco de naturalidad por favor.

Me ha pasado con el último trabajo por ahora de la canadiense Celine Dion que después de nueve largos años ha vuelto a los escenarios colgando el no hay billetes. La ocasión lo merece y ahí va el derroche de medios y multimedia. Disco CD incluido, más DVD y tres horas de un documental tipo séptimo arte donde se muestra a la diva delante y detrás del micro.

Celine tiene una voz portentosa. No la voy yo a descubrir ahora. Pero a veces los árboles no nos dejan ver el bosque. Echo en falta, de verdad, además de a mi amor, pero ese es ya otro tema, la sencillez y candidez de los primeros años de cualquiera que se precie en esto de la música.

Deja a un lado el histrionismo neosónico y disfruta un ratito de una voz dulce y en francés de la Dion en un incunable. Billy se llama. Y como de sencillez va la cosa no añado nada más. Ahí te lo dejo.

John Paul Young, Enamorado al Viento

2010-05-16T12:17:00.010+02:00

Aunque en 2006 publicó un disco desde su Australia de adopción a John Paul Young, natural de Escocia, siempre se le recordará por el fruto extendido a medio mundo en 1978 bajo el nombre Love Is In The Air.

Ésta es una composición fiel a la tendencia musical de su tiempo. Estamos en la segunda mitad de los 70. Plena era disco de fiebres varias en el tiempo mágico del sábado por la noche. JP Young venía de participar en la opera rock Jesucristo Superstar en su producción australiana. También de tener éxito como vocalista en una olvidada banda de rock.

Después de éxitos importantes como solista en Australia y con eco en Europa y EE.UU no sería hasta el inolvidable 1978 cuando llegó a conseguir el reconocimiento mundial definitivo con el tema disco El Amor Está en el Aire.

Llevado a cabo por los productores de la banda de hard rock AC/DC la canción con la base bailonga del momento era tremendamente sencilla pero irradiaba un optimismo al que era imposible resistirse.

Con el tiempo el propio John Paul Young confesó que el éxito se debía a las indicaciones de su productor mientras trabajaba en el estudio de grabación. Éste le insistía en que debía cantarla como si estuviera manteniendo una conversación... De cualquier forma y colocando en su justa medida las dotes vocales de JP Young el consejo funcionó.

El éxito continuó indisolublemente emparejado a Love Is In The Air hasta más o menos 1983 en que su estrella empezó a decaer. Se dedicó una temporada a la radio como DJ. Y en 1992 el cine le rescató del relativo anonimato proponiéndole una revisión de la canción para la película Strictly Ballroom. De nuevo triunfó. En 2006 publicó disco pero apenas sin repercusión.

Al rescate de instantáneas de un pasado que para muchos sigue siendo mejor. Tengo mis dudas pero en cualquier caso es verdad que son momentos irrepetibles. Te propongo la reaparición de JP Young en 1992 con el siguiente vídeo.

Patsy Cline, Abriendo Camino

2010-05-09T18:42:00.013+02:00

Es cuestión de gustos. Ese libro está incompleto y bueno es que de vez en cuando vayamos añadiéndole capítulos. En la época en que esta diva de la música popular de EE.UU desplegaba todo su encanto eran muy poquitas las mujeres que habían logrado abrirse paso en este estilo tan masculinizado.

El country era terreno vedado para ellas. Pero no contaban con el encanto de Brenda Lee, orientada más bien a un público joven, y el de Patsy Cline hacia un público más adulto. La de Virginia murió muy joven, sólo 30 años (en 1963) pero consiguió convertirse en tan corto espacio de tiempo en una de las más grandes cantantes de la música country.

Pronto consiguió su primer contrato. Ella venía de hacer una música más bien rockabilly pero no terminaba de cuajar, no gustaba. Aunque su voz sobria y con pegada prometía. Había que buscar una salida a ese potencial.

Y es aquí donde la música encuentra sus mayores retos. Enfrentarse a la personalidad de voces como la de Cline. Y surge una tendencia que en la actualidad perdura. Patsy acertó añadiendo a esas composiciones polvorientas arreglos de cuerda y coros, consiguiendo dulces melodías. Seguro que lo has captado... Efectivamente, el country con tendencia al pop. O como algunos sesudos críticos lo denominaron, la Urbanización del Country.

Esto ocurrió a partir de los años sesenta. Se rodeó de un grupo de coristas, Los Jordanaires y Patsy Cline comenzó a desgranar sus románticas melodías laceradas por el desamor en canciones inolvidables como She's Got You (1961), Why He Can't Be You (1962), Walkin' After Midnight (1961) y la inconmensurable Crazy (1961) que compuso Willie Nelson.

Crazy es una hermosa melodía de amor que cierra tras de sí el trágico destino que dos años después le aguardaba en un aciago accidente de avión.

Unos días antes de la grabación en 1961 Patsy había sufrido un accidente de coche que le había dañado cuatro costillas. Imposible en el estudio en esas circunstancias dar las notas que necesitaba el tema. Hasta cuatro horas continuadas para conseguir la grabación, que en la época era muchísimo tiempo. Patsy Cline declinó finalmente grabarla y decidió marcharse a casa a descansar. Los músicos se adelantaron y dos semanas después ella sólo tuvo que poner la voz y en una sola toma.

La canción se convirtió en uno de sus mayores éxitos. A continuación puedes disfrutarla tal cual en una grabación en vivo y también en la versión estudio.

Efemérides Musicando & Cia.

2010-05-02T15:32:00.005+02:00

Este rostro seguramente nos os sonará demasiado y no hagas trampas que justo al lado de la imagen tienes los datos.

Se trata del vocalista de la banda mítica de hard rock los Foreigner, fundada por el guitarrista Mick Jones. Lou Gramm nació en Nueva York hace justo hoy 60 años. El sexagenario ingresó en ella en 1976 después de haber participado como batería y vocalista en los Black Sheep.

Fue distinguido como uno de los grandes intérpretes del rock a raíz de la mundialmente conocida balada de 1984 I Want To Know What Love Is en la que Lou da la talla interpretativa contribuyendo a elevar la canción al número uno. Más abajo te dejo el vídeo.

Tienes más datos en su web oficial: http://www.lougramm.com

¡¡Felicidades Lou!!

Canciones Con Historia, Qué Maravilloso Mundo

2010-05-02T11:56:00.030+02:00

Como bálsamos que reparan cualquier anomalía del comportamiento, del alma... Esa música que efectivamente amansa a las fieras más recalcitrantes. Y es eso lo que pensaron los autores de la canción que me ocupa ahora. A la sazón Bob Thiele productor de jazz clásico y el letrista George David Weiss.

Compuesta en 1967 la canción fue inicialmente propuesta al crooner Tony Bennett que al parecer la desechó (aunque llegó a cantarla mucho después, en 2002). A continuación fue el trompetista de jazz y ocasionalmente intérprete Louis Armstrong quien la grabó por primera vez en 1968.

Pero tras la grabación había algo más. La canción no fue del agrado del director de la discográfica ABC Records por lo que ésta no gozó de la promoción suficiente. Siquiera llegó a superar las mil copias en ventas.

Sin embargo sí se publicó en el Reino Unido con un resultado diametralmente opuesto. Arrasó. Llegó al número uno de las listas de éxitos y se convirtió en el icono que en la actualidad es. Habida cuenta de esto en EE.UU tras la muerte de Armstrong en 1971 se volvió a publicar ya con el éxito que se le había hurtado con anterioridad.

Tras infinidad de versiones hasta la actualidad y su inclusión en la banda sonora de la película de Barry Levinson Goodmorning Vietnan en 1987 y protagonizada por Robin Williams, What A Wonderful World obtuvo una difusión mundial de la que sigue disfrutando como referente social.

No olvidemos que el tema está compuesto en clave optimista hablando sobre la esperanza, los bebés que heredarán un mundo mejor en un arcoiris multicolor, los amantes abrazados en un eterno Te Quiero... Todo ello en una década de los sesenta convulsa política y socialmente por los conflictos raciales en Estados Unidos.

