Doo Wop Christmas

Recuerdo en mi juventud ya como un remedo del pasado a grupos de reciente cuño allá por los primeros ochentas realizar una suerte de ritmo casi olvidado. Nos sedujo a raíz de películas como Grease o la Fiebre del Sábado Noche.

Estoy hablando del Doo Wop y su variante Du Dua. Tan sencillo como coros que van repitiendo esas palabras mágicas Doo Wop o Du Dua a lo largo de todo el tema quedando el ritmo general a merced de ellos.

Estaba este sonido directamente emparentado con el rock and roll de los 50 y 60. Hicieron camino juntos hasta que los grupos que se conformaban bajo él decidieron unos lanzarse al Soul, caso de los grupos negros, o al pop si hablamos de los grupos blancos.

Ahí quedó pues en la historia hasta que en el intervalo de finales de los setenta y cuatro años adentro en los ochenta una banda británica los recuperó con un éxito sin precedentes.

Me refiero a los Rocky Sharp & The Replays. Su "Rama Lama Ding Dong" despertó del olvido al Doo Wop. Dieron la vuelta al mundo durante ese lustro y la verdad es que la inmediatez del ritmo y la base divertida sobre la que lo desarrollaron, era una gozada verlos en escena, consiguió nuevos adeptos... Mi caso es muy significativo.

Para que te hagas una idea de lo que hablo, mejor que añadir palabras te dirijo directamente hacia cualquiera de los dos enlaces siguientes. En el de You Tube puedes verlos y como audio te dejo su aportación a la Navidad.

Navidades Rubias

No voy yo a descubrir nada que no se conozca ya de la ambición rubia más famosa de todos los tiempos. Hubo otras, pero créeme, nada que ver con Marilyn Monroe. Todo lo que había que decir, especular e inventar ya se ha escrito y dicho por activa y por pasiva.

No largo la parrafada para ocultar mi escaso verbo en cuestiones del Séptimo Arte. Mil biografías oficiales y otras no tanto. Desde su extraño matrimonio con el jugador de béisbol Joe Dimaggio hasta el pretendido romance nada menos que con John Fitzgerald Kennedy.

Bella hasta decir basta, seductora, irresistible y frágil como el cristal de bohemia. Es el cóctel perfecto. No hay quién se resista. Y para los amantes de los cotilleos una vida repleta de circunstancias escabrosas hasta el final de sus días. Con sólo aparecer en la pantalla cada céntimo invertido en el film que protagonizara se daba por bien empleado.

No me preguntes por qué pero "Con faldas y a lo loco" es mi talismán desde que la vi por primera vez. Mi película de cabecera y cada vez que la visiono descubro algún detalle más de su espléndida impronta. Me da igual la puntuación que los críticos le dieran al largometraje (muy buena por cierto) y su interpretación (tenía grandes dotes para la comedia), francamente, me es indiferente. Ella está ahí y punto.

Que sí, que llegaba tarde al rodaje, que olvidaba el guión y bebía, es cierto. Pero es que atravesaba uno de los peores momentos de su vida por aquel 1959, cuando Billy Wilder la dirigió en este film junto a Jack Lemmon y Tony Curtis. Sí, la estoy justificando, y ya está. Pero aquella imagen sobre el respiradero del metro y el vaporoso vestido de gasa que se elevaba estratégicamente dejando al descubierto el mejor par de piernas que yo haya visto jamás...

En fin, lo dejo ahí y a lo que voy, que es que también cantaba. Y no sólo aquel "Happy Birthday" que dedicó, todo el mundo lo vió y oyó, al ex-presidente fatalmente desaparecido JFK en su fiesta de cumpleaños. Qué extraño dolor en el alma nos recorrió a todos entre una mezcla de envidia y deseo. Es que no cabía más sensualidad en cada estrofa. ¡Cómo arrastró aquel Happy Birthday... Mr. President...!.

Aterricemos un ratito. Sólo para volver a elevarnos con esta canción de Navidad que dejó grabada con su inigualable estilo embriagador. Marilyn, cariño, Feliz Navidad estés dónde estés.

Música solidaria en Navidad

No voy yo a descubrir ahora lo que se estimulan las sensibilidades en estos días de Navidad. Campañas mil y una para abastecer de dedicación al menos a los más necesitados por alguna u otra injusticia. Y las hay, ya lo creo, incluso para elegir. Si no es una guerra, es una sequía o una inundación, huracán...

A lo largo de la historia reciente de la música han sido bastantes las iniciativas organizadas para recaudar fondos que distribuir después entre estos grupos damnificados. Recuerdo que hace como unos 25 años la banda de origen australiano Bee Gees cedió de forma vitalicia a Unicef la gestión de los royalties que generara el éxito "Too Much Heaven". Bien, pues he sabido que ya han dado buen fin a nada menos que más de 7 millones de dólares desde entonces.

Luego están los conciertos solidarios. El más conocido el que Bob Geldof, el irlandés, convino en 1985 tras la estimable iniciativa unos meses antes de grabar el tema "Do They Know it's Christmas?" (¿Saben ellos que es Navidad?) con figuras de relumbrón de la época como Duran Duran, Sting o Phill Collins. Seis meses después los yanquis se 'inventaron' el "We Are The World" de ayuda al África necesitada con sus correspondientes invitados como Ray Charles, Bruce Springsteen, Quincy Jones, Michael Jackson o Lionel Ritchie, al estilo británico, vídeo, canción y a rodar.

Como digo Geldof organizó después un concierto doble y simultáneo a ambos lados del Atlántico el 13 de julio de 1985. Uno en el Estadio Wembley en Londres y el otro en el Estadio JFK de Philadelphia en New York. El éxito mediático fue rotundo. El evento bajo el nombre "Live Aid" hizo historia. Hoy día la fundación "USA For Africa" sigue en activo.

Pero esta idea de grandes eventos que reunían a magnas figuras de la música con fin benéfico surgió por primera vez con fuerza por 1971. El ex-Beatles George Harrison reunió en un mismo escenario a Eric Clapton, Bob Dylan, Billy Preston, Leon Rusell, Ringo Starr. Los Rolling cedieron derechos de su tema "Jumpin' Jack Flash" que fue interpretado en pleno escenario del Madison Square Garden de New York el primero de Agosto de ese año.

Era el primer concierto benéfico de la historia y ayudó a los refugiados de Pakistán del este a consecuencia de la guerra de liberación de Bangladesh, en el golfo de Bengala -Asia-, a salir de la más absoluta miseria en la que se encontraban. De todo ello se publicó un álbum. Ahora, y no por casualidad, se ha reeditado incluyendo un dvd del concierto. Eso sí, en la portada original aparecía un niño espantosamente desnutrido, que ha sido sustituida por una nueva más amable a la vista. El contenido sigue mereciendo la pena y te lo recomiendo.

Las ventas del álbum y dvd serán distribuidas por la Fundación George Harrison de Unicef. Ya te dije que me gusta la Navidad.

SGAE: Moscas a Cañonazos

Que no quiero yo dejar pasar esta cuestión que parece está llegando a unos límites un tanto ridículos. Es decir, que el fin no justifica los medios. Que para hacer cumplir la ley no es preciso, ni honesto, ni justo conculcarla. Es de ley hacer que ésta se cumpla, con y por la ley.

Señores de la SGAE, que no, de verdad que no. De pronto creí que aún el paleolítico coexistía entre nosotros. ¡Cómo se les ocurre colarse descaradamente en una celebración privada!. Que sí, de verdad que sí. Que aunque asistan 200 invitados el derecho de admisión no hace falta ni reservarlo, sencillamente no se admite a intrusos, menos aún cuando pretenden atracar.

