Rolling Stones En España

Después de varios desmentidos, informaciones equívocas y la reciente desaparición de la novia del vocalista de la banda, por fin Rolling Stones a través de su oficina han confirmado el único concierto que les traerá a España.

Será el próximo 25 de junio en el estadio Santiago Bernabéu de Madrid. El tour en el que se engloba esta gira mundial, 14 On Fire, se va ampliando por momentos después de que Jagger suspendiera todos los conciertos de los meses de marzo y abril a consecuencia del fallecimiento de su prometida.

La legendaria banda inició carrera musical hace 52 años en el Reino Unido. Han visto pasar los años y cómo bandas coetáneas han ido quedando por el camino, por ejemplo, sus más inmediatos competidores, The Beatles. Mientras ellos siguen derrochando energía y publicando discos regularmente su música ha ido pasando del Blues, Soul y R&B de sus inicios al rock inmediato y efectista de la mayoría de sus grandes éxitos.

Así mismo siguen despertando una atención inusitada allá donde se presentan vendiendo entradas que completan auditorios en algunos casos sólo en minutos. En España se pondrán a la venta el miércoles 2 de abril. Y los precios oscilarán entre los 85 y 220 euros. 

En 2013 decidieron subirse juntos de nuevo a los escenarios y es este último espectáculo el que terminará recalando en España después de los insistentes rumores que negaban su visita.

Ahí tienes dos piezas legendarias mientras piensas si reservas tu localidad para recibir a sus Satánicas Majestades.

La Violinista sobre el Huracán

A veces en esto de la música uno se encuentra con historias mil. Extravagantes, irreverentes, sucias. La trastienda que muchos procuran no se vea y que tarde o temprano sale a la luz. Y no se entiende por qué, ya que hay casos tremendamente curiosos y que dicen mucho a favor del protagonista. Ciertamente otros no tanto. Pero este es muy curioso y bonito de contar aquí. Tiene como protagonista a Bob Dylan.

En 1975 en su álbum Desire introducía un tema larguísimo llamado Hurricane. En él, y en colaboración con Jacques Levy, narraba la historia de Rubin Huracán Carter, el famoso y controvertido boxeador acusado de asesinato. Nunca quedó clara su inocencia y parece, siempre según la leyenda, que Dylan se arrepintió de haber compuesto el tema en cuestión.

Pues bien, a lo largo de la narración musicada aparece un violín que va cabalgando a lomos de la voz fraseada del de Minessota. En realidad y en aquel año 1975 esto suponía toda una novedad. Un revulsivo que de nuevo el genio ponía a disposición del mundo rock para su disfrute y desarrollo. Lo curioso es que la ejecutante fue reclutada por Dylan en plena calle del East Village neoyorquino cuando ésta, Scarlet Rivera, paseaba con su funda de violín en la mano. No lo dudó y le ofreció formar parte de su banda. Tal cual.

Sobre el disco poco más que decir. El tema es un auténtico clásico que de puro largo se editó en dos mitades en formato single. La primera en la cara A, la segunda en la B. ¡Menudo sacrilegio!, pero así estaban las cosas.

Si quieres escuchar completo en su versión original con calidad de cd Hurricane, a continuación puedes hacerlo. Y si necesitas la traducción, en la columna central de este portal tienes el enlace 'Bob Dylan en Español'.

America, Cabalgando Sin Nombre

Cada década tiene sus ídolos y correspondientes canciones que la definen de forma instantánea a través de ese recuerdo indeleble en forma de 33 rpm sin que a veces sepamos claramente quién o quiénes fueron sus creadores.

Este trío escribió algunas de las joyas acústicas más bellas de los primeros setenta con permiso por supuesto de sus fuentes más inmediatas como fueron Bufallo Springfield, Crosby Still Nash & Young, o también, por qué no, The Yardbirds.

¿Quiénes eran America?. Tres chavales hijos de sendos oficiales de la Fuerza Aérea de EE.UU emplazados en Gran Bretaña que se conocieron a finales de los 60 en la Escuela Secundaria. Que decidieron reunirse y tocar lo que sabían. Y lo que sabían eran piezas que resultaron ser iconos de su tiempo en los primeros setenta.

En unos años donde lo acústico ocupaba un lugar privilegiado en el gusto general de la audiencia ellos hicieron gala de un refinado estilo en ese menester a medias entre el folk y el rock siempre en un tempo medio y suave que les reportó fama en todo el mundo. Sus armonías vocales verdaderamente hermosas jugaban un papel importante en el resultado final.

