"Tarkus" - Emerson, Lake & Palmer

Nueva inmersión en el mundo del rock progresivo. Sí, esa evolución del rock contundente que se hacía a finales de los 60 y hasta mediados de los 70 con verdadero éxito, quizá por lo revulsivo que este sonido tenía.

Camel, King Crimson, Jethro Tull, Yes, Genesis e incluso el propio Mike Oldfield no se resistieron a las texturas anárquicas del blues y del jazz que el rock progresivo había incorporado y adaptado. La improvisación a veces en composiciones épicas de hasta veinte minutos de metraje ocupando todo un lado de los entrañables vinilos era parte de esa influencia.

Brilló especialmente el trío británico Emerson, Lake & Palmer. Tres músicos de contrastada experiencia y provenientes de otros grupos similares como The Nice, caso del teclista Keith Emerson, los King Crimson del guitarrista y voz Greg Lake y los Atomic Rooster del batería y percusionista Carl Palmer que luego acabó en los Asia.

Su obra maestra fue "Tarkus". Un disco básico del género que contiene todas las claves para quienes quieran iniciarse en el rock progresivo. Nunca es tarde. Sumó buena parte de los 35 millones de ventas que la banda hizo a lo largo de su carrera acompañada de espectaculares puestas en escena.

Desde la maestría de Carl Palmer para desarrollar el jazz en temas como "Bitches Crystal" o la excepcional interpretación del órgano Hammond de Keith Emerson en "A Time And A Place" y la habilidad guitarrera de Greg Lake en todo el disco, que además es la voz de la banda, "Tarkus" es tan épico y mitológico como el armadillo cibernético a modo de tanque de guerra de la portada que protagoniza toda la primera parte del álbum. Veinte minutos sin solución de continuidad en los que el 'bicho' muestra su capacidad destructiva.

Ese tema inicial, "Tarkus Medley", sigue siendo una de las diez mejores composiciones del Rock progresivo en toda su magnitud. Y eso es lo que hay en este segundo disco del grupo, progresía rockera muy propia de ese año y década, 1971. Fue número 1 en Gran Bretaña y 9 en EE.UU.

Antonio Vega ha muerto

A veces uno siente una cierta sensación de culpabilidad cuando llegados momentos como este ha de dar la trágica noticia. Efectivamente, hasta ahora, y tiene que ser precisamente ahora, en este blog no se había publicado nada en relación a Antonio Vega.

Ya sabíamos que en los últimos meses el estado de salud de Antonio era precario. Las alarmas se desataron cuando se produjo la cancelación de sus conciertos con el grupo Nacha Pop en cuyo seno creció como músico y compositor. Nos temíamos lo peor cuando ingresó aquejado de una fuerte neumonía en el madrileño hospital Puerta de Hierro.

Y esta misma mañana hemos conocido el fatal desenlace. Quizá la fuerte depresión en la que cayó tras la muerte de su compañera sentimental ocurrida en 2004 pudo definitivamente con su ánimo ya de por sí introspectivo.

Nadie que no haya buceado a pulmón por los procelosos caminos del alma humana puede llegar a escribir con tanta sinceridad sobre los rincones más escondidos de ella y plasmarlo en forma de canción con la sutileza que él lo hizo.

Aunque tarde sirva como redención suya y nuestra el reconocer que con él se ha ido uno de los creadores de las más bellas canciones del pop desde que este genero musical se instaló en España con fuerza a principios de los ochenta. Baste con mencionar "La Chica de Ayer", "Una Décima de Segundo", "Lucha de Gigantes", "Se Dejaba Llevar Por Ti", "Estaciones", etc.

Un icono indeleble sin duda de la música española. Hoy el madrileño se ha ido con sólo 51 años. Hasta siempre Antonio. Su legado brilla ya con letras doradas en la historia del pop español.

The Smithereens

Lo que empezó como una prometedora banda de rock de mediados de los ochenta acabó algo engullida con la revolución del nuevo rock o Grunge de los 90 que venía de Seattle con grupos como los Nirvana de Kurt Cobain, Alice In Chain, Soundgarden... entre otros.