Es así de fuerte. Y trato de usar un lenguaje comedido, que estamos en Navidad. Vamos a ver, baste con que la piratería, es decir, la venta ilegal de las artes que les competen se persiga. Estoy con ustedes, pero por el desprecio que encierra hacia la propiedad intelectual que se ve así mancillada en su entidad como inspiradora del arte propiamente dicho y por la deshonestidad que supone traficar con un bien ajeno o incluso propio. Luego si quieren hablamos de dinero, pero luego.

Ya sólo les queda venirse aquí conmigo, a la intimidad de mi humilde morada desde dónde redacto este blog y pedirme explicaciones sobre el destino de mis archivos de audio legalmente adquiridos. Bueno, ya lo han hecho, me insultaron al tacharme de presunto delincuente al aplicarme el gravamen del famoso canon sobre mis cd's vírgenes y demás soportes multimedia. Qué pasa, ¿que soy culpable hasta que se demuestre lo contrario...?, o qué si no.

Deben plantearse lo siguiente: por qué no reaccionaron cuando se sobrevaloró el precio de discos muy por encima de su valor pecuniario original. Estaban callados. Las arcas aumentaban, hoy ya sé que inmisericordemente. Ahora las discográficas venden al mismo precio de sencillos discos dobles, algunos acompañados por dvd's por poco, muy poco más de su precio inicial. ¿Qué pasó todos esos años...?.

En fin, que no tiene nada que ver la muy noble tarea del creador con el administrador de lo creado.

Y como es Navidad, pues a lo nuestro en estos días. El siguiente archivo de audio me llegó a través de un buen amigo que quiso lo incluyera como muestra de un disco de Navidad sui géneris. Pues este es el momento. Son Sociedad Alcohólica y su "Feliz Falsedad".

Feliz Falsedad - Sociedad Alcohólica

A vueltas con el muérdago

Qué bonito todo, de verdad. Cuántas luces, cuántos brillos y cuántos vatios para iluminar lo que de por sí ya debiera brillar sin tanto adorno. Pero chico, las cosas funcionan así y aunque resulte paradójico el camino de La Luz necesita bombillas.

Sabes que ando estos días con mi contribución más que silenciosa, sonora a todo este frenesí de la Navidad. Verás, te voy a recomendar otro tema que gira en torno a ella. Esta vez por sus alrededores, quiero decir de carretera en carretera. El largo camino que a veces se nos antoja interminable para pasar esos días con la familia o vaya usted a saber con quién. Y me ahorraré cualquier chascarrillo.

Me he ido en pos de la Navidad en busca del guitarrista inglés Chris Rea. Sí, ese discreto músico que formó grupo con David Coverdale en 1975 (Beautiful Losers). ¡Coverdale!, sí hombre, el mismo que más tarde formó Whitesnake y le dejó solo al bueno de Rea que se buscó la vida con unos discos francamente bien hechos y que le dieron bastantes satisfacciones. Se ganó el apelativo del "Springsteen Inglés". (A mí me gusta mucho "On The Beach" del 86... Qué bueno era). En 2006, por cierto, ha creado una banda de nombre The Fire Flies y vuelve a las raíces jazz-blues.

No divago más, a lo que voy. Chris Rea tubo a bien crear uno de esos temas con sabor inconfundible a mazapán hace 20 años. Con su estilo guitarrero peculiar y edulcorado que le deja a uno henchido de gozo y felicidad. Es cierto, haz la prueba y escúchalo. Ahí te lo dejo "Conduciendo a casa por Navidad".

Sananda Maitreya vs Terry D'arby

Parecía que la década de los ochenta acabaría sin dar demasiadas sorpresas que no fueran los adornos tecno y el cortar y pegar que se adivinaba ya camino de los noventas. La verdad es que éramos muchos los que esperábamos algo diferente, siquiera un resurgir tímido de otros ritmos que de una vez coparan el ambiente musical.

Y vaya que llegó el milagro. No digo yo que esa década fuera olvidable, que no, no me interpretes mal, pero es que todo se parecía demasiado. Como si los discos y su contenido se produjeran en serie. Incluso los grandes cayeron en ese hábito. Pero de pronto ahí estaba él... radiantemente rítmico, chispeante entre el pop y el 'ritmo y blues'. A veces hasta sensual con una voz tan sugerente como explosiva: Terence Trent D'arby (Terry D'arby).

Desde Nueva York a Londres y de ahí al resto del mundo Mr. D'arby nos conquistó para siempre con un sólo disco. Voy a hablarte de él.

Aún conservo ese disco en formato vinilo de nombre "Introducing The Hardline According To TTD". Lo tengo ahora mismo ante mi. Menudo discazo. La base en la que se mueve gira en torno al gospel que dispara a discreción y sin remedio hacia el fondo del alma misma -ahora que es Navidad- y te quedas tiritando con ganas de más. Más pop, reggae, soul del bueno y una voz que modula a voluntad entre el falsete más acrobático a tonos altos que te atrapan en pleno movimiento de cadera. Te vuelve loco... ¿Y dónde estaba este tipo?. A donde mismo se fue tras el disco, directo a la nada.

Muy a mi pesar Terry jamás volvió a repetir tamaña hazaña. Sólo discos pretenciosos, densos de escuchar incluso aburridos. Llegó a cambiar su nombre por el de Sananda Maitreya. Ni aún así. Fue el sueño de una noche de verano. Aquello que leo ahora conforme voy sacando mis anotaciones de entonces sobre el mismo encarte interior del vinilo en torno al impacto que me produjo "...melodías gospel que trascienden a soul, ritmo y blues, pop, rock o reggae..." se diluyeron después en la nada.

En fin, eso pasa también en la música. Estaba dudando si ponerte la versión del "Who's Loving You" de Los Miracles que cierra todo el álbum o el single de presentación que nos dejó boquiabiertos. Todo él venía a España con el marchamo de rotundo nº1 en UK. Así que disfruta con este corte que te dejo. Ve haciendo sitio porque los punteos de guitarra a lo James Brown te lanzarán al centro de la pista... ¡es irresistible, ya te digo!

Dance Little Sister - Terence Trent D'arby.

Navidades redondas

No sé si me lo esperaba tan pronto o es que en agosto no me dí cuenta que ya vendían participaciones de Navidad para el sorteo de la idem de cada año. El caso es que ya está aquí. No importa que siquiera se haya roto aguas en la escena bíblica. No importa, ¡es Navidad!. Y me voy a explayar en este mes al recomendaros mil y una versiones de los clásicos musicales.

El primero de ellos de la cantante pop o... soprano, no sé, porque con aquello de las mixturas varias para escalar en las listas de éxitos -hasta la Caballé hizo sus pinitos- uno no sabe ya dónde situar a personajes como Sarah Brightman.

El mayor mérito de la chica es haber hecho una representación genial de "El Fantasma de la Ópera", que su ex, el afamado creador de musicales Andrew Lloyd Webber adaptó a mayor gloria de su protegida. A raíz de esto y del encuentro con el italiano Andrea Bocelli, con quien vendió 5 millones de copias en todo el mundo del tema "Time To Say Goodbye (Con te partirò)" se lanzó al estrellato más absoluto con discos de corte folk, pop, rock, clásica en una atractiva mezcolanza.

Bien, pues ya situada a la británica en su contexto, hace sólo unos meses y después de cinco años volvió con un nuevo disco y con ganas de hacer algo para estas fechas del año. Y ya ha llegado. Su segundo deseo se ha cumplido por Navidad. Cancioncitas típicas con su encantadora voz, para conservar la tradición del disco navideño. "A Winter Symphony" es el título. Incluso las hay no navideñas aunque el propósito de enmienda de la letra encaje bien, por ejemplo la versión del "I've Been This Way Before" del neoyorquino Neil Diamond.