Aunque su debut fue tímido en Gran Bretaña, no sería hasta 1972 en una gira de los no menos míticos Everly Brothers por Estados Unidos en que America les acompañó abriendo espectáculo cuando empezaron a despegar. Esa gira como teloneros fue aprovechada para publicar el soberbio single A Horse With No Name. Rotundo nº1 en el país de Elvis Presley y nº3 en el de Al Stewart.

Después Ventura Highway y un grammy al grupo revelación en 1973. Fue entonces cuando George Martin, productor de The Beatles, se fijó en ellos y les grabó nada menos que siete discos, justo hasta 1979 cuando el ya dúo declinó en el gusto de la audiencia. Pero habían quedado otras joyas como Tin Man o Lonely People. Fueron, tras un pequeño bache en 1976, sus mejores años.

Después volvieron en 1982 con You Can Do Magic incluyendo sintetizadores pop (la moda manda); un bonito disco llamado HourGlass en 1994 y también con conciertos para sus fans más incondicionales durante los noventa. E incluso en 2007 publicaron disco, pero ya como remedo de lo que fue y ya no se puede repetir al menos en el éxito aunque sus grabaciones aún sigan gozando de una excelente producción.

En fin, que hecha la composición de lugar ahí te dejo varias rutilantes composiciones de los míticos America.

Wilson Pickett, El Soul Enrazado

Siempre he creído que el cantante y también compositor de Alabama (EE.UU), desparecido en 2006, tuvo su mejor mentor en Sam Cooke, el lado dulce, esencialmente romántico del soul masculino que por otro lado atraía a las fans como la miel a las abejas. Y no he estado equivocado durante todos estos años.

La brillantez de Pickett alcanzaba el cenit cuanto más enamoradizo aparecía Cooke. Los contrastes. El Yin y el Yan de la sabiduría oriental trasladado a la música de mediados de los sesenta, cuando sólo unos años antes el gospel que se cantaba en las misas de las comunidades negras de Estados Unidos fue dando rienda suelta a la imaginación hasta llegar a esta forma tan electrizante de sonido.

Esa fue una época notablemente revulsiva. Mientras Elvis andaba despistado protagonizando filmes en su mayoría infumables, James Brown sentaba las bases del Funky, The Beatles ensayaban con una textura llamada Pop y The Rolling Stones rocanroleaban diferente. Pero no entenderé jamás, sin embargo, como una artista ajena a toda la movida de esos años vendía y triunfaba tanto o más que ellos, Barbra Streisand. En fin, cosas de la vida.

Wilson Pickett era la raza, la fuerza, la energía desgarradora en medio de esta marea que aglutinaba todo en uno, con el éxito sin parangón con el que forjó su leyenda en 1965, In The Midnight Hour. Compuesto junto a su amigo e instrumentista Steve Cropper, es un himno inmortal que quiero compartirlo contigo. Temas así merecen la pena un alto y... directo al oído. Déjalo entrar a su antojo.

Phil Carmen

Rescatando del olvido viejos vinilos pueden encontrarse sorpresas que bien valen al menos un ratito de atención, siquiera sea por tener entre manos las viejas y vetustas portadas de cartón algunas de ellas irrepetibles en el actual formato cd. 

El que traigo ahora me ha dado grandes satisfacciones. Sí, porque me he vuelto a encontrar con un viejo amigo de madrugadas de radio. Tal es así que algún surco ya se resiente y protesta al paso de la aguja de mi no menos legendario Technics.

Este guitarrista y productor no es especialmente conocido por aquí pero alguno de sus discos, no muchos, sí que triunfaron desde que inició carrera con su amigo de siempre Mike Thompson - Carmen  & Thompson - allá por 1975.

Aunque nació en Montreal -Canadá- Carmen desarrolló toda su infancia primero en Frankfurt -Alemania - y después en Lucerne - Suiza -. Junto a Thompson continuó hasta 1982. Entonces Carmen se instala definitivamente en Suiza fundando sus propio estudio de grabación y es cuando decide iniciarse simultáneamente como solista.

Sus composiciones tienen una característica común que las hace inconfundibles. Sobre bases elaboradas de teclados que procuran ambientes etéreos, en definitiva muy bien producidos, Carmen añade una voz sensual y el sonido envolvente de su guitarra. Es una gozada dejarse llevar por cualquiera de ellas.

Ya apuntó maneras con sus dos primeros álbumes como solista pero no consiguió el éxito. Todo lo contrario que con Walkin' the Dog (1985) que contenía el popular On My Way In L.A..

Discos confortables de fácil escucha y esmerados arreglos acústicos. No hay que olvidar que este productor comenzó haciendo country, estilo que retomó en 1996 fundando la banda Clone Leaf.

