martes, 21 de junio de 2011

Amy Winehouse, Bochorno En Escena


Actuaciones de dudosa honorabilidad las hubo, las hay y las habrá por muy largo que el mundo sea en su recorrido entorno al sol. Pero algunas claman al cielo.

Me vienen de pronto a la memoria las controvertidas actuaciones de Iggy Pop, apodado la iguana, que a pecho descubierto literalmente destrozaba en ocasiones conciertos que auguraban buenas nuevas. También los sureños Dr. Hook que incluso subían a escena bebidos. Janis Joplin y Jimmy Hendrix merecerían capítulo aparte.

La era del Punk y post Punk también dio lo suyo. Ahí estaban The Jam y Sex Pistols que hacían las delicias de los morbosos en busca de carnaza con que saciar sus insidias festivaleras. No olvidemos a los Kiss.

Tampoco echemos a olvido a los destrozadores de guitarras. Por ejemplo Pete Townshend de The Who que accidentalmente rompió una y a partir de ahí en represalia consigo mismo no dejaba de dar su dosis de roturas en escena cada vez que le venía en gana. Keith Moon, el batería, se conoce que se contagió y hacía lo propio con su batería.

El ya mencionado Hendrix terminaba con semejante espectáculo destrozón sus actuaciones. Después de vagar por mundos oníricos inducidos artificialmente volvía en sí, o en no, rompiendo en escena la guitarra. También Ritchie Blackmoore de Deep Purple; Kurt Cobain de Nirvana más recientemente emprendiéndola además con el resto de equipos.

Como se observa la lista es larga. ¡Ah!, un detalle. Se dice que quien partió el melón por primera vez -¡vaya, mala comparación!- fue Jerry Lee Lewis, pero este acróbata tomaba como rehén a su piano al que después prendía fuego. El rock siempre fue revulsivo, tachado de satánico en sus inicios, alteraba los ánimos más de lo debido en ocasiones.

Viene a colación esta relación de despropósitos porque he tenido la experiencia más debastadora de casi toda mi vida. Sentí pena, y es lo último que se puede desear, al ver a mi ídolo del soul actual de ribetes clásicos, de voz recia pero embriagadora, intérprete de alta talla acabando con toda su magnificencia por los suelos de la moral. Amy Winehouse la ha vuelto a dar y de la peor forma hace un par de días en Belgrado.

Degradada, reducida a la mínima expresión la Winehouse ni siquiera septeó en escena, no. Ni fue capaz de comenzar mientras una ebria y desvaída figura tanto como ajada y ridícula semblanza de lo que alguna vez debió ser dejaba patente su defectuosa humanidad.

Allí apareció -nunca mejor dicho, parecía un espectro- completamente borracha en escena a la que aún así decidió subir sin rubor alguno que debió quedar sumergido en alcohol o quién sabe qué...

Mi generosa ingenuidad lucha por establecerse en dueña y señora de mis deseos y no pierde tiempo ni dignidad en desearle lo mejor, en la confianza que lo alcanzará, a esta víctima más que juguete roto de una mente tan genial como absurda.




domingo, 19 de junio de 2011

Ha Muerto Clarence Clemons


Sí, como un jarro de agua fría ha caído la noticia, que a pesar de las ya altas temperaturas que sufrimos su tacto nos ha resultado ciertamente gélido. El saxofonista de la legendaria banda de acompañamiento E Street Band de Bruce Springsteen ha fallecido.

Ha sido el sábado 18 de junio en Florida. Murió a consecuencia de un paro cardíaco, a su vez irremediable tras varias intervenciones en el cerebro que le habían sido practicadas en las últimas semanas para paliar los daños de un derrame cerebral y de las que permanecía en estado crítico desde el pasado 13 de este mes.

El propio Springsteen ya se había pronunciado al respecto sobre el estado de salud irreversible de su amigo y compañero Clarence Clemons, desplazándose junto al resto de la banda al lado de éste, donde han permanecido hasta el fatal desenlace.

El imponente músico había sido reclutado por el Boss en 1973 para la grabación de sus tres primeros discos, entre ellos la obra maestra Born To Run que según la crítica especializada cambió prácticamente el devenir posterior del rock and roll.


Clarence Clemons aportó un elemento básico al sonido característico de la E Street Band, la consistencia y vigorosidad de un saxo imbuido plenamente de los sonidos soul que gustaba a su ejecutor aportando frescura y clasicismo a un tiempo al rock descarado de Springsteen.