Pero las hay también de John Lennon, el "Happy Christmas (War Is Over)". Un Lennon al que por cierto pronto recordaremos en la efeméride de su asesinato frente a las puertas del Edificio Dakota de New York a manos de un fan "iluminado" (¡ten seguidores para esto!).

En fin, que a mí cada vez me gusta más la Navidad... Estas músicas consiguen que, efectivamente, al menos durante el ratito que suenan todo sea de color de rosa..., bueno, mejor blanco inmaculado que queda más propio. Ya habrá tiempo de despertar cuando se detenga el disco.

Seal, Soul, Slowly

Ahí queda eso. Parece que un concepto es consustancial al otro. Me refiero al juego de palabras del enunciado de este artículo. Efectivamente el cantante británico de Londres, Seal, tras casi veinte años de carrera ha publicado sólo seis discos. Y el último, hasta ahora y veremos cuándo vuelve, lo ha dispuesto para este mes de noviembre que casi se va.

Diría yo que más que administrar bien los tiempos es que se lo piensa demasiado. Si se trata de no aburrir la verdad es que lo ha conseguido. En todo este tiempo hemos tenido oportunidad de saborear largamente todos sus discos. Y me da a mí que éste nuevo dará mucho que escuchar.

El tipo posee una de esas voces que sólo aparecen cada cierto tiempo. La genética es caprichosa. Y su productor, nada menos que David Foster, que sabe vestir muy bien todo lo que hace, ha dicho que "cree que es el único cantante del planeta que puede hacer este álbum". Yo pienso que no, pero la verdad es que lo parece.

Qué ha hecho Seal en "Soul", por cierto, nombre del disco. Tomar prestados un montón de buenos temas del soul de toda la vida. Desde James Brown a mi amadísimo el Reverendo Al Green, pasando por Harold Melvin and the Blue Notes y los Impressions, sin olvidar a Sam Cooke o Ben E. King. Vamos, de impresión. Menudas estrellonas han confluido.

Pues como si nada. Voz soul total, carisma a raudales, respetando la esencia de los originales pero imprimiendo su poquito de modernidad... Una gozada para ir escuchando del trabajo a casa o viceversa y en cualquier situación que se te ocurra. Discazo.

Sólo te voy a dejar un ejemplo. Es difícil, muy difícil versionar a James Brown y salir victorioso. Su estilo es tan irresistiblemente personal que la labor se hace poco menos que milagrosa. Pues bien, ahí más abajo te dejo el milagro de Seal sobre este clásico de los primeros 60 del Padrino del Soul.

It's A Man's Man's Man's World - Seal

Tracy Chapman - El Brillante Futuro

Tracy Chapman es una licenciada en Antropología y Estudios Africanos por la Universidad de Massachusetts. Natural de Cleaveland desde pequeña sintió interés en la composición pero no sería hasta que comenzó sus estudios cuando ya de veras inicia breves exposiciones en pubs y cafés nocturnos del material que va creando a la guitarra. Su participación en el concierto homenaje a Nelson Mandela en 1988 supuso el paso hacia el estrellato.

Desde entonces hasta aquí esta compositora ha creado una serie de discos premiados con diferentes grammys, reconocimientos varios y muchísimas ventas. Su primer disco "Tracy Chapman" vendió 10 millones de copias incluyendo el icono pop folk "Fast Car".

Para los no iniciados en la ciencia acústica de la Chapman decirles que aunque en alguna ocasión ha intentado utilizar avalorios electrónicos e incluso coqueteos con el rock su base principal es el folk y el country. A veces un disco completo puede resultar algo lineal. Pero las letras que cuentan historias muy vividas son el colchón salvador en esos momentos en particular y en general en todas sus canciones. Te recomiendo prestes atención a algunas de ellas.

El Octavo disco ha visto la luz hace sólo unos días. Está producido nada menos que por Larry Klein, el mismo que trabajó con Joni Mitchell o Herbie Hancock y que produjo su fabuloso álbum de debut. Y se nota. No aburre, hay hasta blues. Cada nota se luce por sí misma, pianos que se cuelan con brillantez y el hammond que de cuando en cuando aporta su poquito de fragancia retro a unas canciones que por separado o juntas dan lustre al conjunto atractivo llamado "Our Bright Future" Nuestro Brillante Futuro... Otro título no cabe en el modo de escribir de ella.

Tracy siempre ha estado muy comprometida con todo aquello que significara un cambio político orientado hacia el trato digno y humano de los más desfavorecidos. La retórica puesta en escena de los sentimientos más honorables del ser humano y político... esto me suena de algo... (Dylan, Baez). En este álbum vuelve a insistir y en un momento clave de la historia tras la reciente elección del nuevo líder del mundo libre Obama. No es casualidad que el disco aparezca ahora.

"Algunos de mis fans me han dicho que mis letras expresan lo que ellos mismos piensan, las cosas que les gustaría cambiar". También ha dicho en la presentación de este álbum que, "hoy gran parte de la música pop en el mercado anglosajón habla de amor y de relaciones, pero esto no siempre ha sido así y en otras partes del mundo la música trata temas más variados y se abre a cuestiones sociales y políticas". Tracy en estado puro.

Canciones con esperanza, optimistas ante el proceso político que se avecina y la consiguiente reprimenda a lo peor.

Vamos, que está claro que me ha gustado bastante. Francamente no esperaba tanto en esta nueva entrega de Tracy Chapman. Vendrá a España el 21 de diciembre, a Barcelona. Ahí te dejo una muestra del álbum. Disfrútala.

Tracy Chapman - Sing For You

Dan Fogelberg - Phoenix

En estos días he ido paseando por este atribulado mundo de debilidades artificiales procuradas concienzudamente por los que ostentan el poder. E iba yo auriculares en ristre aprovechando la breve tregua en la lluvia que este otoño nos brinda. Y no hay nada mejor para días de depresión material que dejarse llevar por un buen disco.

Este autor, cantante e instrumentista del epígrafe, tuvo momentos de gloria francamente buenos desde que en 1972 publicó su primer disco como solista tras la obligada etapa en bandas de poco fuste. A partir de ellas es cuando músicos como Dan toman conciencia de su carisma y capacidad, vamos que cogen confianza. Una especie de formación musical necesaria.

En concreto y rebuscando en mi discoteca encontré este fastuoso disco de pop-folk que el bueno de Illinois facturó en 1979. En realidad una belleza acústica de rock suave que él supo definir como nadie. Fue de hecho un icono en ese menester. Tampoco hizo ascos al jazz, bluegrass e incluso la clásica. Fue inquieto como buen instrumentista.

El disco se mece entre medios tiempos acústicos acariciados por la melosa voz de Fogelberg y otros en que el diapasón aumenta el ritmo y decibelios pero sin llegar a chirriar en ningún momento. Incluso la eléctrica parece confeccionada entre algodones. Y el piano con arreglos de cuerda... una delicia. Pero sólo es uno más porque Dan publicó muchos más discos y todos ellos merecen la pena igualmente. Los distintos oros y platinos lo confirman.

Fogelberg murió un 16 de diciembre de 2007. Pero nos dejó un legado musical que te invito a descubrir desde aquí. Ya sea a través de un grandes éxitos o cualquiera de sus discos para matizar la audición. Por ejemplo, no dejes de escucharle baladas como la que te recomiendo a continuación del álbum "Phoenix".

"Longer" - Dan Fogelberg

James Taylor - Covers

El bueno de James Taylor se ha pasado media vida con la guitarra al hombro recorriendo escenarios, quizá para ahuyentar el fantasma de la droga de la que parece se desenganchó a comienzos de los 80. Es por ello que su obra creativa tiene una profundidad fuera de lo común... Aunque afortunadamente otros muchos no necesitan motivadores artificiales.