Sin embargo el disco que rescato de mi discoteca se publicó en 1986. Justo después del tercero como solista que ya introdujo a Phil por la senda del reconocimiento. Se llama Wise Monkeys.

El album contiene la joya nº1 Moonshine Still.

Dr. Hook & The Medicine Show

La Banda Más Loca del Mundo. Subían al escenario sin complejos, sin reparar en alguna que otra copa de más. Divertidos, irreverentes, practicaron un rock de tintes sureños que curiosamente al cabo de los años giró hacia un estilo bastante más suave pero con el que encandilaron al mundo entero.

No despreciaban la moda imperante. Si hacía falta alguna que otra sustancia reprochable que consumir para viajar por otros mundos... ¡tonto el último!. De hecho el nombre del grupo en parte obedece a este apego lisérgico, Dr. Hook & The Medicine Show.

En escena se presentaban a sí mismos como los Monstruos Expulsados de los Estados del Sur. Se reunieron por primera vez a mediados de los sesenta en un club nocturno de New Jersey donde empezaron a ganarse a pulso la fama de revoltosos.

Provocadores natos llegaron a realizar una campaña en favor de su inclusión en la codiciada portada de la prestigiosa revista Rolling Stone. Reservada por tradición a otro tipo de estrellas musicales más convencionales, Dr. Hook compusieron el hit Cover On The Rolling Stone en el que les conminaba a tal fin. Fue tan popular que no dejaba de sonar en todas las estaciones de radio. Finalmente el magazine musical cedió ante el hartazgo que supuso tan peculiar petición.

Al fin y al cabo se trataba de un grupo que en un solo año llegaron a realizar nada menos que 270 conciertos y que terminarían sus días con 35 discos de oro y platino. Buena parte de ellos en la segunda mitad de los setenta y albores de los ochenta en que cambiaron su estilo hacia una estética más dulzona y comedida con un marcado acento country en ocasiones pero finalmente más inofensivos. Y después nada más se supo.

De esa última época hay varios temas que dieron la vuelta al mundo presentando a los redimidos Dr. Hook como un grupo superventas de pasado menos internacional pero igualmente glorioso.

Paco de Lucía, El Legado Eterno

El mundo de la música está de luto. El Gran Paco de Lucía ha fallecido de forma inopinada. La prensa escrita, hablada y visual del mundo entero se ha hecho eco simultáneamente del triste acontecimiento. Sólo tenía 66 años y algún proyecto pendiente además de vivir.

Un hombre sencillo, generoso, tímido según los que le conocieron más de cerca. A los que nos tocó conocerle a través de su música sin embargo podemos corroborarlo. Porque de ella se desprende toda la magia de un genio de las seis cuerdas flamencas.

Paco de Lucía se ha marchado el pasado miércoles dejando tras de sí una obra amplia resultado de la originalidad y creatividad que caracterizó su irrupción en el mundo flamenco. Aportó nuevas formas, virtuosismo, inmediatez y la presencia escénica que hasta entonces nunca había tenido un guitarrista acompañante de la voz principal. 

Paco de Lucía cruzaba la pierna para obtener de su guitarra el ensueño sonoro que inspiraba. Antes nunca nadie lo hizo. Paco de Lucía fue el introductor en el mundo del flamenco del cajón. Paco de Lucía improvisaba magistralmente. Paco de Lucía acercó al flamenco otros géneros como el jazz, el rock o el pop. Y diseminó la mezcolanza como una virtud musical aplicable a cualquier rincón del planeta.

Actuó y grabó con personalidades de la talla de Al Di Meola, Chick Corea, Bryan Adams o Claudio Baglioni. El corolario de figuras da una idea ya apabullante de la influencia mundial de este guitarrista algecireño. Su música cruzó todas las fronteras. Incluso llegó a embarcarse en largas giras internacionales con el propio Di Meola. Los diez años de discos y actuaciones con el también malogrado Camarón de la Isla son parte del legado cultural español. 

Especialmente querido en Japón donde lo flamenco tiene un acomodo peculiar y por supuesto especial, De Lucía abandonó hace años las largas giras alrededor del mundo por voluntad propia casi retirándose a Méjico, donde vivía con su segunda esposa y algunos de sus hijos y nietos. Sólo salía de su retiro para actuaciones puntuales o eventos en los que se le reconocía por su labor musical y como embajador del flamenco en todo el mundo. Caso del Príncipe de Asturias de las Artes con el que se le premió en 2004.

Difícil elegir una muestra musical para rubricar esta reseña sobre el Gran Paco de Lucía. Hay mucho material. Pero encontramos un disco fundamental: Fuente y Caudal (1973). Revulsivo, incluyó por primera vez un bajo eléctrico y percusiones dando un nuevo aire al flamenco. Y por supuesto una forma de tocar la guitarra genuina.