Canciones con historia. Ahí te dejo la versión original del de Nueva Orleans Louis Armstrong y una deliciosa versión de Rod Stewart en directo el año pasado en el Royal Albert Hall, de la serie de discos de Rod dedicados a revisiones de clásicos del soul.

Y como broche final un espléndido y entrañable dúo que Katie Melua realizó gracias a la técnica en 2007, unos diez años después de la muerte de la inolvidable Eva Cassidy y además en clave de Jazz. No te lo pierdas.

Sorpresas Te Da La Vida

2010-05-01T14:44:00.012+02:00

En alguna ocasión en este mismo blog hemos hablado de los famosos crooners americanos tipo Dean Martin, Sammy Davis Jr., Fran Sinatra o Tony Bennett y el recientemente añadido Michael Bublée en Canadá. Pero en España los tenemos y bien atractivos.

Por mis oídos a lo largo del día pasa mucha música. Lo escucho casi todo porque por muy malas esperanzas de futuro que un intérprete pudiera tener a priori la experiencia siempre me ha demostrado que allí donde menos lo esperas surge la sorpresa.

Como cantaba la mítica y veterana banda de salsa catalana Orquesta Platería parafraseando a Rubén Blades, 'La vida te da sorpresas, sorpresas te da la vida'. Y que se lo digan a ella misma que nació sólo para hacer una actuación puntual en 1974 y después disolverse y en la actualidad siguen dando guerra.

Me ha pasado. Sí, 'Cuando naces para martillo, del cielo te caen los clavos'. En uno de esos discos de los que esperas sólo una correcta ejecución de la banda y similar cadencia en la interpretación, más de lo mismo, de pronto un oasis en el desierto. El de Sabadell Sergio Dalma ha dado en la diana. Una obra maestra de la música ligera.

En su álbum Trece, décimo tercero de su carrera, en un rinconcito hay una joya que debiera haber gozado de una mejor disposición en el enumerado de temas. Es el octavo y quiero pensar que un guiño, porque sin complejo alguno bien pudiera ser la octava maravilla del mundo. La cancioncita de marras se llama Me Cansé.

No quepo en mi asombro. Su voz como nunca antes la escuché, madura, matizada, latinamente rasgada como siempre pero aquí con una intensidad inusual. Y todo ello, y aquí es donde yo muero, en un perfecto estilo soul y blues puramente genuino.

Enhorabuena Sergio. Y si alguien cercano a ti tiene acceso a este blog que te transmita mi deseo de seguir oyéndete en este registro de Me Cansé en futuros trabajos.

Ten Sharp, 'You'

2010-04-29T17:31:00.007+02:00

Al rescate de aquellas bellas canciones que lejos de olvidarse siguen enamorando a nuevas generaciones. Esas composiciones que trascienden a sus creadores e intérpretes. Sencillas pero intensas, como siempre defendemos desde este blog.

Hablamos hoy de una banda, un dúo en realidad de holandeses que tuvo unos inicios difíciles. Su música basada en la bien timbrada voz de Marcel Kapteijn y el teclista Niels Hermes da lugar a elegantes y atractivas canciones.

Es lo que debieron ver los ejecutivos de la ya desaparecida CBS Records a mediados de los 80 cuando decidieron grabarles algunas de ellas. Pero la cosa no funcionó y se dedicaron a componer para otros.

Pero he aquí que la refundada discográfica ahora llamada Sony Music quedó atónita cuando al mirar su catálogo europeo descubrió al dúo y un conjunto de maquetas que no llegaban a comprender por qué no se habían producido y puestas a disposición del público. Y tenían razón porque entre ellas se encontraba You la joya de la corona de Ten Sharp, nombre del dúo artístico.

Se incluyó en un álbum con nueve canciones más llamado Under The Waterline en el año 1991. El tema estrella lo habría y ya casi ni permitía seguir con el resto de composiciones. Fue nº1 en toda Europa y más allá del continente también triunfó aunque algo menos.

El dúo se hizo muy popular, actuó mucho en directo en pequeños y grandes lugares. Siguieron grabando pero su estrella se fue apagando excepto por esa luz rutilante de You que en la actualidad lleva vendidas 18 millones de copias, con dos nuevas versiones que el dúo grabó en 2009, una acústica y otra una revisión.

Una de cine Clásico y Sin Nombre

2010-04-28T13:44:00.015+02:00

A veces es injusta la industria del entretenimiento, entertaiment como dicen los yanquis. Después de algunos años me he podido dar el placer, sí, el placer, de volver a visionar uno de los grandes clásicos del género del western... Vayamos por partes.

La cinta de 1969 está basada en un musical de Broadway que tuvo un éxito importante. Rápidamente las cabezas pensantes del celuloide decidieron que sería bueno seguir rentabilizando la obra teatral del pianista estadounidense de origen alemán Frederick Loewe que por entonces formaba tándem con el también compositor Alan Jay Lerner.

A tal fin se contrató a un escritor, actor y director de teatro de Texas de nombre Joshua Logan. Éste ya había obtenido dos buenos reconocimientos en su carrera como son los Premios Pulitzer y Tony en 1950 por la obra South Pacific, además de dirigir un guión de Jack Lemmon en 1955 en Escala en Hawai que le supuso a Lemmon su primer Óscar como guionista.

Por otro lado y para los papeles principales se eligieron dos figuras de talla que hoy sabemos lo es uno de ellos, me refiero a Clint Eastwood y el que ya desde aquel lejano 1969 lo era, Lee Marvin.

Lo que allí surgió fue una suerte de musical combinado con la comedia, el western y dos figuras claves del cine de toda la vida caracterizando a sendos colonos que por el azar se conocen entablando una amistad que desemboca en mil aventuras y desventuras en un lugar donde el oro florece. Allí, atraídos por la posibilidad de prosperar en la vida acuden los legendarios buscadores del preciado metal en la segunda mitad del XIX en la joven nación del norte de América.

Y nace una ciudad de la nada. La típica 'urbe' espontánea en la que rápidamente se dan cita gentes de distinta calaña para hacer su agosto. Una ciudad con todas sus virtudes y defectos propios de aquel entonces y de la actualidad, por desgracia.

En clave de comedia y sin abusar del género musical brilla sobre todo Lee Marvin que da vida a un bohemio errante bordando un papel cómico como nunca antes y después hizo. Merece la pena ver la película sólo por él.

Y dicho y hecho, fue el único premio que obtuvo La Leyenda de la Ciudad Sin Nombre que es como se llamó aquí, un Fotogramas de Plata en 1970 al mejor intérprete de cine extranjero. Mereció mucho más.

He elegido un fragmento de Paint Your Wagon, su título original, que al fin y al cabo quedó para la posteridad. Los propios protagonistas principales cantaron algunas piezas de este atípico western con vocación de musical. La más recordada es la de Lee Marvin interpretando Wand'rin' Star (Estrella Errante), una obra maestra de la música para el Séptimo Arte. Y a continuación Eastwood dejando clara su ya inclinación hacia el swing y el jazz en una interpretación más que respetable de Gold Fever (La Fiebre del Oro).

Los Wings de Paul McCartney

2010-04-25T14:49:00.028+02:00

Vuelvo del retiro espiritual que de vez en cuando la vida nos impone. Suele salirse de él fortalecido, con nuevas perspectivas habiendo dejado lo superfluo a un lado. Lo que realmente importa es lo que va tomando su sitio, ese que nunca debió abandonar. Así que con una nueva actitud ante la vida, en realidad la misma no nos engañemos sólo que el lastre va más ligero, sigo buscando música.

Algo parecido debieron experimentar los Beatles en aquella época de los sesenta cuando se marcharon a la India y volvieron imbuidos de toda la carga trascendental del pensamiento oriental. Algo les cambió. Porque cuando decidieron disolver el grupo en 1970 tras desavenencias nunca confesadas abiertamente algunos como George Harrison continuaron esa senda del karma hindú.