España ha tenido la oportunidad de disfrutar de su sonido en vivo en varias ocasiones. Y me gusta que Taylor sea como es hoy. Sincero en sus planteamientos musicales y fiel a un público que no es demasiado exigente y que se contenta con que esté ahí dispuesto a redondear en escena algunos de sus clásicos o ajenos.

Porque en los últimos 20 años James ha llegado sin el boato de las estrellonas de turno. Esas que copan los multimedia a base de promoción y ruido inmisericorde para así conseguir una buena venta en taquilla. No, no. Éste es discreto. Lo importante está en lo que no se ve. La esencia de canciones desnuditas de arreglos y vestiditas de contenido.

Esa es su misión, así la entendió hace 40 años y no la ha variado lo más mínimo en todo este tiempo. Pero ahora ha querido hacer algo poco usual en su carrera. No una, ni dos, siquiera tres, sino hasta 12 covers de tres décadas reunidas en su último disco publicado el pasado septiembre de 2008. Todas ellas sólo aireadas en sus actuaciones en vivo. Nunca las había registrado en el estudio. Y por fin ya las tenemos.

Y de nuevo como a comienzos de los 70, cuando encontró a su público, el que ha seguido al de Boston a través de los años. Canciones sensibles, una voz tímida, dulce y todo muy acústico. Pero toda vez que aquí hay temas de varias décadas incluidas las de los cincuenta y sesenta, los setenta también, se desmelena un poquito, pero lo justo para dejar constancia del original.

Buddy Holly, Leonard Cohen, John Anderson, el cantante de Ritmo y Blues Big Mama Thorton o Junior Walker & the All-Stars son algunos de los agraciados.

El intérprete y compositor creador de baladas, temas folk y blues de los que han gustado a su vez para versionar el mismo Elvis Presley que acogió sin complejos su "Steamroller Blues", Ray Charles, Emmylou Harris, Joni Mitchell o Al Jarreau es ahora seducido por otros tantos grandes temas ajenos y lo ha hecho muy bien. Ahí te dejo uno de los momentos de este disco llamado, claro es, "Covers".

Cuarto y mitad de Lomo

Qué descoco, pero cómo es posible tanto destape en la tv. Nos asombramos y no debiéramos porque en años anteriores la cosa era peor aunque en el cine. Y la música no ha escapado a tal desenfreno anatómico. ¡Cuánto interés en mostrarse y que poco gusto musical!.

Es que verás, yo prefiero conectar con el canal Play Boy y después escuchar un buen disco en el mp3 o el HiFi. Cada cosa en su sitio.

¡El revuelo mediático que se ha levantado con la vuelta al Showbissnes de la procaz Britney Spears!. Resulta que el vídeo de promoción de su nuevo álbum es una exposición detallada de la exuberante desnudez de la chica. Te digo de verdad que ni sé cómo se titula lo que canta, y que tampoco importa demasiado. Pero esto no es nuevo.

Hubo momentos en la historia de la música donde el desenfreno en escena era más que evidente. Desde el torso desnudo de La Iguana, más conocido como Iggy Pop, a la ambigüedad de David Bowie o la locura interpretativa de una Janis Joplin muy perjudicada sobre la escena. O portadas de discos como la de Jimi Hendrix que ilustra el inicio de este comentario. Y ya no hablemos de Chavela Vargas que en el colmo de los colmos del atrevimiento se permitió amenazar con un arma de fuego desde el escenario a quién mostró su desdén por lo que estaba cantando.

Pero claro una vez que el videoclip se instituyó como presentación promocional y canales como la MTV los acojió, la cosa fue cada vez a más llegando a la actualidad con vídeos de Robbie Williams mostrando torso generosamente, muy generosamente y ahora la heroína pop Spears. Yo no me asombro por ello. Lo hago por la forma tan vanamente obscena que se trata al motivo fundamental, la música. Relegada a un segundo plano nos consideran poco menos que testosterona andante.

Menos mal que el sentido común sigue imperando y los que de veras amamos la música esto no nos va más allá de una simple y divertida anécdota al margen de todo contenido musical.

Veamos otras anécdotas. De los nombres que a continuación te doy sólo tienes que teclearlos en YouTube y sobrarán las palabras. Terminaban los ochenta y allá por la Nochevieja de 1987 una joven italiana, cuánto saben los latinos de esto de la seducción, mostraba sin pudor un pecho al respetable que se atragantaba mientras degustaba el pavo, el pollo o la pechuga sobre la mesa mientras agudizaba la mirada hacia la pequeña pantalla. Era Sabrina que creo además cantó y todo. El Boys, Boys.

Esta fue la más comentada. Hubo otras como Angela Cavagna, también italiana, o la polaca Danuta. Y por supuesto Samantha Fox. Perfiles para todos los gustos donde el sentido del oído poco tiene que ver. Pero ahora que el frío y la nieve más que adivinarse ya se sienten en la recta final de octubre, un poco de calor en el ambiente no queda mal del todo.

Y ahora te preguntarás qué recomendación musical haré para ilustrar el comentario. No podía ser otra, "El Príncipe de la Lujuria" de Enigma.

Audio: El Príncipe de la Lujuria - Enigma

Jesús, la superestrella rockera

Es que parece que volvemos a las andadas. ¿Algunas vez dejamos de caminar por entre los procelosos mundos de la religión?. Jamás. Hay que ver lo que nos gusta una polémica. Y claro, bien mirado, qué mejor que poner palabras sobre el tapete y a partir de ahí formular teorías... Aunque sólo sean eso, pura teoría, vanas intenciones de explicar lo que no ha nacido para ser explicado, sino, sentido.

Me temo que puedo llegar a resultar un poco transcendente y no es mi intención. Quiero decir que me he enterado que a Jaén llega la versión española de la ópera rock Jesucristo Superstar. Los musicales están de moda. Camilo puso el listón muy alto en 1975 y Pablo Abraira y Estíbaliz (Mocedades) diez años después confirmaron que el primero era el mejor. Ahora el director teatral británico Sthephen Rayne ha creado un espectáculo especial adaptado para el público español.

Lo que nació de una idea original del director de musicales Andrew Lloyd Webber, (autor también de Sunset Boulevard, Cats o Evita) hace la friolera de 36 años, sigue siendo unos de los musicales más exitosos dentro de la historia del género hoy día. Pero... por qué. Veámoslo.

Jesucristo Superstar se estrenó por primera en el santuario del teatro mundial en Nueva York, Broadway. Unos días después lo hizo en Londres ciudad natal de Webber. Bajo un libreto de Tim Rice, Lloyd añadío una música muy en línea en aquellos tiempos, el rock. El mismo que hacían los Led Zeppelin, Black Sabbath o Deep Purple. Y que gentes como Jethro Tull llevaban a su máxima expresión apuntándose a la moda de las óperas rock que proponía Jesucristo Superstar. De hecho, Ian Gillan (vocalista de Deep Purple) hizo de Jesús en la grabación original de la ópera. Por este lado el éxito no podía ser esquivo del todo.

Eso por un lado. Por otro, que el protagonista es sin duda la figura legendaria para unos, histórica para otros, más influyente para ambos, en los últimos dos mil años, el mismo Hijo de Dios en la tierra mortal de los humanos, Jesús de Nazaret. Y aquí al menos la indiferencia desaparecía de escena. De hecho hubo grupos religiosos que se manifestaban a las puertas de los recintos teatrales protestando. Por qué, muy sencillo. Sólo se presentaba el lado humano del Jesús que ellos conocían prescindiendo de su naturaleza divina.

Era evidente pues, además de la calidad artística, que el musical estuviera nominado para cinco premios Tony, que fuera un gran éxito en todo el mundo y que el compositor, Andrew Lloyd Webber obtuviera el premio Drama Desk en 1973.