Allá que se marcharon con sus formas a los AC/DC pero con la sencillez del pop a convertirse en una banda de bar y culto. Parecía imposible por su airado estilo rockero chaqueta de cuero incluida.

En realidad el grupo bebió hasta saciarse de las influencias musicales de su líder y vocalista Pat Dinizio que pasan por los The Who, The Clash, Elvis Costello, Nick Lowe e incluso Buddy Holly.

Desde New Jersey -New York- han seguido grabando con más o menos fortuna discos inquietantes pero encantadores. Voy a dejarte no obstante el debut en larga duración de 1986, "Especially For You". Un álbum con embriagadoras melodías pop pero también con la fuerza de su rock producido por Don Dixon que ya trabajó en discos de R.E.M o Nick Lowe.

"In A Lonely Place" con los coros de una jovencísima Zuzanne Vega fue la balada del disco que tuvo gran repercusión. A continuación la banda en su rock más clásico del álbum.

The Notting Hillbillies

Hay quienes a veces son arriesgados y se atreven a ir contracorriente. En menos ocasiones de las necesarias pero suficientes para dejar evidencia de la hazaña.

Cuando eso ocurre en la música sueles darte de bruces con discos atemporales que curiosamente escalan con facilidad las listas de éxitos. Algo pasa entonces en ese manido negocio que deja a las claras las carencias escandalosas de los ejecutivos discográficos. Pero ese es otro tema.

Quiero referirme a un disco de 1990 que tuvo a bien reunir a cuatro músicos impecables. Mark Knopfler, Guy Fletcher -que lo trajo Knopfler de Dire Straits-, Brendan Croker, guitarrista, vocalista y músico de estudio principalmente -Eric Clapton, Chet Atkins-, y Steve Phillips curtido guitarrista de Blues y Country. Todos británicos.

Formaron puntualmente el grupo The Notting Hillbillies a modo de recreo. Un paréntesis con sus grupos y carreras en solitario. Una gozada. Raíces folk y country con tintes y sabor a blues clásico. Un ramillete de buenos temas a cuál mejor. Una vez lo escuchas ya no lo olvidas. Bueno de verdad.

La mayoría de los temas pertenecen al amplio cancionero tradicional del country. Pero otros como el que te dejo para ilustrar el disco fueron compuestos para él expresamente.

La lástima es que sólo grabaron éste y alguna que otra gira benéfica hace ya 19 años. Pero nunca perderé la esperanza de que vuelvan a reunirse en un descanso y de nuevo dejen impresas sus guitarras para deleite nuestro. Nombre del álbum: "Missing... Presumed Having A Good Times".

Presuntos Implicados - "De Sol a Sol" (1987)

Entre la cantidad de viejos vinilos que de cuando en cuando suelo repasar, aún los conservo, he descubierto esta joya del pasado pop español.

Es un álbum premonitorio de lo que más tarde iba a suponer la fructífera carrera del trío de Yecla, Murcia, Presuntos Implicados. Estilo pop cuidadosamente tejido con bases jazz y soul. La formidable voz de Soledad Giménez lo permitía. Y así fue.

Cuando Nacho Mañó, bajista y productor del grupo, decidió integrarse como tercer miembro de la banda bajo la atenta mirada de Juan Luis Giménez en 1987, ya tenía en mente el fantástico "De Sol a Sol". Pocos medios en el sello independiente Intermitente pero buenas maneras.

Atrás quedaba el fallido "Danzad, Danzad Malditos" con poco eco salvo el tema "Miss Circuitos" en el argot discotequero de la época y fabricado a base de electro funk. Pero aún así contenía las claves del buen hacer de la banda.

No sería hasta dos años después que Wea les recibe en su catálogo pensando en la proyección que el grupo tenía. Les publica el último empujón al éxito más rotundo con "Alma de Blues" (1989) y les vuelve a editar "De Sol a Sol" ahora ya a lo grande y con más repercusión. El resto de la historia continúa con 14 discos de platino y ventas millonarias.

He de decir que aunque la incorporación de la nueva vocalista, la madrileña Lydia Rodríguez (Eurovisión), ha sido un acierto no se desluce la sensación de que Soledad es insustituible. Por ahora los mejores años de la banda están indefectiblemente ligados a ella. El futuro dirá el resto.