El saxofonista recaló en los primeros setenta en New Jersey para buscar acomodo en diferentes equipos universitarios de fútbol americano, su gran pasión, pero truncada por un accidente de tráfico del que resultaron maltrechas sus rodillas y de las que jamás se recuperó para la práctica del rudo deporte.

Su corpulencia dejó de brillar en los campos de competición de césped para pasar a hacerlo sobre los escenarios de madera y metal de medio mundo que recorrió junto a su banda y su amigo Bruce. Su padre, un estricto predicador, le había regalado un saxo cuando tenía 16 años que aprendió a tocar como terapia frente a la depresión que le provocó el revés futbolístico volcándose plenamente en su aprendizaje.

Clarence Clemons también desarrolló su carrera en solitario paralelamente grabando buenos discos de soul con colaboraciones insignes como las de Jackson Browne (You’re a friend of mine) o la misma Aretha Franklin; también Ringo Starr.

Clarence Clemons nació el 11 de enero de 1942, en Norfolk, Virgina y se encontró con la muerte 69 años después en Florida. Un músico que brilló con luz propia convirtiéndose en parte esencial del sonido de Bruce Springsteen y también sustento de su imagen más llamativa. Descanse en Paz "The Big Man".




domingo, 12 de junio de 2011

Julie Dexter, Alma de Soul


Unos días de asueto y por fin encontramos de nuevo el camino a casa, el disfrute de sonidos de todos los tiempos. Para comenzar lo hacemos con una mujer de color de privilegiada textura vocal que ha curtido su estilo en solitario desde el año 2000.

Y todo eso después de haber estado a las órdenes de uno de los grandes del jazz, Courtney Pine OBE, quien le invitó como vocalista de su grupo en una de sus giras en los noventa, segunda mitad de aquella década del siglo pasado. Después como embajadora del jazz a nivel internacional en el grupo J-Life en un proyecto de la British Council consiguiendo varios premios.

En el 2000 inicia carrera en solitario creando su propio sello discográfico, Ketch A Vibe Records en el que produce y compone su catálogo desarrollando influencias del reggae de Bob Marley y del jazz y soul contemporáneo en general.

Su voz es dinámica al igual que su sonido, adaptado a los tiempos modernos pero con un ambiente clásico tan particular como difícilmente transferible. Ha creado su propio estilo y se vislumbra como una compositora de alto nivel.

Desde su periplo autodidacta esta británica de Birminghan reside en Georgia, EE.UU. Poco conocida en nuestro país Julie Dexter acaba de publicar su quinto disco New Again (2011). No hay pereza alguna en corroborar tras la primera audición que efectivamente su talento sutil y delicado acaricia el alma.


lunes, 9 de mayo de 2011

Paul Simon Entrañable



Es el neoyorquino partener de Art Garfunkel en los Sonidos del Silencio. Con él cruzó puentes sobre aguas turbulentas. Hubo un remoto pasado como Tom & Jerry pero fue antes de que dieran la vuelta al mundo con melodías entrañables como el Cóndor pasa, símbolo de una generación completa que les adoró.

Todo acabó en un memorable concierto en el bucólico postdiluviano Central Park de New York. Registrado en vivo puso fin a una década e iluminó las carreras en solitario de las dos mitades del dúo desde entonces. 

La meliflua voz y talentosa compostura artística de Garfunkel dio de sí, lo que dio; el genio creativo y la voz plana de Simon llegó hasta nuestro días con un bagaje espléndido. Hace sólo unas semanas que se puso a la venta su nuevo disco, So Beautiful or So What (single The Afterlife). Y con él entró en la década septuagenaria de su vida.

De nuevo tacto creativo y sentido de la estética en una mano que firme en la guitarra no le tiembla en absoluto. Ponerse a prueba en semejantes cumbres de la vida personal y artística sigue siendo sin duda el motor de los buenos compositores y Paul Simon no es una excepción.

Pero no sería justo obviar, como es costumbre por los jóvenes consumidores de música, la trayectoria de este genial autor, siquiera sea rescatando alguno de esos momentos inolvidables de su cuajado currículum de éxitos. Ahí los dejo para cuando gustes. Trátate bien y procúrate un pequeño placer justo en este momento. Paul Simon bien merece una escucha.






viernes, 1 de abril de 2011

La Dama del Soul Sureño


Es bueno a veces rescatar del olvido a pioneras de la música soul moderna. Candi Staton es un ejemplo de buen soul sureño con una voz indiscutiblemente personal. Los grandes melómanos la distinguen con facilidad y los nuevos amantes de la música la incorporan a su repertorio nada más escucharla.