Y es que Rice y Webber hacían descender de las alturas al Hijo de Dios situándole en el mundo real con su real cotidianidad, adaptado, en una palabra, a los tiempos modernos. Es decir, que la obra lo tiene todo para ser considerada en tan buena medida tantos años después. Y en España resulta que el papel de María Magdalena lo representa una chica que surgió del concurso cazatalentos Operación Triunfo en su última edición.

De momento yo me he pillado la grabación que Ian Gillan hizo en el soundtrack original en 1971. El disco se publicó un año antes del estreno de la obra en Broadway y vendión más de tres millones de copias. Ahí te la dejo. Disfrútala.

Jesus Christ - Gethsemane (I Only What To Say) - Ian Gillan

Bob Dylan Acude a su Fondo de Catálago

Y no es la primera vez que lo hace para ir rellenando huecos. Pero al menos lo hace con dignidad y tira de aquellos descartes de sus discos publicados en los últimos casi veinte años. Discos en los que ha habido de todo.

Son temas que por algún motivo quedaron fuera de la selección final. Y escuchándolos aún uno se pregunta por qué... Quizá el bueno de Bob aprovecha los ratos de lucidez y guarda temas para las vacas flacas que tarde o temprano terminan por aparecer o quizá es un ardid comercial de Columbia Records para mantener entretenido al personal ante los cada vez más espaciados nuevos trabajos de Dylan.

El que fuera galardonado en abril de 2008 con el Premio Pulitzer por el "profundo impacto en la música popular y la cultura norteamericana, marcada por composiciones líricas de extraordinario poder poético", y el Príncipe de Asturias de las Artes el año anterior en España, nunca quiso abanderar ningún movimiento social. Pero a su pesar el mismo poder de convicción de esas letras aferradas a la realidad de una juventud que en los sesenta bullía en busca de nuevas respuestas a sus inquietantes preguntas existenciales, le colocaron a la vanguardia de la iniciativa revulsiva de los sesenta junto a su buena amiga Joan Baez, a base de folk desnudo de adornos pero repleto de frases lapidarias. 

Luego así como el que no quiere la cosa se subía a un escenario y se inventaba el folk rock. Tan sencillo como introducir una guitarra eléctrica al universo acústico del folk. Le criticaron, le desterraron del olimpo folky pero supo esperar, porque con claridad sabía que tarde o temprano terminaría por reconquistar su posición. Como así fue. Todo ello ocurrió en el festival Folk de Newport. ¡Qué revuelo tan sumamente mágico!.

En la actualidad y en directo quizá los adjetivos no puedan ser tan favorables, toda vez que parapetado tras un teclado su figura se paseó por España, Jaén, con cierta incertidumbre interpretativa... Pero la cabeza le sigue funcionando de cuando en cuando y ahora que el bueno de Rick Rubin recupera para el mundo acústico a figuras de relumbrón como Neil Diamond, antes Jhonny Cash y el próximo en la lista es el propio Dylan, él por su cuenta se marca todo un álbum de esa misma guisa con versiones alternativas de temas propios de las últimas dos décadas y otros que quedaron inéditos... hasta ahora.

Los recoge en el volumen número ocho ya de la colección Bootleg Series que ha ido publicando. Está bajo el título Tell Tale Signs. Disponible desde este mismo mes de octubre.

Voy a dejarte sólo un ejemplo. Apasionante. Merece la pena, es Bob Dylan en estado puro. Una grabación alternativa del Most Of The Time del álbum Oh Mercy de 1989, vigésimo sexto álbum de Dylan que supuso una recuperación en una etapa de crisis personal y musical.

Música en tiempos de Crisis

En un mundo globalizado en el que todo depende de todos a la vez y una mala administración de lo social, político, económico, etc., salpica por igual a cualquier rincón del planeta, hemos de andarnos con un cuidado exquisito.

Las crisis a lo largo de la historia reciente lo ponen de manifiesto. Ahora vivimos en una de ellas y ya estamos viendo las consecuencias. Apretarse el cinturón, bancos que sufren la falta de liquidez, empresas que en el mejor de los casos presentan expedientes de regulación y en el peor sencillamente desparecen... Pero, ¿cómo afecta una crisis a la música?.

Como industria que es se ve resentida. Ya lo venía siendo por aquello de las nuevas tecnologías, internet y la violación de derechos de autor. Los programas p2p bajo el signo del "compartir" han hecho mucho daño. Pero no hay mal que por bien no venga y eso dejó al descubierto el precio inflado artificialmente del producto final en el mercado, el cd. Y ya no hablemos de las copias "caseras" que de un disco se pueden hacer y el consiguiente canon que graba el software de las computadoras que lo realizan y el soporte en el que se plasman. La polémica sigue sobre la mesa. Pero Aún así los eventos en vivo gozan de buena salud. Digamos que todo se desarrolla en una relativa y aceptada normalidad, toda vez que esta industria ya venía vacunada por su propia crisis.

Pero no siempre fue así en otras crisis globales. Viajemos hacia el año 1973 del siglo pasado. La guerra del Yom Kippur que enfrentó a árabes e israelíes. Un conflicto ya antiguo que venía desde el nacimiento de la patria judía. Los primeros acosaron a Egipto y esto puso en alerta a los segundos que a su vez y para llamar la atención de Occidente y acudieran en su ayuda para evitar males mayores cortaron el grifo del petróleo. En unos días el mundo tuvo que hacer frente a un extraordinario colapso de grandes proporciones y el rock se resintió.

De pronto todo el mundo cayó en la cuenta que la industria discográfica dependía en gran medida del oro negro y sus derivados. Desde el cloruro de polivinilo del que estaban hechos los discos a las cintas de grabación, desde el papel de las cubiertas hasta el plástico de las casetes, y todo eso sin contar con la energía necesaria para poner en marcha un gran evento en vivo. Caos en definitiva. Y hubo tiras y aflojas durante muchos años después en busca de una solución al conflicto.

Había que ahorrar energía, gasolina o materias primas y pagarlo todo además a un precio mucho más caro. Era la crisis del petróleo, como también se llamó a este convulso período tras el estallido del Yom Kippur.

Un ejemplo práctico. Si una compañía disponía de plástico solo para editar un millón de discos, ¿que hacía?. Sacaba tres grupos, solistas nuevos o aseguraba la operación publicando esas copias con una figura "segura". Estaba claro, lo nuevo dejaba de grabar cortando el paso a las ideas frescas, innovación y evolución artística. Sólo en Gran Bretaña la producción bajó un 75% en 1973.

Todo esto se fue acentuando en los siguientes años y el rock se llegará a recuperar pero ya no será el mismo. Nacerá el punk, el mal gusto estético y los fenómenos puntuales como el rock alemán.
Entre ese período negro que va desde 1973 hasta al menos 1975 el rock aunque no se hundió estuvo seriamente tocado sin renovaciones. Aunque en EE.UU hubo una gran aportación, la de Bruce Springsteen; en Inglaterra los artistas realmente importantes fueron Queen por ser la última de las grandes bandas de rock surgida de aquella rara etapa y Mike Oldfield gracias al impactante "Tubular Bells".

En ese momento Mike Oldfield tenía 19 años (1973). Y en el álbum al que me refiero él mismo se encargó de tocar los 28 instrumentos que se oyen grabados en 80 grabaciones separadas. En un concepto novedoso que consistía en un sólo tema que completaba el metraje total del vinilo por ambos lados, sin solución de continuidad, sólo la obligada para dar la vuelta al disco en el plato giradiscos. Y el dinero que se ahorró al no necesitar músicos y demás complementos. Fue seleccionado para la banda sonora del clásico del terror "El Exorcista" y llegó al número uno en medio mundo. Ahí te dejo el fragmento más conocido.

Tubular Bells (Edit) - Mike Oldfield

Una Sugerencia

Es que verás, en tanto que son variadas las proposiciones musicales que te hago quisiera que de cuando en cuando repasáramos algunas de las que van desfilando por el blog.