Te dejo el tema estrella del álbum. Un hermoso medio tiempo que debes tener la sangre helada si no bulle desde la primera nota, "En La Oscuridad".

(Si clicas en HQ lo verás con mejor calidad)

¡Qué Será, Será...!

Hace sólo unos días se ha sabido la noticia. Tiene que ver con la redes sociales que proliferan como rosquillas en internet. Todos a una charlando, compartiendo... Mucho mejor que los ya en desuso charts.

Vereis, es tal el auge que han conseguido que incluso nuestros grupos y solistas de siempre, no te digo los actuales, se suman... bueno, más bien los suman los respectivos directores artísticos o representantes.

El caso es que avisan con tiempo de su presencia en los días previos a la cita en alguna sesión de estas plataformas, o sencillamente aparecen de imprevisto y los fans acuden como abejas a la miel. Pero no sólo ellos. Otros compañeros del artisteo asoman por allí a ver qué sacan en claro de las estrategias de sus competidores en el mercado discográfico y de conciertos.

Puede surgir lo inesperado. Voy a añadir dos nombres a cual más diferente: Neil Diamond y Limp Bizkit. Ambos, miembros de la industria discográfica yanqui. El primero de New York, afincado en California; los segundos de allí mismo, California.

Nada tienen que ver un estilo con el otro. El del veterano Diamond, últimamente reconvertido por virtud de Rick Rubin (menudo ecléctico productor) al sonido acústico y desnudo de la parafernalia instrumental a la que es tan aficionado. El otro es un grupo de Rap y Hip Hop también tocado por la gracia divina de Rubin... Pero son la noche y el día. ¡Esto se pone interesante!.

Pues bien, coincidieron los dos hace unas semanas en la plataforma digital Twitter. Diamond y Fred Durst -líder de Limp Bizkit- se dedicaron estas palabras:

“Soy un gran fan suyo. Podríamos hacer una colaboración. Neil Diamond con mi banda Limp Bizkit. Suena fresco”, escribió Durst a Diamond.

“Me encantaría, ¿cuándo y dónde?”, respondió Diamond.
“¡¡¡¡¡Fantástico!!!!! ¡¡Increíble!! Este es un sueño hecho realidad gracias a Twitter. Yo estoy en Los Angeles. Después nos pasamos un mensaje privado”, remató Durst.

Tal cual. Lo que en principio parecía una broma de algún suplantador dejó de serlo cuando sendas oficinas, solista y banda, confirmaron el hecho.

Así pues esperemos a ver qué ocurre y sobre todo qué forma tendrá el alumbramiento final de tan extraña unión.

Neil Diamond en vivo 2006. Promo álbum "12 Songs".

Limp Bizkit BSO Misión Imposible.

Baila Otra Vez Mr. Bojangles

Es inmenso el mundo de los covers, las versiones de grandes clásicos o menos clásicos. Por más que se profundiza afortunadamente nunca das con el final. Hoy traigo un tema country que llegó a tener más éxito vía versión que en el propio original de 1968.

El responsable de la base es un autor country de New York llamado Jerry Jeff Walker que se basó al parecer en un personaje real de las calles de New Orleans. Éste era un buen bailarín que cayó en las redes del alcohol. Se dedicaba a vagar por los bares de la zona ofreciéndose al mejor postor por un baile a cambio de una copa.

Según cuenta el propio JF Walker en un arresto masivo de la zona de bares de New Orleans en 1965 a raíz de un asesinato, un hombre le contó retales oscuros de su propia vida. Y lo hizo con una sonrisa en los labios y sin lamentarse. Hasta que llegó al más sórdido capítulo, el del atropello y muerte de su perro. Este hombre, Mr. Bojangles, enmudeció entristecido.

Según contó años después el propio Walker, todos los que estaban en aquella celda utilizaban un apodo para evitar ser identificados fácilmente por la policía. Y que el de Mr. Bojangles era 'el bailarín'. Por cierto, también aclaró en una entrevista en la BBC en 2008 que al contrario de lo que se creía el personaje nunca fue de tez negra, sino, blanca.