El pasado de Candi es breve sin demasiadas aristas ni vertientes posteriores. Tan sencillo como militar desde temprana edad en los circuitos de música cristiana íntimamente relacionada con el gospel, glorioso canto de alabanza.

Esto ocurrió en la década de los cincuenta cuando en especial ebullición brillaba la portentosa voz y personalidad de una de las más grandes intérpretes gospel que ha dado Estados Unidos, Mahalia Jackson, a quien Staton acompañó en su coro en esos años.

En 1968 inicia carrera en solitario ahora en torno al soul. Consiguiendo éxitos de la categoría que demuestra la peculiar versión de In The Ghetto en 1972 que poco tiempo antes había grabado Elvis Presley. Después se integra en el Disco y en 1976 graba su mayor éxito, Young Hearts Run Free. En 1982 vuelve a triunfar con boato incluido con otra versión de un tema que cantó Presley, Suspicious Minds.

A partir de este periplo extenso y exitoso por el disco la cantante de Alabama (1940) vuelve al Gospel. Desposada con el batería de Ashford & Simpson inició la grabación de discos de corte y temática cristiana hasta la actualidad, rescatando de vez en cuando algunos de sus éxitos en listas para ocasiones puntuales y facturando algún éxito como You Got The Love en 1991.

Te dejo una muestra de su música a lo largo de las décadas de actividad de Candi Staton.






martes, 29 de marzo de 2011

Cuando el Soul Evoluciona


A veces uno tiene la sensación de haberlo escuchado todo. Culpa sin duda de las producciones en serie que nos adornan con tanta maquinita infame que genera fríamente un arpegio y a correr en derredor se ha dicho.

Pero a veces de entre esa masa informe surge la chispa y de pronto la luz ilumina la escena. Traigo a una chica de Carolina del Sur para demostrar que la música evoluciona, incluso desde estilos sumamente arraigados y aparentemente invariables. Angie Stone lo consiguió.

Formó junto con Blondie en los primeros ochentas un grupeto de chicas aficionadas al funky con tendencia ya por entonces al hip-hop consiguiendo ser pioneras en éxitos femeninos en esa textura sonora. También consiguió poner voces en algunas grabaciones de Lenny Kravitz.

En 1999 inicia carrera en solitario perfilando unos formas soul muy atractivas a las que fue incorporando el modo de baile de la época. Los entendidos en el etiquetaje dicen que su música hay que situarla en el Urban, es decir, un Neo Soul resultado de la adaptación a la corriente de baile imperante. En fin, que nuestro amado soul sirve igual para un roto que un descosido.

Angie Stone tiene una voz sugerente como pocas, ¡ah! y empezó cantando en el coro gospel de su iglesia, y en la medida que es una prolífica compositora, teclista y productora musical ha creado discos a cada cual más exultante. Te dejo una muestra irresistible de su primer disco largo en 2001 Mahogany Soul.


domingo, 6 de marzo de 2011

La New Age de Bernardo Rubaja




Hoy quiero proponerte un autor encuadrado en el etéreo concepto New Age. La verdad éste es un término tan sumamente impersonal que cada vez que ha existido algún giro alternativo a la música del momento, sobre todo en los últimos 25 años, se le ha acuñado sin complejo alguno.

Su nombre es Bernardo Rubaja. Nació el 22 de diciembre de 1949 en La Plata, provincia de Buenos Aires en Argentina. Músico con una formación académica importante. Comenzó con el piano a la edad de 7 años y en su adolescencia también se aficiona al bajo eléctrico formando un grupo beat que con el tiempo se convirtió en Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota donde participó en las primeras etapas de la banda.

Paralelamente estudia música clásica con Enrique Gerardi e ingresa en la escuela de Bellas Artes de La Plata en el curso de composición y dirección orquestal. Experimenta a su vez en el campo de la música electroacústica con el maestro Jorge Rapp. Viaja a París y estudia en el IRCAM (Instituto de Investigación Musical) con Guy Rebel donde desarrollan nuevas texturas sonoras de vanguardia.

Viaja a Estados Unidos y allí estudia piano y composición en el Deep Grove School of Music de Hollywood donde se graduó. A continuación estudia en la Universidad de Los Angeles Film Scoring relacionándose con el conocido compositor Mark Isham produciéndole su primer álbum para Windham Hill Records.

En la actualidad continúa su carrera discográfica para Narada Records, compañía especializada en este sonido alternativo que sigue contándolo entre sus artistas desde hace años.