Para hoy me apetece recomendarte que eches un nuevo vistazo si ya habías pasado por aquí, y si no, pues qué mejor oportunidad para hacerlo ahora, al disco que el pasado mes de agosto rescaté de la reina del soul de los 80 Randy Crawford.

Muy elegante, bien cantado... Merece la pena el ejercicio de volver a escucharlo en este día de otoño. Hay un tema enlazado en ese artículo que te gustará.

En la columna de la derecha puedes hacerlo. No obstante este es el enlace directo:

Randy Crawford - Every Kind Of Mood

Animalandia Musical

Que viene a colación de la lectura que hice hoy mismo de la última reflexión de mi buen amigo Agudo (en la columna de enlaces podéis acceder a su blog). Y es que le asiste toda la razón. A ver qué culpa tienen las pobres mascotas de tener unos dueños que se estrujan tanto la sesera para al final llamar al gatito 'minino'. ¡Si es que...!.

Y yo a lo mío. Porque éstos sin saberlo también han sido objeto de las afiladas "plumas" de los autores de turno que han querido rendir homenaje, por llamarlo de alguna manera, al reino animal en sus composiciones. Incluso en los nombres de grupos o solistas. No olvidemos a la formación alavesa La Polla Record o al venezolano José Luis Rodríguez "El Puma".

Y eso es sólo el comienzo. Sigamos deleitándonos por las "animaladas", dicho sea con toda precaución, de nuestros músicos.

Los más inteligentes fueron The Animals, la banda de mi querido genio Eric Burdon. Estos con La Casa del Sol Naciente, siquiera por la visión que aquella les provocaba, decidieron tomar el genérico del mundo animal, Los Animales. Luego hubo quienes no teniéndolas todas consigo no se arriesgaron y bautizaron a un caballo sin nombre alguno. Eran America, con su inolvidable ritmo acústico a lomos de un caballo sin nombre, "A Horse Whith No Name".

A David Coverdale le debió faltar seguridad a la hora de realizar su hard rock cuando abandonó a los Deep Purple en 1978 y fundó su propia banda, Whitesnake. Nada menos que la Serpiente Blanca. Ahora sí que la banda tendría "mordiente" entre sus seguidores. Como los alemanes Scorpions, los escorpiones, otra banda de hard rock y que sustituyeron el aguijón por melosas baladas rock. Entre el rock nacional también hay animaladas como la de una banda local, Alicante, llamada Furia Animal, o los Barricada que llamaron a uno de sus temas "Animal Caliente".

Seguimos a través de la jungla, aunque sea doméstica. Cómo no recordar el fabuloso año animal con el británico Al Stewart y su "Year Of The Cat". Incluso reclutó a Alan Parsons para que la cosa quedase mona, perdón, quise decir agradable. Y ya que hablamos de gatos... el más raro del mundo, el gato azul de Roberto Carlos, que además estaba triste. Y si con felinos queremos seguir , qué me dices del desaparecido rey de la rumba catalana, el verdadero, Gato Pérez... Y el gato que hace 'huyhuyhuyhuy' de Rosario, vamos que..., un gato que conoce al menos alguna vocal y consonante... Si es que se les quiere tanto que terminan por hablarnos.

Y eso que a veces les ponemos a madrugar para darnos el gustazo de ahorrar pila en el despertador. Que se lo digan al gallo de Radio Futura que en "La Canción de Juan Perro" (date cuenta el guiño) incluyeron "El Canto del Gallo" y abrieron el disco con "En Un Baile de Perros".

Y "de la mar el mero y de la tierra el cordero" o "verde que te quiero verde .../... el barco sobre la mar y el caballo en la montaña" del Romance Sonámbulo de Federico García Lorca y al que el desaparecido Manzanita puso su toque agitanado. Es decir, que también la mar océana y su fauna están incluidas. Desde "Los Peces de Ciudad", una hermosa y aguda visión del mundo actual compuesta por Sabina para Ana Belén, al juego de expresiones que Fito y Fitipaldis sugirieron con su "Por la Boca Vive el Pez".

Pero ahora viene lo más grande. Te ha dado alguna vez por traducir el termino inglés 'Beatles'. Ni se te ocurra hacerlo porque terminarás loco. Yo te abrevio el camino. No existe la traducción, ni mucho menos la palabra. Digamos que es una especie de contracción de 'Beat', golpe, ruido, y 'Beetle' que significa escarabajo. Exacto, nuestros incombustibles de Liverpool a pesar de los años y defunciones varias, quisieron bautizarse como Los Escarabajos Ruidosos, más o menos... ¡Jo, qué divertido!, lo digo de veras.

Y ya para terminar con el repaso actual, porque hay muchos nombres más, lo hago con Bob Dylan. Este sí que lo vio claro. Y lo que yo aún me pregunto es en qué o quién estaría pensando el de Minnesota cuando en 1979 publicó el disco "Slow Train Coming" que contenía el tema "Man Gave Names To All The Animals", esto es, "El Hombre Puso Nombre a Todos Los Animales". Venía de una etapa mística y recondujo su carrera hacia la cristiandad. Debió pensar las animaladas que hubo de ver en sus años de descuelgue de la realidad.

Como puedes observar el mundo animal en todas sus vertientes queda bien reflejado en el de la música, por qué será... No me contestes. Por eso ahora te dejo un mono, quiero decir, varios monos, los de "Wise Monkeys" del guitarrista canadiense Phil Carmen. Es una gozada y amansa a las fieras.

Phil Carmen - "Wise Monkeys"

Poemas que hacen Vida

No sé si deberé consultarlo con mi médico pero aún me sigo sorprendiendo y descubriendo cosas. Y quiero dejar constancia de ellas en el que ya viene siendo nuestro punto de encuentro en la red, este blog. Igual te hago recapacitar y de paso aprendemos juntos.

Confieso que hasta hoy mismo desconocía la existencia una vez del poeta francés Paul Éluard. En google puedes teclear su nombre, et voilà, ahí aparecen todos los datos. Pero quizá no este que te voy a dejar a continuación.

Destacado comunista, casó con Gala, la que tras su separación se convertiría en la musa y consorte de Salvador Dalí. Este poeta durante la II Guerra Mundial decidió presentar batalla al eje a través de la palabra. Es cuando surge el poema "Liberté". En realidad en torno al amor, aparentemente. Su lectura detallada en el contexto en que fue creado, en la Francia ocupada por Hitler en 1942, revela su auténtica dimensión. Es un grito de libertad, revulsivo, militante y siquiera habría que decir que comprometido. Por supuesto incómodo para los propósitos del ejército alemán.

Tal es así que los aviones aliados lanzaban copias del poema en el territorio ocupado en Francia para apoyar a la resistencia. De aquí a la clandestinidad del poeta sólo había una fina línea que debió cruzar para ocultarse e impedir su arresto y posible ejecución. Las convicciones pacifistas de Paul Éluard estaban fuera de toda duda poniendo su propia vida en riesgo.

Curiosamente seis años después, 1948, las Naciones Unidas pusieron en circulación un documento que era la respuesta a las atrocidades de la guerra: Declaración Universal de los Derechos Humanos.

Te voy a dejar ahora una emotiva canción de Leonard Cohen, el cantante y poeta contemporáneo en la que rinde homenaje a los Partisanos, las guerrillas que lucharon contra los nazis en la segunda guerra mundial. Cohen se refiere a las que presentaron batalla en el país Galo. También a la última estrofa del poema de Paul Éluard.

"Y gracias al poder de una palabra,

recomienzo mi vida,

he nacido para conocerte,

para nombrarte: Libertad."