Lo de Paul McCartney fue otra historia. Parece que debió dejarse allí parte de su inspiración. Aún cuando el tándem Lennon/McCartney funcionó a las mil maravillas, y la historia está ahí para demostrarlo, en solitario no lo hizo tanto.

Pronto aparecieron las dudas sobre quién en verdad era el auténtico hacedor de tan buenos temas, sencillos pero impactantes por revulsivos en una época que sin ellos no hubiera sido tan próspera. Y no quiero rubricar aquí una relación escrita de grandiosos éxitos tan breves en metraje como largos, largos en el tiempo.

Era evidente, por más que se esforzaran después en desmentirlo, que las chispas saltaban entre ambos. Ni Yoko Ono terminó de convencer al resto del grupo, ni a su vez el grupo guardaba buenas esperanzas para el mismo habida cuenta de la influencia que ésta ejercía en Lennon.

Tanto es así que la rivalidad personal pasó al plano profesional una vez más. En una ocasión John afirmó sobre la música de Paul que "sólo componía canciones tontas de amor". Dicho y hecho. Me explico.

Entre tanto la prensa reprochaba a McCartney la incorporación a los Wings de su mujer Linda -no así la de Denny Laine ex-guitarra de los Moody Blues- y paralelamente John aprovechaba para lanzar arengas al ex-beatles, ya no cabía esperar otra cosa que la reacción contundente de McCartney. Y llegó. Utilizó su mejor artillería, el pentagrama, su bajo histórico y las listas de éxitos.

En 1976 se sacó de la manga su quinto disco Wings At The Speed Sounds. En él había un tema espléndido para el éxito inmediato, Silly Love Songs. La crítica diría que era más de lo mismo de un McCartney falto de inspiración. Los que domináis el inglés ya habréis dado con la ironía del mismo. Exacto, Canciones de Amor Tontas.

Sólo ocurrió que el temita de marras llegó a ser rotundo nº1 en EE.UU. En Gran Bretaña quedó a un sólo paso de la gloria total, pero que tampoco empaña el éxito porque se aupó hasta el nº2. En él el bajo de McCartney se hace notar y le estructura básica gira en torno a un sonido que empezaba a tomar cuerpo años después, y de qué manera, me refiero a la música disco.

Y abrió camino porque otros clásicos como el bueno de Rod Stewart se atrevió con el procaz Da Ya Think I'm Sexy? y tampoco le fue mal. Y vete rápidamente al Miss You de los Rolling Stones a ver cómo suena.

En fin, cosas de la música que de vez en cuando gusta recordar. Disfruta el siguiente vídeo de Silly Love Songs que es una revisión posterior del tema. Ahora que sabes la trastienda seguro que le encuentras otro atractivo. El siguiente es una actuación en vivo de otro éxito del álbum, Let 'Em In.

Viejos Vinilos: Living Eyes, Bee Gees

2010-03-05T19:40:00.013+01:00

Me apetece esta vez añadir un capítulo más a la sección itinerante de viejos vinilos. Y curiosamente con un trabajo que fue elegido para ser el primer disco demostración del formato cd incipiente en el año 1981.

Este disco de la formación de origen australiano Bee Gees, de cuya gesta en la era disco poco más hay que sumar que no se sepa, tuvo la particularidad de ser uno de los peor acogidos y que menos vendió del trío de hermanos, apenas 750 mil copias.

Supuso un espaldarazo literal a su estilo discotequero que tanto brilló hasta ese momento y que sus seguidores disco aún esperaban de ellos. Quizá un castigo de un público ávido de altas plataformas de tacón y pista de baile.

En cualquier caso lo que está claro es que en él retornaban a su estilo clásico baladesco. Los medios tiempos abundan y las voces en semi falsete dan lustre a lo largo y ancho del álbum. Y los temas más rítmicos lejos de otrora fiebres de fin de semana. Puede afirmarse que Living Eyes es una pequeña gran joya en la discografía de Bee Gees.

Injustamente proscrito durante años la discográfica lo retiró del mercado. Afortunadamente se recuperó años después tal cual se editó por primera vez en formato digital y con bellas melodías como I Still Love You, el recargado pero irresistible inicio de Be Who You Are o el típicamente Bee Gees Soldiers, enfatizado con las inconfundibles voces corales de Barry, Robin y Maurice Gibb que llegan a rozar el cielo mismo en Nothing Could Be Good.

Pero por encima de todas ellas y he de confesar que es mi gran debilidad está Wildflower. Un sosegado y bonito regalo que por sí sola ya valdría la pena hacerse con este viejo vinilo. Sirva además como homenaje al desaparecido inesperadamente en 2003 Maurice Gibb.

Vaticano Bailón

2010-02-24T20:19:00.008+01:00

Dicen que nunca es tarde si la dicha es buena. Y es lo que parece le acaba de ocurrir por enésima vez a la Santa Sede. Si es que no hay que desesperar. Lo malo es que los tiempos de acción- reacción del Vaticano se me antojan un poco lasos depende de cuál sea la cuestión de la que hablemos.

Parece que quisieran recuperar un terreno perdido a golpe de inmovilismos varios en los últimos siglos de su historia. Y le ha tocado el turno a la música, qué le vamos a hacer.

Sí, queridas y queridos. La música, ese sentimiento enarbolado que sirve lo mismo para un roto que para un descosido, que llega a cualquier rincón, que amansa a las fieras y da rienda suelta al genio del género humano sirve de trampolín ahora para un nuevo lavado de cara de la Iglesia Católica.

Y lo que antaño fue perversión, lujuria, malas artes del diablo que se hacía presente a ritmo de guitarra, bajo y batería hoy se torna todo bondad y paz.

Tanto que esos doctores que siempre tiene la Santa Madre Iglesia han confeccionado, por su cuenta, una lista de las diez mejores canciones del pop y del rock de la historia que además, ¡ojo!, son aptas para llevarse a una isla desierta... Lo han dicho ellos, no bromeo.

Apareció publicado en el diario oficial de la Santa Sede L'Osservatore Romano. Diario que dicen los entendidos está irreconocible desde que lo dirige Gian María Vian. En el cual se llega a decir, por supuesto con la aprobación de Su Santidad el Papa Benedicto XVI, que la lista de esos diez clásicos del pop y del rock se hace para sobrevivir a la marea creciente de canciones festivaleras. Vamos que no dan puntada sin hilo y están a todos los frentes.

Juzga a continuación por ti mismo los sacrosantos éxitos de la música moderna y sus autores e intérpretes y así haces tu propia composición de lugar.

Thriller de Michael Jackson

The Dark Side Of The Moon de Pink Floyd

Revolver de The Beatles

Graceland de Paul Simon

Supernatural de Carlos Santana

If I Could Only Remember My Name de David Crosby

Rumours de Fleetwood Mac

Nightly de Donald Fagen

Achtung Baby de U2

(What's The Story) Morning Glory de Oasis

En fin, son sólo diez, y me ahorraré el chiste, aunque se me ocurren otras... ¿Y a ti?. Algún himno, Miguel Ríos...

America Cabalgan sin Nombre

2010-02-17T18:06:00.011+01:00

Cada década tiene sus ídolos y correspondientes canciones que la definen de forma instantánea a través de ese recuerdo indeleble en forma de 33 rpm sin que a veces sepamos claramente quién o quiénes fueron sus creadores.

Este trío que hoy no he parado de escuchar en todo el día escribió algunas de las joyas acústicas más bellas de los primeros setenta con permiso por supuesto de sus fuentes más inmediatas como fueron Bufallo Springfield, Crosby Still Nash & Young, o también, por qué no, The Yardbirds.

¿Quiénes eran America?. Tres chavales hijos de tres oficiales de la Fuerza Aérea de EE.UU emplazados en Gran Bretaña que se conocieron a finales de los 60 en la Escuela Secundaria. Que decidieron reunirse y tocar lo que sabían. Y lo que sabían eran piezas que resultaron ser iconos de su tiempo en los primeros setenta.