La dilatada formación académica de Bernardo Rubaja avala un buen número de discos de auténtico culto. Desde que Narada se pusiera manos a la obra en la difusión de esta textura musical ha producido a autores que han conseguido elevarla más allá del conjunto de músicas de sobremesa agradables al oído. Chris Spheeris, Andreas Wollenweider, David Lanz e incluso Hans Zimmer. Bernardo Rubaja está en este elegante elenco.

El disco que te propongo es una delicia que se deja escuchar desde el minuto uno. Capta a la perfección los ambientes de seda y subrealistas en los que se inspiran músicos tan especiales como Rubaja. New Land fue publicado por Narada Records en 1990 y contó con la participación de Eduardo Márquez que militó en la banda del brasileño Milton Nascimento.

Por cierto, toda la discografía de Rubaja en perfecto formato Compact Disc.






lunes, 14 de febrero de 2011

Gary Moore Ha Muerto



Hace sólo unos días se encontró en un hotel de Estepona en Málaga el cuerpo ya sin vida de uno de los guitarristas de rock más reconocidos en los últimos tiempos. Fue el pasado domingo 6 de febrero y aún se desconocen las causas de la muerte, aunque todo apunta a que fue por causas naturales mientras dormía.

El irlandés Gary Moore tenía 58 años y tras de sí una larga carrera como músico de estudio e integrante de la banda de hard rock Thin Lizzy. Se empapó con total virtuosidad del blues que le llegaba desde el otro lado del Atlántico, pero no sería hasta 1990 cuando Moore encontró en ese sonido el motivo fundamental de sus composiciones hasta el día de su muerte.

Gary tuvo un momento irrepetible cuando su disco Still Got The Blues (For You) (1990) conquistó sin reparos las listas de éxitos de medio mundo. Este guitarrista tenía la fuerza y energía del mejor rock que practicó durante años y la sensibilidad sobradamente necesaria para practicar riff de guitarra ciertamente emocionantes.

Así giró por medio mundo con su reencontrado estilo que practicó desde siempre pero jamás exteriorizó. Cuenta la leyenda que en los ensayos previos de un concierto y ya en el camerino Moore calentaba dedos y de forma inopinada éstos terminaron rezumando el mejor blues clásico del que siempre estuvo enamorado y por circunstancias nunca grabó.

Todo su blues con aroma rock ahora quedó aparcado de los escenarios para siempre. Sin Gary Moore en ellos se echará en falta un poco más el sabor del blues, cada vez más escaso en pleno siglo XXI. Aún así nos quedará el recuerdo y sus muchas grabaciones decididamente ya inolvidables. Hasta siempre Gary.


viernes, 11 de febrero de 2011

Aṣa, Sonido Racial


Con solo teclear un poco en los buscadores habituales podemos ubicar con toda sencillez el lugar que Nigeria ocupa en los mapas geográficos o políticos. Y si ya quieres curiosear un poco más advertirás como el crisol de etnias se conjuga con una tensa relación no resuelta entre las dos religiones dominantes, el islamismo y el cristianismo.

En este ambiente bajo el intenso calor africano se desarrolló la juventud de Aṣa, que nacida en París pasó toda su juventud en el sur de Nigeria, la patria de sus padres, empapándose de los sonidos autóctonos del lugar. La música de Erykah Badu, D'Angelo y sin hacer ascos a los discos que su padre llevaba a casa de Marvin Gaye, Aretha Franklin, Lauryn Hill o Bob Marley.

Al cabo de 20 años vuelve de nuevo a su país de nacimiento, Francia, para empezar a dar forma a toda esa amalgama de vibraciones musicales que finalmente la han conducido a realizar un soul moderno de toques sesenteros sin despreciar el jazz y toda la magia étnica que lleva impresa en su alma libre, es decir, Aṣa (pronunciado Asha) en el dialecto Yoruba.



Tras una etapa como corista en varios proyectos y después como solista dándose a conocer a base de patear la carretera de actuación en actuación, nace su primer disco en 2007, Asa; dos años después un directo grabado en París, Live In Paris; y el tercero publicado hace un par de meses.

Beautiful Imperfection (2010) tiene soul y arreglos de cuerda que le dan empaque y sobre todo la tonalidad vocal inconfundible de esta cantautora que la hace original. Aprovechando el empuje de Amy Whinehouse o Duffy, Bukola Elemide (1982) que es el nombre real de Aṣa, ofrece algo más. Prontitud y emoción.

Te la recomiendo. Estaremos pendientes de ella en adelante.