(Paul Éluard - 1942)

"The Partisan" - Leonard Cohen

A-ha, la moda visual

No voy a descubrir a estas alturas nada, salvo que algún despistado se frote la frente como ordeñando las entendederas por si se enciende la bombillita. Sí, son el grupo noruego que tan buenos momentos televisivos nos dio en 1985, el trío A-ha.

La MTV, la cadena de televisión internacional de música, entiéndase imágenes musicales o videoclips, podría hablar mucho y bien por el enorme aporte de seguidores que le supuso el debut de la banda que fue acompañada de una buena canción pop de la época y que traía como tarjeta de presentación un soporte que tomaba cuerpo en aquellos años de sintetizador y secuencias enlatadas, el vídeo musical.

Era el tema "Take On Me". Un sencillo llamado inicialmente "Lesson One" y revisado concienzudamente para el éxito definitivo. Un año antes hicieron una primera grabación que no significó nada. Los nuevos arreglos y sobre todo el vídeo que le sustentaba esta vez sí que dio en la diana. El tema muy pegadizo se ofrecía en un vídeo promocional revolucionario para la época ya que "mezclaba animaciones en boceto con vídeo original", vamos, que interactuaban las unas con los otros.

La cosa no pudo ir mejor. En una semana vendieron un millón y medio de copias del tema y se situó directamente en el nº1 del Billboard, nº2 en el Reino Unido. Algo tendrá el agua cuando la bendicen. ¡Ah!, todas las chicas decían que daban muy bien en pantalla.

Esto ocurrió hace 23 años. Pero resulta que ayer mismo pude visionarlo aún en uno de los canales musicales de la televisión vía satélite. Fíjate el tiempo que ha pasado y siguen llamando la atención. Al menos continúan entrando por los ojos. Quizá sea porque a final de año se preve un nuevo álbum de estudio de la banda. Nunca se marcharon y dejaron una buena andanada de seguidores que siguen puntualmente todos sus movimientos.

Hablaré con más detalle de su música cuando tenga el material nuevo en las manos. Por lo pronto te dejo un enlace directo al famoso videoclip y otro de sus grandes éxitos, por cierto, una versión del "Crying" de Carole King.

Vídeo "Take On Me", portal YouTube.

Tema "Crying In The Rain"

El fin 'no' justifica los medios

Nos ponemos en situación. Carretera comarcal, tres de la tarde y a pleno sol. Sol de otoño pero aún con intensidad. De pronto en una incorporación a la comarcal un automóvil realiza su maniobra para acceder a la misma proveniente de la localidad aneja.

La incorporación no es fácil habida cuenta de lo limitado de la visibilidad del cruce que forma la intersección. Aún así éste comienza su giro y cuando casi ha terminado otro vehículo se acerca advirtiendo la situación. La frenada para evitar la colisión es majestuosa. Pero la vía principal tiene limitada la velocidad a 50 Kms/h. Por tanto hay que sospechar que el conductor sorprendido ha debido asustarse o sencillamente sobrepasaba en ese momento la velocidad permitida. Matando moscas a cañonazos.

Afortunadamente no ocurre nada. El tráfico rodado sigue su marcha. Pero se observa como el vehículo que ha realizado la frenada defensiva da la vuelta y comienza a perseguir a su antagonista rutero hasta darle alcance. Se sitúa delante de su objetivo, saltando la línea continua y todo, y en plena calzada detiene su vehículo provocando la propia del anterior a quien seguramente, y en el mejor de los casos, va a propinar una sonora reprimenda.

Es fácil visualizar la escena. Tras ellos toda una larga cola de coches que sorprendida de repente y en plena calzada por dos vehículos poco menos que allí plantados sin más y en una vía con tráfico habitual, en fin, que hemos de realizar una parada de emergencia, con lo cual se podría haber provocado algo mayor. Lo que ya era definitivamente rocambolesco es que a pocos metros una gasolinera presentaba un escenario ideal para dirimir diferencias de tráfico.

Así es la vida. Está claro que Maquiavelo se volvió a equivocar. Por si acaso continué mi marcha y de repente me apeteció subir el volumen de mi radio cd y allí estaba él, Bobby Mcferrin y su "Don't Worry, Be Happy". Pues eso.

El Círculo Perfecto de "Imagine"

Suma y sigue en el proceloso mundo de la copia autorizada. Mejor dicho, de las sugerentes evoluciones sobre un original que termina así de alcanzar quizá su máxima expresión o sencillamente una vía alternativa de escape distinta a como inicialmente se concibió.

Y todo surgió gracias a la invitación de mi buen amigo Antonio, Agudo para más detalles, a desarrollar la idea por entre estos mares de elaboración personal e íntima de préstamos impagables en forma de canción y que en ocasiones pasan desapercibidos.

Hace unos días te hablé de Dolly Parton en una sorprendente recreación a modo country del histórico y oscurantista viaje al "cielo" -entiéndase infierno- del críptico "Stairway To Heaven" de los mejores Led Zeppelin de los primeros setenta. Su vocecita de terciopelo suavizó el tema en vivo e hizo lo propio con otra impagable herencia más bien pop por los años en que ya estaba, finales de los sesenta, del "In The Gettho" del Rey Elvis Presley.

Pues esto es como el mar, que una vez que te plantas ante él te atrapa y no puedes de dejar volver aunque sólo sea con la imaginación. Total, que hace unos días profundicé -tarde pero cierto- en un álbum de los A Perfect Circle de nombre "Emotive". Esta es una banda, cuatro tipos y una chica de pasado metálico provenientes de los Tool, Marilyn Manson y Smashing Pumpkins, que desde la costa oeste yanqui, Los Angeles, iniciaron su periplo musical en 1999 con una suerte de rock con melodías destacables y arreglos un tanto funestos. Es una combinación poco novedosa, es verdad, pero en manos de estos cinco alcanza cotas esplendorosas.

En "Emotive" hay un buen puñado de versiones. Es que es el motivo del disco de nombre apropiado. Porque de pronto le dan la vuelta y ahí aparece un nuevo concepto sobre la base. Son todas muy reconocibles pero en un tempo que las hace tomar una nueva dimensión. Las hay de Marvin Gaye, Joni Mitchell, también Led Zeppelin y una muy, muy buena recreación aciaga, casi apocalíptica sobre el original "Imagine" de John Lennon. Donde en uno es un mundo idílico esperanzador, en los otros es cruda ironía sobre el mismo mundo que ya no es ni será.

Es apasionante. Por eso para tu disfrute dejo más abajo el enlace a la canción en cuestión. No te pierdas tampoco la portada del disco. ¡Cuánto se echan de menos los viejos vinilos!.

A Perfect Circle - "Imagine"

Cantar Prestado

Son variados los motivos por los que un solista, grupo o compositor cede a la tentación de meter mano a las obras de sus iguales. Con el consentimiento oportuno para evitar el ominoso juicio. Aunque existen caminos alternativos para hacerlo y no se note . Ya sabes, esas sospechas de que aquel tema suena como ese otro y los créditos son distintos... El plagio, para entendernos.

Quizá durante los sesenta Phil Spector podría haber emprendido un lucrativo tour por los juzgados si hubiera reaccionado contundentemente ante aquellos que tomaron como base su famoso "muro musical". Pero claro, aquello más bien era un concepto de difícil registro en la propiedad intelectual.

De lo que quiero hablar es de la versión o cover de toda la vida. Aquella que aparece con sus créditos en regla. Y han sido muchas a lo largo de la historia de la música moderna. Unas para hacer buena la original otras directamente para relegar a su progenitora a un segundo plano.

Qué duda cabe que las segundas son más interesantes. Pero no nos equivoquemos. Para que así sea debe existir una base potable. Tampoco queramos devaluar la valía de quien tuvo primero la inspirada visita de la musa.