En unos años donde lo acústico ocupaba un lugar privilegiado en el gusto general de la audiencia ellos hicieron gala de un refinado gusto en ese menester a medias entre el folk y el rock siempre en un tempo medio y suave que les reportó fama en todo el mundo. Sus armonías vocales verdaderamente hermosas jugaban un papel importante en el resultado final.

Aunque su debut fue tímido en Gran Bretaña no sería hasta 1972 en una gira de los no menos míticos Everly Brothers por Estados Unidos en que America les acompañó abriendo espectáculo cuando empezó todo. Esa gira como teloneros fue aprovechada para publicar el soberbio single A Horse With No Name. Rotundo nº1 en el país de Elvis Presley y nº3 en el de Al Stewart.

Después Ventura Highway y un grammy al grupo revelación en 1973. Fue entonces cuando George Martin, productor de The Beatles, se fijó en ellos y les grabó nada menos que siete discos, justo hasta 1979 cuando el ya dúo declinó en el gusto de la audiencia. Pero habían quedado otras joyas como Tin Man o Lonely People. Fueron, tras un pequeño bache en 1976, sus mejores años.

Después volvieron en 1982 con You Can Do Magic incluyendo sintetizadores pop (la moda manda); un bonito disco llamado HourGlass en 1994 y también con conciertos para sus fans más incondicionales durante los noventa. E incluso en 2007 publicaron disco, pero ya como remedo de lo que fue y ya no se puede repetir al menos en el éxito aunque sus grabaciones aún sigan gozando de una excelente producción.

En fin, que hecha la composición de lugar ahí te dejo varias rutilantes composiciones de los míticos America.

Sencillo y Directo, John Denver

2010-01-28T20:44:00.018+01:00

El montañés John Denver fue un hombre sencillo en las formas y su música daba buena cuenta de ello entre el pop en ocasiones y siempre folk. Pero ese folk de alma verdadera y alusivo a las emociones y vivencias desde el corazón de los aguerridos montañeses yanquis.

Pero al tiempo también fue un hombre inquieto. Se dedicó a la música, como es evidente, y también a su otra pasión, el vuelo. Incluido el acrobático. Llegó a estar a los mandos de un auténtico F-15.

Si la música le reportó una gran popularidad a nivel mundial con su voz inconfundible y melosa, el vuelo le llegó a costar la vida misma. Fue en octubre de 1997 cuando pilotaba un avión experimental de fibra de vidrio. Tenía sólo 53 años.

Denver, natural de Roswell, Nuevo Méjico, destacó además como actor, pero sobre todo por su labor humanitaria. Fue inspirador de varios proyectos de conservación de la naturaleza y llegó a fundar su propio grupo ecologista. Auspició distintas campañas para la erradicación del hambre llegando a trabajar codo con codo con diferentes lideres políticos buscando una solución.

Siquiera porque gente así no abunda en este atribulado mundo del siglo XXI ya se hace preciso recuperar una figura como la de este cantante y compositor estadounidense.

Por todo esto John Denver se ganó a pulso un lugar privilegiado y singular entre nosotros, los ensimismados musicales. Fue el músico más popular en lugares a dónde otros ni soñaban llegar por entonces, África, India o el Sudeste Asiático. Allí fue con sus canciones y su mensaje.

Sus letras reflejaban con credibilidad su pasión por la naturaleza y labores humanitarias. Inolvidables son las melodías siempre suaves y elegantes de temas como Country Roads, Leaving On A Jet Plane o Rocky Mountain High.

Pero quiero hacer mención a un delicioso tema de 1974 que dedicó a su mujer Annie, Annie's Song. La expresión de amor más sincera y honorable hacia una mujer. Lo vemos en una actuación en directo poco antes de su desaparición.

Biblioteca del Congreso EE.UU.

2010-01-17T11:37:00.012+01:00

Acumular el saber, el conocimiento o dejar escrito y conservar para la posteridad los hechos, mejores o peores, como exhibición ejemplarizante y un interés por mostrar las bonanzas tecnológicas o morales de cada época o civilización ha ocupado desde el principio de los tiempos a la humanidad.

Desde las cuevas de Altamira hasta la mítica Biblioteca de Alejandría pasando por todo el poder que a modo de reservorio de conocimiento acumularon los primitivos cristianos y después la Iglesia, ésta durante la Edad Media y prácticamente a la actualidad, son sólo unos ejemplos.

Las bibliotecas son en sí mismas el disco duro de toda la historia conocida del mundo y sus habitantes. Y evidentemente evolucionan en sus contenidos al ritmo y medida que nosotros lo hacemos. El Séptimo Arte por ejemplo ha tomado un papel predominante en algunas de ellas. Estos días se ha producido un hecho histórico que con toda seguridad abrirá camino.

En la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos acaba de producirse un acontecimiento sin precedentes: ha acogido por primera vez en su historia un vídeo musical. En los mismos estantes de películas como la inolvidable Casablanca de Michael Curtiz dirigiendo a Humphrey Bogart e Ingrid Bergman o Eva Al Desnudo de Joseph L. Mankiewicz con la intrigante mirada de Bette Davis y una incipiente Marilyn Monroe, a partir de ahora se podrá contemplar la figura de Michael Jackson.

Ya dije en su momento que no dejaríamos de hablar del genio de Indiana. El videoclip Thriller de casi 14 minutos de metraje y que alcanzó en su momento por innovador en el mundo de la música un éxito sin precedentes pasa a formar parte del registro Nacional Fílmico de la Biblioteca del Congreso de los EE.UU.

Los muertos vivientes de aquel cortometraje comparten eterno descanso con otros inmortales del cine. Y lo que nos queda por ver. De momento disfrutemos con el vídeo, que ciertamente es un trabajo sobresaliente.

Michael Jackson - Thriller (Music Video)

Estados de Ánimo, Amaneciendo

2010-01-05T18:46:00.010+01:00

En mis largos periplos por la memoria de la música moderna he hallado mil y una sensaciones irrepetibles. Aquellos clásicos vinilos de toda la vida que sin saber por qué de pronto vuelven del más allá, de un injusto descanso de los justos. Porque a pesar de la tira de años que ya visten sus surcos siguen tan enamoradizos como siempre.

Me he entretenido en acomodar mi castigado cuerpo en el sofá más confortable de casa y casi como si el tiempo hubiera retrocedido unos cuantos años atrás, no te diré cuántos porque yo también gasto coquetería, he disfrutado como un niño.

El motivo de mi júbilo las notas suaves, elegantes de un Neil Diamond al que muchos tacharon de ñoño y suavón. Seguramente por envidia porque en los años de este disco que te propongo, primera década de los setenta, estaba hasta en la sopa y con un exitazo casi igualable al de final de la presente que casi acaba.

Es cierto que Diamond nunca inventó nada. De hecho se presentó a mediados de los sesenta como un Elvis más y comenzó la siguiente década ataviado de un halo cuasi místico, muy acústico e introspectivo como era la moda por aquel entonces. Ese tipo de músicos que llenan la escena con sus propuestas a veces pretenciosas pero siempre geniales y correctos.

Este hombre natural de Broocklyn fue un poco más allá imprimiendo cierta originalidad en sus trabajos y sobre todo una calidad vocal basada en la versatilidad de una voz inconfundible y muy bien timbrada repleta de sentimiento.

Su buen amigo Tom Catalano supo captar la profundidad de las reflexiones en forma de canción de un poeta introspectivo con una gran facilidad para construir melodías pegadizas como hermosas baladas, en ocasiones, es cierto, algo recargadas.

Pero ahí está, con un puñado de buenos clásicos como Play Me o el irreductible Song Sung Blue. No te diré más que el greñudo Diamond de antaño que tan mala relación mantuvo con la crítica musical encuentra una tregua en este disco llamado Moods, porque sirvió de punto de inflexión entre el "cariño" mutuo que ambos se profesaban. Este álbum es sin duda uno de los mejores discos de Neil, opinión unánime.

Vámonos a continuación con el tema que cierra el álbum. Una sentida baladita con la cálida voz e interpretación de un pletórico músico en el mejor momento de su carrera, Morningside.