La canción ha pasado por las manos de los más reputados grupos y solistas. Con más o menos éxito lo cierto es que el original es difícil de desvirtuar. Ejemplos, Elton John, Bob Dylan, The Byrds, Nina Simone, Neil Diamond, Robbie Williams, Jamie Cullum, Harry Nilsson..., etc., etc,.

Pero sin duda la más exitosa es la de los californianos de Long Beach Nitty Gritty Dirt Band que la llevaron directa al número uno y terminó siendo su mayor éxito. Una banda que activa desde 1966 en la actualidad sigue grabando. Jugaron un papel importante en la evolución del country-folk hacia el country-rock. Y fue de gran influencia para grupos posteriores como The Eagles.

En 1971 la grabaron por primera vez. Después hicieron sus propias revisiones. La primera de todas es la que te dejo a continuación.

El Exilio de la Calle Main - The Rolling Stones

Dicen que los grandes de verdad en las dificultades se crecen. Y me temo que es así. Lo sospecho con cierta zozobra en el caso de los protagonistas que traigo en esta ocasión.

Las drogas. Estaban enganchados como casi correspondía en aquel entonces. Les perseguían y ellos no hacían demasiado para darles esquinazo. Por otro lado un 'enemigo' más les atenazaba, el fisco británico que les ahogaba inmisericordemente. No digo más que tuvieron que exiliarse a Francia. Y de ahí nace el nombre de este disco Exile On Main Street.

Desde una finca propiedad del guitarra Keith Richards en el país galo fraguaron uno de los mejores discos de su carrera que saldría a la luz pública un año después, en 1972. Con nada menos que 18 temas en formato doble. No era habitual tanto material en una sola entrega así que también lucharon contra eso porque a los escuchantes de entonces se les hacía largo.

En el disco brillan todos, incluso Keith como voz principal en el tema Happy que él mismo compuso. De la guitarra ni hablemos, de la armónica de Jagger otro tanto... aunque la voz para mi gusto se perdía un poco entre la producción. Todo ello rescatando las formas de sus comienzos años atrás: esa mezcla tan interesante de blues, soul y el rock 'n' roll yanqui.

No más demora. Ahí te dejo una muestra del álbum, por cierto una versión del bluesman Robert Johnson y el deseo que lo pidas en tu tienda de discos y lo disfrutes largamente. Un largo metraje para mayor gloria de tus ratos de ocio.

Un Cover Impecable

Recuperamos la sección de versiones después de unos días. Siempre que vuelve es por motivos puramente estilísticos. No sé si en alguna ocasión te he hablado del Smooth Jazz o Jazz Contemporáneo. Bien. Qué mejor momento que este.

Se trata de una forma de hacer jazz pero con marcados tintes comerciales. Tiene la frescura del sonido base pero la exuberancia instrumental que escasea en él. Se consigue añadiendo detalles del funk, el soul e incluso el acid. Eso da como resultado composiciones elegantes, ricas en matices. Ha llegado a tener su propio circuito de distribución y éxito. Hay fm's en Europa y EE.UU dedicadas en exclusiva a este sonido.

Y los pioneros del estilo no son cualesquiera, ni mucho menos. Grover Washington, Jr., el también saxofonista David Sanborn o la banda Spyro Gyra te pueden dar una idea.

Ni que decir tiene que los más puristas llegan a denostarlo sin pudor alguno, vamos que no le hacen mucho aprecio por razones evidentes. Pasa igual que aquí (España) con el cante jondo, flamenco y las fusiones posteriores. Ya hicimos un artículo en torno a ese tema.

Han llegado a ser muy populares incluso fuera del público habitual al Smooth Jazz las versiones de éxitos conocidos o no tanto. Suelen tener unos resultados francamente confortables al oído. Auténticas recreaciones.

En Gran Bretaña existe una veterana banda de nombre Incognito que inició sus pasos allá por 1981 combinando el Jazz con el Funk, el soul... En aquel entonces aún no se había etiquetado como Smooth Jazz. Siguen en activo y entre sus joyas se puede encontrar mi propuesta de hoy. El clásico acústico "Tin Man" del trío setentero America.

No te digo más. Ahí tienes a continuación la original con su versión correspondiente. Verás que gozada... Las dos, no nos engañemos. Pero presta atención al tratamiento que Incognito le ha dado.