Para completar el metraje del disco De Lucía improvisó una pieza sin ensayos, Entre dos Aguas, una original rumba que resultó ser el principio de su flamenco internacional. Un éxito sin precedentes.

Hasta siempre Paco de Lucía, Maestro. 

Rod Stewart, De Carne y Hueso

Nació en Londres pero se nacionalizó escocés. Fanático del fútbol pero vivió de la música. Amante del amor, de la mujer bella, pero ambos han terminado de alguna u otra manera siendo fugaces.

Podría decirse que se trata de una historia de contradicciones, frustraciones, esquivas esperanzas. Pero no. Es la vida, en un tiempo muy habitual, de un músico de rock and roll y los avatares propios de una profesión consustancial con experiencias extremas.

En su biografía oficial titulada Rod y publicada por el periodista Giles Smith en el año 2010 confesaba haber renunciado al eslogan destructivo del rock, Sexo, Droga y Rock 'n' Roll que a tantos músicos dejó por el camino, en las cunetas del olvido y el oprobio (Jimmy Hendrix, Janis Joplin...).

Mujeriego por devoción y bebedor por naturaleza, en el años 2006 se rompía su segundo matrimonio del que nacieron dos hijos. Una experiencia esta vez, confesó, devastadora. Pero que le hizo por fin reflexionar. Eso y la edad. Cuatro años después ya había contraído nuevo matrimonio del que en la actualidad disfruta. Pero la huella fue mayúscula.

Es así como nació al gran público su disco Time (2013). Si la biografía aludida ya era cruda, el propio Rod llegó a confesar sobre este disco que era aún más incisivo. Expulsar fantasmas rindiendo cuentas con un pasado no especialmente constructivo en lo que se refiere a  una vida de desenfreno.

Un álbum acústico como hacía muchos años no nos obsequiaba Mr. Stewart -entretenido en versionar grandes clásicos de la música yanqui al estilo del Soul y también R&B- y recuperando su faceta de compositor.

Una muestra es el tema It's Over, gran éxito en Europa que te dejo subtitulado y que decididamente, como el resto del disco, es autobiográfico.

Los viejos roqueros, acústicos, nunca mueren.

Nikka Costa, Una Perla Auténtica

Qué delicia y qué grata sorpresa a un tiempo. Seguramente a estas alturas todos recordaremos las andanzas allá a comienzos de la gloriosa década de los 80 de una chica de rizos dorados, cara preciosa y un desparpajo evidente cantando. Era Nikka Costa.

Exacto, ya le perdiste la pista. Te recomiendo pues que vuelvas a recuperar tu buen gusto. Para ello voy a ponerte en antecedentes. Sigue leyendo porque no es lo que esperas.

Todo empezó a raíz de un capricho. La hija de Don Costa, director de orquesta y productor (Frank Sinatra, Sarah Vaughan...) quería grabar un disco. Ya había participado en spots de tv y algún que otro show precedida por la popularidad de su padre en USA. Y así fue. La nena quiere un disco... Pues ahí le produjo un superventas titulado Nikka Costa que contenía el celebérrimo On My Own. Una imponente balada pop porque tras ella había sólo una niña de diez años. 

Esto ocurrió en 1981. Pero no duró demasiado. Papá Costa muere repentinamente y Nikka queda desamparada. Prácticamente desapareció de escena. Pero he aquí que afincada en Australia empezó a producir unos años después una serie de discos sorprendentes cuando ya en su país casi la habían olvidado. 

Y en este punto es donde empieza la auténtica leyenda. De pronto como llegada de la nada Nikka Costa, ya transformada en una bella mujer, canta al mejor estilo Janis Joplin unas canciones electrizantes de buen ritmo funk, soul e incluso su poquito de pop y que ella misma se encarga de componer. Pero es que además todo ello con una voz desgarrada por momentos y muy llamativa, nada que ver con la dulzura de sus inicios al lado de papá.  

Y así ha grabado una serie de discos que apenas si se han escuchado fuera de Australia y Alemania. En Norteamérica ni se han enterado aún. Entre ellos Pebble To A Pearl en el año 2008, producido por su marido, el también cantante y compositor Justin Stanley. 

Voy a dejarte el single Stuck To You que abre el álbum. Sólo es el principio... el resto es todavía mejor. Disfrútalo.

En 2010 Nikka registra un giro desde el soul/funk hacia el electro/pop. Presenta una imagen más sexy y comercial con el tema Ching Ching Ching. Sería el adelanto de un nuevo álbum en Europa que aún sigue inédito.