Navidad Soul McDonald

2009-12-23T20:31:00.008+01:00

En los últimos tiempos se han visto algunos discos de recopilación con lo mejor y más granadito del sello de color Motown Records. Grabaciones históricas de las que muchos hoy día aún tendrían algo que aprender, sobre todo cuando se trata de poner en marcha la cadena clónica de producciones en serie que nos adornan últimamente.

Aquellos muros de producción de Phil Spector fueron la sensación de la época, de los años sesenta, con el aroma de músicos de color que se auparon sin arrobo y con desparpajo en un mercado comandado por blancos.

Su fundador Berry Gordy consiguió 100 éxitos rotundos durante aquella esplendorosa década con músicos como Stevie Wonder, Marvin Gaye, The Supremes y Diana Ross, Jackson Five, etc., etc., con la inestimable colaboración del trío compositor Holland-Dozier-Holland.

El 50 aniversario resucitó durante 2008 parte de aquel legado inmortal. Pero al cabo otros músicos como el bueno de Missouri (EE.UU.) Michael McDonald educado en el R&B y el Soul en bandas como Steely Dan o Doobbie Brothers decidió volcarse hacia él en 2003 con un álbum llamado sencillamente Motown, en 2004 Motown Two y luego en 2008 con Soul Speak.

Auténticas joyas los tres que recogen temas inéditos sin perder de vista el R&B y Soul de su estilo clásico y su voz intransferible bajo la atenta mirada el siglo XXI. Es un buen músico este McDonald.

Ahí te dejo la versión del clásico For Once In My Life de Stevie Wonder. Y a continuación el cómo se puede hacer una versión del mismo Van Morrison y salir mejor que bien del envite, es el Into The Mystic.

Blanca y Radiante

2009-12-12T11:41:00.006+01:00

Blanca y radiante va, con ilusiones renovadas, henchida de ternura y amor. De la mano de sus miedos y esperanzas. Es tiempo de cambio, de buenos propósitos y la música nupcial también va realizando su trabajo camino del deseado advenimiento. Sí, es la Navidad.

Como la primavera, que tan lejos queda, ha llegado un año más sin saber cómo ha sido. Viene en nuestra busca y ya va anunciando que no cejará en el intento. A unos les toma por sorpresa, otros regatean su paso y los hay quienes disfrutan con ella.

Y armas no le falta. De pronto rostros que jamás viste a tan corta distancia del tuyo bañan sin disimulo la mejilla de arrumacos propios de la época y un deseo ferviente de prosperidad y felicidad aunque unos días antes apenas repararon en tu existencia.

Pero vale, los frutos del tiempo que anda ahora se recogerán en breve, en forma de agasajos materiales que para eso están las ciudades engalanadas. Muy bonitas, la verdad. Sobre todo en el atribulado Centro Comercial. ¡Qué chulos los establecimientos, como diciéndote 'no ves cuánto te quiero...'!.

No sé si el cambio climático habrá hecho tregua para esta temporada, tampoco sé siquiera si le han dado aviso de que estamos como estamos... pero sería bueno un cambio climatológico en calenturas varias.

En fin, que a mí esta misma mañana me han pasado el informe en el que se dice que ya es Navidad, ¿ a ti no?.

Música Inmóvil

2009-12-01T14:51:00.018+01:00

Ahora resulta que el parque móvil de las ciudades debe ser inmóvil. Los ediles de turno han decidido eliminar de las calles de sus ciudades cualquier vehículo a motor para así facilitar el tránsito al sufrido peatón que no tiene aceras... por donde 'pasear', entiéndase mirar escaparates y consumir, eso sí, éstos a velocidad de crucero.

Argullen que la ciudad debe resultar más habitable, accesible y adaptada al centro comercial. Otra vez el consumismo. Suprimen aparcamientos y, claro, como los párking públicos o privados son insuficientes a todas luces y en ocasiones ninguno coincide en distancia aceptable con el establecimiento o mercado de turno... te fastidias cargado de paquetes hasta el apeadero de vehículos.

Es decir, todas las razones y argumentos para que dejes el coche en casa. Así no se estropea, das lustre a la ciudad y de paso que no contaminas no hay necesidad de eliminar tal o cual bache, sencillamente porque aunque seguirás pagando religiosamente el famoso 'sello' del vehículo no romperás la calzada.

Adiós a esos paseos sobre ruedas mientras escuchas una bonita música por los flamantes altavoces de tu no menos radiante automóvil a volumen suficiente sin exceder el habitáculo del mismo.

Adiós a esperar en la puerta del comercio a tu santísima que exhibe una radiante sonrisa tras de la cual puedes intuir el motivo.

Adiós a disfrutar de la ciudad en coche que es otra variante de asueto que se ha pisoteado en pos del adorno a veces infame de otrora calles espléndidas que han quedado reducidas a la más mínima y ridícula expresión urbanística.

Pero yo me resisto a mis paseos motorizados, ¡qué gusto cuando llueve!, diurnos o nocturnos. Me resisto a dejar el coche en casa, que todo utilizado con moderación es bueno ante el exceso de obstáculos impuestos por nuestros ayuntamientos. Así que ahí va una de música para coche y ciudad.

Spandau Ballet Reciclada

2009-11-27T10:46:00.009+01:00

Los revivals nunca dejaron de estar de moda. A veces con más acierto en otras ocasiones mejor ni hablar. Pero los de Londres han vuelto a brillar como solían.

Hace muchos, muchos años en un pequeño pub londinense cabecera de los movimientos de moda los hermanos Kemp tuvieron a bien construir un sonido exclusivo para ambientar tardes-noches de exquisita concurrencia en torno a una buena birra o lo que se terciase.

Sea como fuere aquel sonido impregnado de gusto, elegancia, sin estridencias y poco exigente fue abriéndose camino hasta superar el reducido círculo en que se gestó. Nació el movimiento musical Nuevos Románticos, que fiel a su origen trascendió de su esencia musical creando un estilo de vida acorde a su delicadeza instrumental.

La Spandau Ballet pasearon por medio mundo, incluso en el difícil mercado yanqui su presencia escénica acompañada de bonitos temas que coparon durante años, desde primeros de los ochenta hasta finales de la década los primeros puestos de las listas de venta y una pléyade de impenitentes fans que jamás olvidaron aquellos años.

Este 2009 han vuelto. Unos peinan canas, otros ya ni las tienen. Pero el quinteto sigue intacto. Han tenido nuevamente éxito primero en Londres con sendos conciertos y a raíz de ahí pretenden incluso volver a España. Hasta hay fechas pero las reservo porque habrá cambios.

El reclamo de la nueva gesta es un recopilatorio llamado Once More que además incluye el título como tema inédito. Pero no te aburras. El álbum tiene su aquel. Ya es difícil hacer versiones de temas incrustados en la memoria tal cual se registraron en estudio la primera vez; aún más hacerlo bien e incluso darles nueva vida. Y es lo que contiene el 'nuevo disco' de la Spandau, un impulso creativo que no desmerece al original.

Tránsfugas

2009-11-15T12:30:00.013+01:00

Dícese de la virtud de arrimarse al árbol que mejor sombra da... Es una definición un poco de andar por casa pero así es como mejor se entienden las cosas en Román Paladino, que diría el ínclito Anguita.

A la música esto también es aplicable. Es como la famosa portabilidad de las operadoras de telefonía móvil. Que te llevas el número y el resto lo ponen ellas, incluida la pelea administrativa con la compañía a la que adornas las sienes.

Así, de pronto, me viene a la memoria el flemático Paul Weller de los The Jam. Banda británica de los últimos setenta cercana al punk de la época que brilló en ese estilo y que cuando éste decidió marchar y crear The Style Council en 1982 incluyó soul, R&B y toques de Jazz. El cambio fue radical. (Y a mi me gustó).

Otro ejemplo es la banda de acompañamiento que abandonó sus tareas junto a Linda Ronstadt con el fin de iniciarse como grupo de entidad propia en su carrera musical. Eran nada menos que The Eagles. Que a su vez y con el paso de los años y el éxito sin precedentes acumulado, sus músicos hicieron lo propio en solitario. Caso de Don Henley o Glenn Frey.