Motivos, pues los mismos de cualquier creador. La sequía puntual que por más que exprima no sale nada bueno del pentagrama, la vagancia, recuperar posiciones en el ránking de los más vendidos con canciones que llevan el marchamo del éxito asegurado porque ya lo fueron en su versión original, o simplemente porque sólo son intérpretes... Y en el mejor de los casos, que habida cuenta de lo que hay son los menos, por el placer de conducir un "cochazo de lujo".

La mayoría de los grandes lo han hecho, de los pequeños ni hablemos porque se sirven de ellas con frecuencia para despuntar en su carrera. Bob Dylan, David Bowie, U2, Van Halen, Danza Invisible, Radio Futura, Elton John, George Michael, Robbie Williams, Miguel Ríos... por citar unos pocos. Algunos a bordo de discos completos como tributo a un estilo, cantante o grupo, conciertos benéficos, etc.

Siempre que se haga bien y no como recurso estrictamente comercial el resultado va a ser mejor que bueno. Es evidente. Plantéatelo un segundo y verás como tiene sentido. Dan lugar a auténticas recreaciones con resultados en algunos casos entrañablemente peculiares. Voy a dejarte un ejemplo de ello. "Stairway To Heaven", la obra maestra del rock de los primeros setenta de carácter ocultista de la Led Zeppelin en manos de la cantante country Dolly Parton y además en directo. Es una delicia.

Dolly Parton - "Stairway To Heaven"

Quién lo diría

Que uno descubre cosas en cualquier momento que resultan increíbles es algo indiscutible. Y en ocasiones nos produce una verdadera satisfacción al comprobar que el género humano como tal nos sorprende cada día más. No es sólo cuestión de genética sino también de esfuerzo y espíritu de superación. Bien mirado y en los tiempos que nos ha tocado vivir es toda una hazaña.

El genio nace o se hace. Parece obvia la respuesta. Pero no te precipites, recapacita un instante. Este es el mismo y viejo dilema del huevo y la gallina, cuál fue antes de los dos. Vamos a poner un ejemplo para ilustrar el proceso de meditación que te propongo esta vez.

Niños prodigio de capacidad intelectual desbordante o máximo esfuerzo y dedicación. Bien, ambas cosas se dan en la vida cotidiana. Lo que ya quizá complica el asunto es cuando asignamos nombres propios a cada grupo. Pongamos por caso el de ilustres figuras de reconocido prestigio social y cultural. Se descabalan más las disquisiciones cuando añadimos el factor trabajo. Se lo curraron más de lo que en principio pudiera parecer.

Después de sesudas formulaciones matemáticas en combinación con espesos conocimientos de física cuántica, resulta que si te desplazas a la velocidad de la luz en el espacio, para el sujeto-observador que queda quieto en un punto el tiempo se acelera de una manera exponencial en relación al sujeto que se desplaza, el cual ralentiza su reloj con la misma progresión. Es la Ley de la Relatividad, explicada así como de andar por casa. En ese estudio se demostró también la elipse que el haz de luz describe por culpa de la gravedad. Es evidente. Hablo del científico alemán nacionalizado estadounidense Albert Einstein.

Siguiente personaje. Fue premio Nobel de Literatura, por su dominio de la descripción histórica y biográfica, sus innumerables artículos periodísticos y sus brillantes discursos. Militar destacado, Primer Ministro británico en el período más convulso y comprometido del siglo pasado, la II Guerra Mundial. Su biografía está repleta de elogios como estadista. También es evidente en este caso, estoy hablando de Winston Churchill.

Pues bien, ahora viene, como en el cine, el momento álgido. Tanto uno como otro mostraron manifiestamente gran dificultad para aprender a leer y escribir. Efectivamente, eran disléxicos. Y fíjate hasta dónde llegaron. Quién lo diría.

Pink Floyd de Luto

La noticia se conoció ayer lunes a última hora. Uno de los miembros fundadores de la banda británica de rock psicodélico, Richard Wright, fallecía por culpa de un cáncer.

Este teclista dio un genuino sello al sonido del grupo en el que también militaban otros dos históricos de la música moderna, el guitarrista David Gilmour y el bajista Roger Waters. Este último sí estaba en la banda desde sus inicios.

Aunque Wright abandonó la primera línea de la banda en la grabación de "The Wall" pasando a ser un músico más de sesión y para conciertos a "petición" de Waters, no cabe duda que su teclado fue muy influyente en el resultado final de tantos buenos discos como el grupo británico ha realizado. Una vez el bajista abandonó el grupo de nuevo Richard Wright se incorporó al seno activo de los Pink Floyd.

Es pues justo que le recordemos siquiera brevemente en esta nota de urgencia. Más adelante dedicaré un artículo más extenso a Pink Floyd.

Mamma Mia con ABBA

No se tenía la completa certeza de lo que podía ocurrir en el momento que el grupo sueco ABBA decidiera liberar los derechos de utilización de sus canciones y entidad como grupo al séptimo arte. Hasta ahora habían decidido perpetuar el sueño de los justos de la otrora exitosísima banda al cine. Aunque en el teatro ya se había fraguado el futuro éxito renovado.

Pero he ahí que una vez que fueron convencidos por los gerifaltes del arte cinematográfico éstos decidieron permitir que sus ABBA de toda la vida dieran el salto a la gran pantalla. El resultado, como decía, se intuía. Ahora se corroboraba. El fenómeno setentero ha vuelto con más fuerza que nunca.

Bien es cierto que el cuarteto nórdico jamás se marchó. Sus discos se han seguido vendiendo de forma cuantiosa a lo largo de las últimas décadas, desde que en 1982 se despidieran oficialmente. Y no porque el proyecto acabara, sino, por las disensiones que surgieron entre ellos. Nada original por otro lado. Formaban dos parejas bien avenidas -heteros, que en estos tiempos todo hay que aclararlo- que provenían del beat y folk-rock de los sesenta, caso de los dos chicos encargados de las tareas de composición, Bjorn Ulvaeus y Benny Andersson, y del jazz, caso de la intérprete Anni-Frid Lyngstad y Agnetha Faltskog la rubita que obtuvo un número 1 en Suecia como solista en 1968.

Por tanto, y a las pruebas me remito, no estamos ante cuatro aficionados que tuvieron un golpe de suerte. Durante los años en que reinaron en el pop y dance -1974 y 1981- obtuvieron una popularidad internacional que ni los mismísimos The Beatles. Y sus ventas multimillonarias les situaron en un envidiable estatus en la empresa musical. Sus estribillos pegadizos de pop y dance martilleaban constantemente en radios, teles...

A parte de sus clásicos "Chiquitita", "Fernando", "Mamma Mia", "Dancing Queen" nº1 en EE.UU, o "Waterloo" segunda participación de la banda en Eurovisión, esta vez en 1974 con la que consiguieron ganar el certamen de ese año desatando la fiebre ABBA, en su repertorio hay temas de una bella factura interpretativa y de composición. Date una vuelta por sus discos que por cierto todos están disponibles, no hay nada descatalogado.

Así es que cuando los dos ex-componentes masculinos del grupo dieron luz verde al proyecto de cine "Mamma Mia", como adaptación de la obra teatral que ya existía y participando en la producción del mismo junto a Tom Hanks, con Meryl Streep y Pierce Brosnan al frente del reparto, sabían muy bien que era el momento de resucitar a lo grande y en toda regla al fenómeno musical más llamativo de los setenta.

De nuevo la crítica los puede tachar de horteras, facilones, buscando el éxito inmediato con canciones superfluas... Bueno, eso es la crítica, porque el éxito de entonces y actual -siempre- dice que el gusto del público en general va por otros derroteros y que tiene una forma muy clara de presentar batalla cuando algo le gusta.

En el siguiente enlace puedes escuchar el entrañable "The Winner Takes It All" que cantó con una gran dulzura la rubia y sex-symbol del grupo Agnetha.

ABBA - "The Winner Takes It All"