Y Phil Collins y antes que él Peter Gabriel en Genesis, Bryan Ferry, Amaia Montero, Santiago Auserón, Manolo García, David Gilmour y Roger Waters, etc, etc, etc. Y también Teo Cardalda que fue miembro fundador, teclista y segunda voz de Golpes Bajos.

Esta era una banda gallega ubicada en plena movida madrileña que ofrecía una suerte de pop/rock que sin llegar a ser gótico, esto es, elaborado a base de mucho sintetizador describiendo atmósferas densas e intrigantes no exentas de cierto pesimismo en su planteamiento lírico, ofrecían una oferta más asequible, comercial para entendernos.

Germán Copini fue el aliado necesario para que los Golpes hicieran lo propio mantel incluido en la España de aquel entonces con canciones como "Malos Tiempos Para La Lírica" o "No Mires A Los Ojos De La Gente". Total, que hubo desplantes aquí también.

Copini hizo algún pinito y Cardalda dio el salto al éxito formando con su mujer, María Monsonís, el quinteto primero, dúo después Cómplices. Y ahí Teo soltó lastre y decidió hacerse acreedor de melodías pop construidas con mucho gusto e inteligencia. Sus primeros dos discos fueron espectacularmente bonitos.

Y eso es lo que te dejo a continuación. Una muestra de ese bonito pop de los últimos 80. En concreto el tercer disco del grupo (dúo posterior) "La Danza de La Ciudad" de 1990. Y como no he encontrado ningún vídeo original que tenga siquiera el mínimo de calidad de audio que merece este blog, directamente del cd extraigo dos temas, "Es Por Ti" y "Los Tejados".

Dos por Uno del Muro

2009-11-08T13:11:00.016+01:00

Quién dijo que la música no sabe inmiscuirse en celebraciones de todo tipo. Activamente y en muchos casos de forma pasiva se la ha vinculado en acontecimientos históricos que ha venido a rubricar con sus notas sin reparo alguno -notas de todo tipo, incluso las de Tom Waits cuando a su piano le daba por beber-.

A veces muy indicadamente, otras, la verdad, mejor en casita y la puerta cerrada la música siempre ha estado ahí. Desde los desfiles callejeros del día de Puerto Rico en la Gran Manzana que inspiró al mismo Neil Diamond en su álbum Beautiful Noise, hasta las elucubraciones lisérgicas de bandas de rock como los desparecidos Nirvana de Kurt Cobain.

Hagamos alusión al primer caso esta vez. La música como celebración, que en definitiva como elemento lúdico que es brilla por sí sola.

En la madrugada del 8 al 9 de noviembre de 1989 un hecho histórico cambió el transcurso de la Alemania de post guerra más áspera. El famoso Muro de la Vergüenza, Muro de Berlín, Muro de Protección Antifascista, etc., caía desplomado después de 28 años de mirar a otro lado. El lado oriental que quedó aislado al mundo.

Aquella noche recuerdo como asistí atónito a través de la tv a tamaño acontecimiento. Sí, porque yo anhelé que el tiempo definitivamente redujera a la nada aquel vergonzante episodio de nuestra historia más oscura. Pero no ha sido así. El muro no está pero sí su sombra. El mundo no aprende ni lo hará jamás.

En fin, a lo que vamos. Que años antes el grupo de rock psicodélico, más tarde progresivo y sinfónico Pink Floyd había imaginado un disco, casi una opera rock que tres años más tarde, 1982, se llevó al cine, llamado The Wall.

Nada tenía que ver con ese otro muro alemán pero aún así el tema central del álbum Another Brick In The Wall se convirtió en un icono de ese acontecimiento. Siquiera fuera por las analogías que en la historia de los Floyd se encontraron. Trata de una rutilante estrella del rock que construye un muro simulado a base de ladrillos, cada uno convertido en metáforas sórdidas de su propia decadencia como persona precipitadas por la trágica muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial, rígida educación británica, fantasías autodestructivas de una estrella del rock, etc.

Tampoco le faltó tiempo a la banda en sus conciertos para recrear el álbum inmerso en ese episodio herencia nazi. El espectáculo era todo un acontecimiento internacional. No se escatimaba en medios técnicos en tanto al sonido como a la imagen.

He encontrado una coqueta versión de ese tema rock de Roger Waters y David Gilmour de parte de una banda de Los Angeles de California de sonido electrónico y Lounge que no tiene parangón. Se llaman Supreme Beings Of Leisure y nacieron curiosamente en el año 1989. Ahí te los dejo. También el original para los que gustan de lo clásico.

Inolvidable Sinatra

2009-10-18T13:09:00.011+02:00

Sin lugar a dudas fue, es y será uno de los mejores crooners que ha dado la historia de la música moderna. Su fallecimiento dejó huérfano a más de uno y jamás olvidaremos sus impecables actuaciones.

Durante los setenta y los ochenta Sinatra brilló especialmente en sus recitales. Poseía una bonita voz dorada que con el paso del tiempo no hizo otra cosa que ganar en matices reproduciendo notas impensables ya bien metidos en los ochenta para una garganta como la suya.

Sinatra no sólo encandiló a sus más veteranos seguidores desde aquellas mágicas noches del rat-pack en La Vegas junto a sus colegas y compañeros de fechorías artístico-nocturnas Dean Martin y Sammy David Jr., sino que supo aliarse a magos del jazz y del pop como el productor y músico Quincy Jones o el cantante de rock Bono de la banda irlandesa U2.

Sus postreros álbumes de la serie Duets en los noventa causaron sensación ante un público nostálgico que veía cómo el ocaso del artista se producía en una forma más que excelente.

Justo antes de este pasado verano se ha rescatado uno de esos recitales mágicos del gran Sinatra. El que tuvo lugar el 14 de Marzo de 1986 en New Jersey, exactamente en Meadowlands enmarcado en la recta final de la carrera de La Voz. Parece que es una joya inédita perseguida con denuedo por sus fans. Por fin ve la luz.

Live At The Meadowlands ofrece un repaso a sus temas de siempre con algunas ausencias notorias como My Way pero sí hay clásicos como For One In My Life, New York New York, Moonlight In Vermont o el blues pop L.A. Is My Lady que sólo unos años antes había sido fruto de su colaboración con Quincy Jones.

¿Qué tiene este disco de especial?. Que Ojos Azules derrocha una madurez que para sí quisieran muchos a sus setenta años en los que otros piensan en retirarse o lo están ya. Sinatra no y daba la talla con creces.

Esta grabación tiene una gran calidad de audio. La orquesta suena inmejorable y la voz de Sinatra memorable. A continuación puedes comprobarlo con calidad de cd en el tema I've Got You Under My Skin. Un tema que cobró forma gracias a los arreglos jazzísticos para Big Band que el director de orquesta y arreglista Nelson Riddle le procuró y que siempre bordó Sinatra.

Escenas de otro Tiempo

2009-10-12T11:49:00.007+02:00

De pronto y sin saber cómo, bueno eso es una licencia estilística que queda bien porque, en realidad buscaba yo con conocimiento de causa en el recóndito año 1983 para argumentar mi intervención en la radio y me encontré con un par de grupos y sendas canciones que por entonces escuchaba sin parar.

Esa década de los ochenta en realidad pasó poco inadvertida. Sí, porque a pesar de los muchos detractores que tuvo consiguió abrirse un hueco más que considerable en la historia de la música moderna. Tan es así que muchos grupos heredados de otrora modificaron su sonido o al menos lo impregnaron de la sonoridad propia del momento.

Se han vendido, vaya mezcla rara, dónde está el sonido original de tal o cual solista, grupo, etc. Pues todo eso quedaba en cada uno de sus discos que no es poco, incluso en los escenarios. No se permitía ni un ápice los escarceos y a mí eso me pareció siempre un poco hipócrita, la verdad.

Así en las listas subían sin parar Michael Jackson, David Bowie, Spandau Ballet con su estandarte nuevos románticos, Billy Joel, Yes, Mecano... Y otros se daban de bruces con sus complejos lamentándose de tamaña degeneración sin reparar que la música transita -menos mal- por mil y un caminos.

Por tanto ahí aparece uno de los fenómenos más destacados del tecno pop español al amparo de la famosa Movida Madrileña, los Mecano. Los hermanos Cano y Ana Torroja que en ese 1983 triunfaban con un disco acorde al gusto de la época, sintetizadores y estribillos fáciles, era ¿Dónde Está el País de las Hadas? con el tema Barco a Venus -originalmente lo llamaron El Yonqui-.

También mis admirados Yes de Jon anderson y compañía. La banda británica de rock progresivo de los últimos sesenta ejemplo de adaptación, un guiño de complicidad a su público de siempre y al que se incorporaba en ese año a su fantástico álbum 90125. Que abundando en lo dicho fue disco de Oro y tres veces Platino... ¿Algo que argumentar?... Sí, oigámoslo sin complejos.

Barbra Streisand en clave de Jazz

2009-10-02T20:37:00.004+02:00

Esperábamos con impaciencia el nuevo disco de la Streisand. Desde 2005 con Barry Gibb en Guitly Pleasures no había nuevo material de estudio. Cierto es que ese álbum volvió a poner de manifiesto la habilidad pop del tándem que logró un gran éxito 25 años antes en Guilty. Ambos discos superventas.

Pero donde gusta escuchar a esta diva de la canción es en esas melodías sedosas que con su espléndida madurez pueden conseguir un estado de éxtasis único. A solas o acompañado puedes sentirte satisfecho con sólo oír su voz.

En esta ocasión ha rizado el rizo. Melodías a modo jazz de clásicos del género, con la producción de la popular pianista y vocalista de jazz Diana Krall que aporta además su trío (guitarra, bajo y batería) y un especialista en cubrir de emociones orquestales estas texturas sumamente delicadas, el arreglista Jhonny Mandel. Los tres ganadores de unos cuantos grammys... Reunión de estrellonas.

Mandel ya trabajó tanto con Streisand como con Krall y en este disco se incluyen sus arreglos en el cd1 de la edición de luxe. Y el cd2 es para nota, porque la voz de Barbra interpreta los mismos temas pero se acompaña exclusivamente de un cuarteto compuesto de piano, bajo, guitarra y batería.

De nuevo, eso sí, el amor como telón de fondo. Ya lo dice el título del disco The Love is The Answer (El amor es la respuesta). Y en ese plan van apareciendo historias varias de nombre Smoke Gets In Your Eyes que llevaron al éxito primero Nat King Cole y después The Platters, también If You Go Away (Ne Me Quitte Pas) del francés Jacques Brel con una profunda interpretación de Barbra Streisand en inglés y francés...

Son sólo unos ejemplos. El resto lo dejo para que lo descubras por ti mismo. De momento ahí tienes un pequeño caramelo.

Antony & The Johnsons

2009-09-22T10:38:00.010+02:00

Cuando David Bowie durante los setenta decidió llamar la atención trasvistiéndose, o por utilizar un eufemismo exponiéndose al mundo tras la ambiguedad de su imagen en portadas de discos y conciertos, también en su vida pública, nos parecía llamativo. Y funcionó porque además valía la pena ir más allá y escuchar sus discos.

Anteriormente la diva del soul británica Dusty Springfield se declaró ambiguamente sexuada y eso le reportó multitud de críticas y éxitos a la vez

Lou Reed aunque más definido tampoco impidió cierto aroma similar en su persona. Quizá porque Bowie le produjo algún disco muy bueno. Más tarde continuó eso de la imagen bipolar con Boy George de la Culture Club, la banda británica de pop sintetizado. Son sólo unos ejemplos de entonces.

En la actualidad esto ya nos parece muy normal. Vamos, de andar por casa. Tanto es así que el travestismo es cotidiano entre grupos y solistas cuando no abiertamente declaran su condición sexual diferente a la que la naturaleza les otorgó al menos por su apariencia física. Y por desgracia emulan mal a sus mayores consiguiendo el escándalo deseado para aumentar ventas de discos fatuos de pop inflado por el márketing.

Hay una formación que en realidad pivota alrededor de su líder Antony Hegarty -natural de Chichester, Reino Unido pero neoyorquino de adopción- llamada Antony & The Johnsons, debutantes en 1998, en la que éste expresa abiertamente su transexualidad y ni falta que hace. Sólo con su voz hipnótica y una buena ejecución al piano consigue piezas memorables de un gusto cercano al jazz y al soul.

No es apto para todos los públicos y sus discos, sólo tres hasta la fecha requieren de ritual previa escucha para facilitar el tránsito al ambiente etéreo que proporcionan. Olvídate de listas de éxitos y demás adornos, aunque algún tema llamó la atención para ellas, esta es música con letras mayúsculas y nada más.

En su segundo disco "I Am A Bird Now" (2005) no por casualidad aparecen colaborando sus ídolos de juventud Lou Reed y Boy George y saltó a la fama a través del tema supergalardonado que te dejo a continuación en una magistral interpretación en vivo.

Viejos Vinilos, Genesis

2009-09-12T20:53:00.008+02:00

Curioseaba yo por entre valoraciones que críticos sesudos en esto de la música habían hecho sobre una parte de mis joyas más preciadas. Estás al corriente de que en estos días remuevo mi discoteca y así de paso se airea un poco.

Siempre tengo la impresión que se somete al disco con asepsia excesiva, bajo potentes focos y manos que se frotan tras una sonrisa ladeada como la de antaño Humphrey Bogart buscando el error en el análisis. Y sinceramente la música es más amable que todo eso.

Pero de entre todas esas opiniones siempre hay algo por lo que por fin dices: ¡aleluya, este tío lo ha captado!. Y es cierto en este disco que me ocupa de Genesis... Haz la prueba. Olvídate que son ellos y de pronto ponte a ver y escuchar el vídeo de más abajo.

¿Lo notas?. Exacto. Phil Collins atravesaba por su mejor momento en solitario y en ese disco se rompió la maldición que pendía sobre Genesis, osea, jamás volverían a reunirse. Y da la impresión que nunca lo hicieron. Parece que el disco estuviera trabajado a mayor gloria de Collins pasando la banda a un segundo plano.

Sintetizadores más bien programados que ejecutados por el teclista Tony Banks, percusiones electrónicas que abundaron mucho en discos de Collins y canciones potentes pero sencillas, todo lo contrario a otros tiempos de la banda británica. Hay mucho pop.

Pero con todo, el disco fue de los más importantes en el éxito del grupo... ¿de phil Collins?. Por donde lo tomes tiene algo bueno que escuchar. Ahí te dejo el vídeo del tema que le da nombre, "Invisble Touch" -¿no iría con segundas?- y la balada "In Too Deep" en la que se luce el vocalista/percusionista.

Genesis - Invisible Touch

Viejos Vinilos, E.G. Daily

2009-09-11T11:40:00.012+02:00

Esta mañana he visitado una de las poquitas tiendas de discos que ya quedan en la ciudad. Desde que MadridRock desistió de la venta tradicional de discos la caída en picado de muchos más distribuidores ha sido exponencial. Y todo ello, no nos engañemos por el torticero uso de la red. En otro momento hablaremos de ello.

El caso es que mi disquero de toda la vida ha dejado de vender agujas y cápsulas para mi entrañable Technics que tanto buen rato me ha hecho pasar en las últimas semanas. No hay recambio, al menos de forma inmediata.

Pero sí me ha dado aún para escuchar varios vinilos más. Surcos repletos de nostalgias y carreras incipientes que nunca pasaron de ese punto inicial prometedor. Las eternas promesas y/o flor de un día.

E. G. Daily, quizá no os diga mucho. Lo entiendo. Pero con ese nombre publicó su primer disco una joven de Los Angeles de California allá por el lejano 1986. Exacto, ya por entonces Madonna presumía de su inminente cetro dorado como reina del pop. Pero esta chica auspiciada por el productor de ésta John "Jellybean" Benitez se lanzó al vacío y sin red.

También actriz desde tierna infancia para la tv y más tarde el cine Daily no ha significado mucho al menos para estas tierras en el mundo del espectáculo.

Aunque ha seguido en activo en la tele y el cine también colocando en ambos medios algunas de sus canciones y músicas como compositora y productora que es y doblando personajes de animación, como discos de pop propiamente dichos y a pesar de su reciente incursión en 2008 con un nuevo álbum (fíjate que es el tercero desde 1986), sólo la recordaremos por el fugaz éxito, si acaso, de aquel entrañable debut con el que quiso emular a Madonna.

Me encantaba el desparpajo y la ilusión que puso en un mundo lleno de ocupas que llegaban para quedarse. Era la extraña para algunos, irrepetible para otros década de los ochenta. Te dejo algún vídeo de la chica que contiene su gran éxito "Say It, Say It" y el para mi más entrañable de todos los temas del disco, el que le da nombre, "Wild Child".

Viejos Vinilos, Phil Carmen

2009-09-06T12:02:00.007+02:00

Este verano ha dado mucho de sí en eso de descubrir, mejor rescatar del olvido antiguos discos en formato vinilo.

El que traigo ahora me ha dado grandes satisfacciones. Sí, porque me he vuelto a encontrar con un viejo amigo de madrugadas de radio. Tal es así que algún surco ya se resiente y protesta al paso de la aguja de mi no menos legendario Technics.

Este guitarrista y productor no es que sea un gran conocido por estos lares pero alguno de sus discos, no muchos, sí que triunfaron desde que inició carrera con su amigo de siempre Mike Thompson -Carmen & Thompson- allá por 1975.

Aunque nació en Montreal -Canadá- Carmen desarrolló toda su infancia primero en Frankfurt -Alemania- y después en Lucerne -Suiza-. Junto a Thompson continuó hasta 1982. Entonces Carmen se instala definitivamente en Suiza fundando sus propio estudio de grabación y es cuando decide iniciarse al tiempo como solista.

Sus composiciones tienen una característica común que las hace inconfundibles. Sobre bases elaboradas de teclados que procuran ambientes etéreos, en definitiva muy bien producidos, Carmen añade una voz sensual y el sonido envolvente de su guitarra. Es una gozada dejarse llevar por cualquiera de ellas.

Ya apuntó maneras con sus dos primeros álbumes como solista. Pero no consiguieron el éxito. Todo lo contrario que con "Walkin' the Dog" (1985) que contenía el popular "On My Way In L.A.".

Discos confortables de fácil escucha y esmerados arreglos acústicos. No hay que olvidar que este productor comenzó haciendo country. Estilo que retomó en 1996 fundando la banda Clone Leaf.

Sin embargo el disco que rescato de mi discoteca se publicó en 1986. Justo después del tercero como solista que ya introdujo a Phil por la senda del reconocimiento. Se llama "Wise Monkeys".

Disfruta ahora de la joya del disco que fue además nº1, "Moonshine Still".

Viejos Vinilos, Bangles

2009-09-04T13:43:00.008+02:00

A veces tenemos la tendencia de obviar ciertas músicas por el hecho que en su momento ocuparon los puestos ilustres de las listas de ventas más prestigiosas. 'Listas - de - Ventas', palabras estigmatizadas. Pero en honor a la verdad no siempre hay que huir de ellas despavoridos como alma que corre el diablo.

Verás, estos días de asueto he tenido tiempo de desempolvar viejos vinilos. Y entre ellos uno de una banda femenina de los ochenta, de las primeras junto a The Go-Go's, que coparon poco después de su debut la atención mundial, The Bangles.

A pesar de la aparente comercialidad de sus temas este cuarteto femenino de Los Angeles de California dejaron hitos musicales que se convirtieron en himnos de toda una generación. Después te dejaré alguno de ellos.

Mi disco, viejo vinilo apenas mancillado por otro giradiscos que no fuera mi entrañable Technics de cápsula Shure, empezó de pronto a reproducir un sonido que a pesar de estar facturado en plenos ochenta rezumaba un cierto aire a aquellos gloriosos, también hoy, The Mamas & The Papas, The Byrds, etc.

Así era. Ellas habían crecido con la música de sus mayores a base de bien y a pesar del aire pop elegantoso no olvidaron de incluir guitarras a la antigua usanza dejando impreso en cada surco el aroma de los sesenta.

El disco publicado en 1986 se llamaba "Different Light" y era el segundo de su carrera. Nada más empezar entrábamos en el universo Prince. Sí, porque este hombre había quedado prendado con ellas, que por entonces llevaban en activo un lustro, y se ofreció a componerles el tema que abre el álbum, "Maniac Monday", nº2 en EE.UU.

A parte de joyas como "September Gurls" o "If She Knew What She Wants" de pronto el escándalo. Entiéndase en el mejor sentido. La industria discográfica eclosionó y el público quedó rendido ante "Walk Like An Egyptian". Guitarrazos incluidos las chicas se convirtieron en el centro de atención llegando al nº1 en ventas.

Pero lo que tiene el éxito. Las hermanas Peterson, Debbi y Vicky a la sazón fundadoras del grupo y la principal vocalista Susanna Hoffs, que conformaban la formación original cayeron en eso tan manido en la música y en general, el conflicto de pareceres.

Luego algún disco más con el éxito "Eternal Flame", pero Hoffs ya quería marcharse, iniciar carrera en solitario... y hasta hoy con reuniones eventuales. Pero nos queda ese viejo vinilo que, desengáñate suena mejor que la posterior edición digital en cd para seguir disfrutando de ellas como si el tiempo se hubiera detenido por un instante.

The Bangles, Walk Like An Egyptian

Cálido Agosto el de Neil Diamond

2009-08-08T11:29:00.016+02:00

¿Cuántos van ya...?. He perdido la pista de los discos y actuaciones en directo, por cierto abundantísimas, del autodidacta de Brooklyn Neil Diamond.

Yo no sé este hombre cuándo decidirá parar, pero en vista del enorme éxito de sus dos últimos discos con el productor Rick Rubin, y ya prepara un tercero, me temo que aún queda cuerda para rato. Afortunadamente. Está en un momento irrepetible.

Y eso me hace feliz. Que un tipo cerca de los 70 años siga gozando de auditorios llenos a rebosar, de ventas envidiables, del estatus de mito viviente y lo que es aún más extraño a estas alturas, de una voz limpia, sólida que recrea sus viejos éxitos, y los nuevos, con esa hipnótica lucidez sólo me queda que decir "Chapeau Mr. Diamond".

Por si todo esto fuera poco el pasado agosto (verano de 2008) Neil actuó en el Madison Square Garden de New York. Enésima vez. Estaba en plena gira mundial de éxito apabullador. Allí quería rememorar una histórica actuación que 37 años atrás le lanzó directamente al grado más alto de popularidad de la época en el Greek Theater de Los Angeles.

Ahora desde la Gran Manzana se pone a la venta aquel concierto de hace un año de gradas repletas de incondicionales y otros no tanto pero seguro que a partir de ese momento sí, con la magia que sólo Diamond sabe repartir entre quienes le hemos visto alguna vez en vivo.

El DVD acompañado de contenidos extras en un cd se llama en clara alusión a aquella otra rutilante noche de Los Angeles de 1972 "Hot August Night/NYC"

Otra vez el carrusel de emociones a través de unas canciones que no dejan lugar a quitar la vista de su autor, mayestático en escena. Todos los clásicos, incluido "Sweet Caroline" o "Cracklin' Rosie" (ésta en el vídeo promoción de más abajo, no te lo pierdas), los nuevos y un Neil incombustiblemente pletórico.

Quizá la misma CBS en Europa o alguna filial retransmita el acontecimiento porque en EE.UU esta cadena en exclusiva emite el concierto coincidiendo con la publicación de "Hot August Night/NYC" el día 14 del corriente. Pero da igual ser el primero o no en verlo porque en España estará disponible la primera semana de septiembre. De todos modos ahí va un adelanto.